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SUMMARY:Laura Omacini - Le beatitudini - Museo Ca' Pesaro
DESCRIPTION:Laura Omacini. Le beatitudini \n Ca’ Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna\, 7.10 – 6.11.2022 \nA cura di / Curated by  Elisabetta Barisoni \nSelezionata nel 2021 da Ca’ Pesaro per il Premio Level 0 di ArtVerona\, Laura Omacini ha voluto creare per la project room al piano terra del Museo una nuova serie di opere intorno a un soggetto profondamente legato alla città di Venezia\, che da anni documenta attraverso fotografie\, schizzi ed appunti. \nLe impalcature\, con il loro arrampicarsi intorno agli edifici\, le loro velature e camuffamenti\, sono trattate come un elemento caratteristico del paesaggio cittadino\, il cui equilibrio necessita di continue cure e attenzioni. Presenze al contempo benefiche e invasive\, costanti e impermanenti\, queste costruzioni vengono estrapolate dal contesto urbano e riportate su collages che raccolgono frammenti di immagini tratte da riviste e quotidiani locali\, trasformandosi in membrane contenitive di un racconto del presente\, tra le cui increspature possiamo intravedere una serie di connessioni e rimandi simbolici. \nLa tensione tra lo spessore del collage e la superficie del film pittorico\, insieme al contrasto tra l’opacità delle luci e la trasparenza delle ombre\, ricrea un movimento acquatico che scompone e deforma la visione\, unendo il fondale ai riflessi del cielo. Si originano così composizioni che richiamano simultaneamente l’intimità della casa\, della cura\, del gesto quotidiano\, e l’alterità del mondo\, la sua interferenza\, il suo caos generativo\, aprendo a una molteplicità di interpretazioni e letture diverse.\nIl titolo della serie evoca un percorso verticale\, invitando lo sguardo a scalare l’immagine attraverso i diversi piani della rappresentazione. \n\n\nMostra \n\n\n \nSelected in 2021 by Ca ‘Pesaro for the Level 0 Award of ArtVerona\, Laura Omacini wanted to create for the project room on the ground floor of the Museum a new series of works around a subject deeply linked to the city of Venice\, which for years she has documented through photographs\, sketches and notes. \nThe scaffolding\, with their climbing around the buildings\, their veils and camouflages\, are treated as a characteristic element of the city landscape\, whose balance requires continuous care and attention. Presences at the same time beneficial and invasive\, constant and impermanent\, these constructions are extrapolated from the urban context and reported on collages that collect fragments of images taken from local magazines and newspapers\, transforming themselves into containing membranes of a story of the present\, among whose ripples we can glimpse a series of connections and symbolic references. \nThe tension between the thickness of the collage and the surface of the pictorial film\, together with the contrast between the opacity of the lights and the transparency of the shadows\, recreates an aquatic movement that breaks down and deforms the vision\, combining the backdrop with the reflections of the sky. Thus compositions arise that simultaneously recall the intimacy of the home\, care\, the daily gesture\, and the otherness of the world\, its interference\, its generative chaos\, opening up to a multiplicity of different interpretations and readings.\nThe title of the series evokes a vertical path\, inviting the eye to scale the image through the different levels of representation.
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SUMMARY:Continuum - Tomas Tichy
DESCRIPTION:ph Bruno Barbero\n \n \nCONTINUUM \nMostra personale di Tomas Tichy \nVia Parma 66 D – Torino \n5 ottobre – 12 novembre 2022 \nIl 5 ottobre 2022 CRAG Gallery presenta il nuovo spazio espositivo con la mostra Continuum dell’artista Tomas Tichy (Praga\, 1984) appartenente alla scena praghese della giovane pittura figurativa. \nIl luminosissimo loft nel quartiere Regio Parco in via Parma 66D\, che si affianca alla sede di via Giolitti 51\, vuole diventare a partire dal 2023 uno spazio di scambio tra arte\, design\, ed esperienze\, interessi\, e visioni di menti creative. Il desiderio è di condividere progetti tra più generazioni e continuare il percorso della galleria alla ricerca di artisti emergenti. \nPer questa preview dello spazio\, CRAG Gallery ha scelto di presentare un ciclo tematico realizzato tra il 2020 ed il 2022\, con fulcro l’osservazione dei cambiamenti dovuti alle tecnologie digitali e post-mediali che hanno influenzato ed influenzano la sensibilità dell’essere umano. A partire da immagini fotografiche in movimento\, Tomas Tichy con il media pittorico ci restituisce opere che interagiscono con la nostra percezione. \nIn passato la pittura figurativa rappresentava prevalentemente la realtà per ciò che era: attraverso le opere di Tichy le raffigurazioni contemporanee riportano ad una realtà mistificata\, fluida e cruda\, ad un dualismo tra ciò che è e ciò che appare. \nLe tematiche approfondite dall’artista sono molteplici\, dalla moda\, allo sport\, alle tecnologie\, agli idoli. I soggetti rappresentati nell’atto sportivo sono caratterizzati da una accelerazione quasi atemporale\, a metafora della nostra costante esigenza o abitudine alla corsa e competitività nelle azioni quotidiane. \nDall’altro lato l’artista si concentra sui “paradisi artificiali” della moda\, nei quali oggi più che mai il mondo del digitale ci presenta una realtà ideale e spesso effimera. Le immagini\, in particolare delle modelle iconiche\, vengono modificate pittoricamente come se fossero create meccanicamente dal trascinamento delle immagini su iPad. Viene ricreata una nuova dimensione di percezione del volto e della figura che restituisce il lato umano\, reale\, quasi malinconico\, abbandonando quello statico e di “facciata”. \nNelle opere ritroviamo “piante digitali”\, come analogia dell’intelligenza artificiale\, “con una forma che allude allo stato naturale seppure quello che stiamo osservando sia solo una struttura surrogata\, mimetizzata”” (Petr Vanous)\, che trasmette energia da un lato\, ma alienazione dall’altro. \nQuesto costante dualismo critico nelle rappresentazioni\, pregnante nelle scene di box o nell’interazione uomo-animale\, è portato avanti da Tichy con convinzione dello strumento artistico come chiave di presa di coscienza ed invito a vedere le opere d’arte come specchio di riflessione e abbandono ad una dimensione umana da ritrovare. \nPer visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/ \n \n\n \n \nCONTINUUM \nSolo exhibition of Tomas Tichy \nNew space preview \nVia Parma 66 D – Turin \n5 October – 12 November 2022 \nOn 5 October 2022 CRAG Gallery presents the new exhibition space with the Continuum exhibition by the artist Tomas Tichy (Prague\, 1984) belonging to the Prague scene of young figurative painting. \nThe bright loft in the Regio Parco district in via Parma 66D\, which joins the headquarters in via Giolitti 51\, wants to become\, starting from 2023\, a space for exchange between art\, design\, and experiences\, interests\, and visions of creative minds. The desire is to share projects between generations and continue the path of the gallery in search of emerging artists. \nFor this preview of the space\, CRAG Gallery has chosen to present a thematic cycle created between 2020 and 2022\, with the focus on observing the changes due to digital and post-media technologies that have influenced and influence the sensitivity of the human being. Starting from photographic images in motion\, Tomas Tichy with the pictorial media gives us works that interact with our perception. \nIn the past\, figurative painting mainly represented reality for what it was: through Tichy’s works\, contemporary representations bring back to a mystified\, fluid and raw reality\, to a dualism between what is and what appears. \nThe themes explored by the artist are many\, from fashion\, to sport\, to technologies\, to idols. The subjects represented in the sporting act are characterized by an almost timeless acceleration\, a metaphor of our constant need or habit of running and competitiveness in daily actions. \nOn the other hand\, the artist focuses on the “artificial paradises” of fashion\, in which today more than ever the digital world presents us with an ideal and often ephemeral reality. Images\, especially of iconic models\, are pictorially modified as if they were created mechanically by dragging the images onto the iPad. A new dimension of perception of the face and of the figure is recreated which returns the human\, real\, almost melancholic side\, abandoning the static and “facade” side. \nIn the works we find “digital plants”\, as an analogy of artificial intelligence\, “with a form that alludes to the natural state even though what we are observing is only a surrogate\, camouflaged structure” “(Petr Vanous)\, which transmits energy on the one hand\, but alienation from the other. \nThis constant critical dualism in the representations\, pregnant in the box scenes or in the human-animal interaction\, is carried out by Tichy with conviction of the artistic instrument as a key to awareness and an invitation to see the works of art as a mirror of reflection and abandonment to a human dimension to be rediscovered. \n\nPer visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/
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SUMMARY:I cieli in una stanza - Federico Caputo
DESCRIPTION:La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare I cieli in una stanza\, mostra personale dell’artista Federico Caputo (Sanremo\, 1995) dal 15 settembre al 15 ottobre 2022\, nella sede di via Giolitti 51/A\, Torino. \nQuesta mostra nasce dalla condivisione di una scoperta. \nTutto è iniziato con l’acquisto d’impulso di un album di fotografie contenente una raccolta di cartoline stampate durante il periodo del colonialismo dalla ditta “Fotocelere” di Torino. Le immagini erano tratte da scatti di Aldo Baratti che all’epoca viveva in Etiopia\, dove aveva lo studio fotografico. \nIl fascino delle fotografie di Baratti\, che con lo sguardo occidentale aveva ritratto un’Africa da sogno\, ci ha portati a riflettere su quale immaginario avessero suscitato queste cartoline distribuite tra il 1930 e il 1935 in Italia\, e quanto siano interessanti ancora oggi. \nphoto di Davide D’Ambra\nLe tematiche delle cartoline rimandano a differenti serie\, tra cui i corpi con i seni scoperti delle ragazze bilene\, chiamate “Veneri nere”: il nostro pensiero è andato al “madamato” e poi ancor oggi alle spose bambine. Altre serie raffigurano guerrieri in posa altera\, scene di lavoro e di quotidianità\, feste e cerimonie religiose. Tutto ciò spesso ripreso in mezzo ad una natura meravigliosa con sullo sfondo il gigante sicomoro e la fila di elefanti che incede passo dopo passo. \nLe nostre conversazioni\, stimolate dalle cartoline\, s’incalzavano via via che si approfondiva l’appassionante ricerca intorno al tema Etiopia. Federico Caputo ha raccolto i pensieri\, l’immaginario\, le note storiche fino a realizzare le opere in mostra. Abbiamo avuto la consapevolezza di come spesso sia difficile ripensare alla storia se non per stereotipi\, cosicché il nostro dialogo si è arricchito di un’ulteriore analisi grazie alla collaborazione di Nicola Imoli e di un testo di Michela Mivida Di Meo\, antropologi. \nDopo questo periodo di ricerca e riflessione\, Federico ha realizzato le sue opere intersecando liberamente le immagini delle cartoline con la sua pratica artistica\, la sua storia personale e quella collettiva con richiami al mondo della canzone. Ricamo dopo ricamo\, ha sovrapposto i suoi pensieri e le immagini fino a fissare con il filo e la lentezza del gesto una stratificazione tra il passato e la vita più recente. Le opere sono quadri ricamati a mano su stampe serigrafiche\, talvolta racchiuse in teche fosforescenti\, evidenziando così la barriera tra il passato e il presente\, tra il gesto intimo e antico del cucire con lane e fili preziosi e i contenitori fluo come i colori della palette dell’artista. In questo modo Federico Caputo\, in continuità con il suo lavoro\, ha inserito i suoi temi cari\, tra cui le figure iconiche degli anni ’60 che dominano la scena\, rimanendo legato a quel senso di nostalgia che pervade le sue opere\, non cadendo in questo modo in prevedibili soluzioni. È così che nasce l’opera guida della mostra\, nella quale l’artista s’immagina seduto sotto al grande sicomoro a contemplare un cielo immenso ascoltando “il cielo in una stanza” di Gino Paoli\, in una dimensione senza tempo. \n“Quando sei qui con me\, questa stanza non ha più pareti\, ma alberi\, alberi infiniti…” \nSi ringraziano gli antropologi Nicola Imoli e Michela Mivida Di Meo per il testo a supporto della mostra e per il loro entusiasmo nella partecipazione al progetto. \n \nPhoto di Davide D’Ambra\nNicola Imoli (Vicenza\, 1988) \nNicola Imoli dopo una laurea triennale in Lingue\, letterature e culture del Mediterraneo (Arabo e Hindi) si è laureato in Antropologia culturale all’Università Ca’ Foscari di Venezia con una tesi sul paesaggio condiviso da pastori e miniere nel deserto del Gobi\, in Mongolia meridionale. Si è interessato in particolare allo studio dei fenomeni di mutamento sociale tramite le lente offerte dall’antropologia del paesaggio e delle forme di abitazione. Attualmente è dottorando presso l’Università di Torino. \nMichela Mivida Di Meo (Rodi\, 1988) \nDi madre greca-etiope e padre italo-etiope\, Michela cresce ad Atene fino al trasferimento in Italia\, a Desenzano del Garda\, dove frequenta l‘intero ciclo scolastico fino a laurearsi in Filosofia\, a Verona. Conseguita la specializzazione in Antropologia culturale\, durante gli studi universitari si avvicina al pensiero della differenza sessuale. Attualmente abita a Padova. Le piace pensare alla scrittura come il respiro della vita. Il suo racconto\, Ston afro\, ston afro tis thalassa\, ha vinto il Terzo Premio della XI edizione del Concorso letterario nazionale Lingua Madre. \nFederico Caputo – Biografia \n Federico Caputo (Sanremo\, 1995) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino\, dove vive e lavora. \nLa sua pratica artistica è caratterizzata da un forte interesse per l’estetica della fibra e delle arti tessili. Il giovane artista utilizza sia materiali naturali che sintetici\, con il ricamo tradizionale e la sartoria italiana come suoi principali punti di riferimento. La ricerca formale viene unita a quella sostanziale\, passando in particolare dalla cultura italiana degli anni’60 a figure e oggetti pop contemporanei. \nper visionare le opere federico caputo works
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SUMMARY:Matteo Negri - Pezzi di questo mondo
DESCRIPTION:MATTEO NEGRI\nPIECES OF THIS WORLD\nJune 9th – July 29th 2022 \nExhibition organised by CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY\nVia Giolitti 51 / A – Turin \nHosted by STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO\nC.so Vittorio Emanuele 68 – Turin \nexhibition open by appointment only \n  \nCrag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present the work of the sculptor Matteo Negri (1982) to the Turin public in the exhibition Pieces of this world from 9 June to 29 July 2022\, in the wonderful rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm in Corso Vittorio Emanuele. n. 68 in Turin.\nThe space where Matteo Negri’s exhibition is set up leads us\, each time\, to imagine new scenarios. It leads us to interact with beauty\, the genius of those who designed it\, the personality of those who live it\, a different perspective of inserting the works of artists.\nMatteo’s works are welcomed in the splendid rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm which offer a dialogue of colors\, lights\, materials\, perfectly in line with his research since the early post-academic years and his vision of the sculptural system as a relationship with the space and with the visitor\, in a game of continuous exchange\, perception and introspection.\n“The fabulous world of Teo”\, as the title of a previous exhibition suggests\, welcomes us among works belonging to different periods. In the Lego series Matteo Negri offers us an iconographic pop aesthetic\, combined with careful attention to the material\, its rigidity\, the lightness of the image\, the warmth of the material\, made explosive and boundless in the Lego Silver series\, the sculpture in the entrance . It is a search for origins\, for essentiality: “in his hands the building brick is shaped\, twisted\, broken\, knotted and undergoes those transformations that could only be imagined with a normal lego\, and perhaps\, they have always been sought when imposed forms were unable to satisfy the imagination; through the freedom given by art\, all possible imagination is no longer sacrificed to the modular interlocking action “(Giancarlo Pedrazzini\, L’Egoïsme).\nThe “Meanwhile” series transports us into a game of mirrors and pure forms which interacting with space allow us to explore new visual and interactive perspectives\, as an element of reciprocity\, even with ourselves. An image is created that is never quite real\,\nbut not completely foreign to what we see and experience. We are enthusiastic about this exhibition\, because it gives us a journey into a fabulous world and perhaps\, as real as it may seem.\n“I feel totally a sculptor. I am aware that sculpture lives in space and in all dimensions. But paradoxically there is a privileged point of view. Because as far as all perspectives can be considered\, there is always an image with which the sculpture reveals itself at a certain point. It is at that point that even the most intense experience on the part of the beholder develops. I don’t even think that sculpture is an object to be touched. Sculpture for me is a point of view “. \nBiography\nMatteo Negri was born in San Donato Milanese (MI) in 1982.\nHe lives and works in Milan\, where he attended the Brera Academy of Fine Arts. \n  \n\n  \nMATTEO NEGRI \nPEZZI DI QUESTO MONDO \n9 giugno – 29 luglio 2022 \n  \nMostra organizzata da CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY \nVia Giolitti 51/A – Torino \n  \nOspitata da STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO \nPENALISTI ASSOCIATI \nC.so Vittorio Emanuele 68 – Torino \n  \nLa galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare al pubblico torinese il lavoro dello scultore Matteo Negri (1982) nella mostra Pezzi di questo mondo dal 9 giugno al 29 luglio 2022\, nelle meravigliose sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto in corso Vittorio Emanuele n. 68 a Torino. \nLo spazio in cui è allestita la mostra di Matteo Negri ci porta\, ogni volta\, ad immaginare nuovi scenari. Ci porta ad interagire con la bellezza\, il genio di chi lo ha progettato\, la personalità̀ di chi lo vive\, una diversa prospettiva di inserimento delle opere degli artisti. \nLe opere di Matteo trovano accoglienza nelle splendide sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto che regalano un dialogo di colori\, luci\, materiali\, perfettamente in linea con la sua ricerca sin dai primi anni post accademici e la sua visione dell’impianto scultoreo come relazione con lo spazio e con il visitatore\, in un gioco di continuo scambio\, percezione ed introspezione. \n“Il favoloso mondo di Teo”\, come suggerisce il titolo di una precedente mostra\, ci accoglie tra opere appartenenti a diversi periodi. Nella serie Lego Matteo Negri ci propone un’estetica pop iconografica\,unita ad una accurata attenzione al materiale\, alla sua rigidità\, alla leggerezza dell’immagine\, al calore del materiale\, resa esplosiva e sconfinata nella serie Lego Silver\, la scultura nell’ingresso. E’ una ricerca delle origini\, dell’essenzialità: “nelle sue mani il mattone da costruzione è plasmato\, contorto\, spezzato\, annodato e subisce quelle trasformazioni che si potevano solo immaginare con un normale lego\, e forse\, si sono sempre ricercate quando le forme imposte non erano in grado di accontentare la fantasia; attraverso la libertà data dall’arte\, tutta l’immaginazione possibile non è più sacrificata all’azione di incastro modulare” (Giancarlo Pedrazzini\, L’Egoïsme). \nLa serie “Meanwhile” ci trasporta in un gioco degli specchi e forme pure che interagendo con lo spazio\, ci consentono di esplorare nuove prospettive visive ed interattive\, come elemento di reciprocità\, anche con noi stessi. Si determina un’immagine che non è mai del tutto reale\,\nma neppure completamente estranea a ciò che vediamo e viviamo. Siamo entusiaste di questa mostra\, perché ci regala un viaggio in un mondo favoloso e forse\, reale di quel che possa sembrare. \n“Mi sento totalmente scultore. Sono consapevole che la scultura viva nello spazio e in tutte le dimensioni. Però paradossalmente c’è un punto di vista privilegiato. Perché per quanto si possano considerare tutte le prospettive\, esiste sempre un’immagine con cui la scultura ad un certo punto si palesa. È in quel punto che si sviluppa anche l’esperienza più intensa da parte di chi guarda. Non penso neanche che la scultura sia oggetto da toccare. La scultura per me è un punto di vista”.  \n  \nBiografia \nMatteo Negri è nato a S.Donato Milanese (MI) nel 1982.\nVive e lavora a Milano\, dove ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Brera. \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n \n 
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SUMMARY:REWORKING - ALESSANDRO FABBRIS
DESCRIPTION:  \n  \nREWORKING\nSolo show of Alessandro Fabbris \nMay 19 – June 18 2022\nOpening Thursday and Friday 19/20 May at 15-20\nThe artist will be present \nThe Crag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Reworking\, a solo show by the artist Alessandro Fabbris (Turin\, 1977) from 19 May to 18 June 2022. \nIn Reworking the work of Alessandro Fabbris is configured with a common thread that from his first pictorial research leads him to the current one focused on photography\, in which some fragments of his painting are reread and reworked\, here investigated through non-canonical devices\, such as for example flatbed scanners. The central idea of ​​the exhibition is to present to the public works chosen from 2010 to today\, so as to make the visitor understand the evolution of the artist\, who focuses on the use of technology associated with his first pictorial training\, penetrating the post- photography\, in which light and color are the key elements of his research. \nRecent works from the Scanning Light series will be exhibited\, in which chiaroscuro generated by masking and interactions with light\, double exposures that are then changed in the colors through “errors” in the balance of whites and tones\, enlargements and clippings\, overlaps will be exhibited. of images\, or rather of details\, which bring to light the substrate of the images.\nThese works are combined with those of the series Mechanical procedures\, poised between photography\, painting and digital processing\, the title of which alludes to a cycle of lectures held by Fussli at the Royal Academy of Arts in London on the relationship between painting and new photosensitive processes.\nLight is also a central element in the work of the Stratifications series\, which includes acetate sheets painted with interfering pigments that are superimposed and layered between pairs of glass. Depending on the incidence of light\, the transparency of the support and the perception of colors vary\, making the shapes appear as epiphanies involving the visitor and his sensory and memorial experience. Fabbris likes to connect in this way those processes that lead from light to painting and that sometimes make it elusive.\nLinked to the artist’s first moment follows the pictorial installation Lineamenti di una analysis\, of the Syntax Open cycle which investigates aniconic painting and the possibility of opening up to new narratives through the movements of the individual elements.\nFinally\, a textile work of the Glitch series will be presented\, in which the colors\, captured through scans and photographs of colored gelatins used in lighting technology and subsequently printed on semi-transparent fabrics\, can change their texture and their stamp in relation to the sources. light of the space in which they are placed.\nFabbris “resets updated today\, and\, above all\, in the light of his sensitivity\, more than a typical trace of the Italian abstract research of the 60s and 70s (…) as evidenced by the use of a mixed technique where pastels and various pigments integrate object finds and a shrewd and limited use of digital technology “(Edoardo Di Mauro\, BAM 2020 catalog). \nBiography \nAlessandro Fabbris (Turin\, 1977) studied painting at the Albertina Academy in Turin and subsequently obtained a Master’s in Photography at the Brera Academy.\nHe lives between Turin and Genoa\, where he teaches at the Ligustica Academy of Fine Arts in Genoa. \n  \n\n\n  \nREWORKING            \nMostra personale di Alessandro Fabbris \n  \nCRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY \nVia Giolitti 51/A – Torino \n19 maggio – 18 giugno 2022 \nInaugurazione giovedì e venerdì 19/20 maggio ore 15-20 \nL’artista sarà presente  \n  \nLa galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Reworking\, mostra personale dell’artista Alessandro Fabbris (Torino\, 1977) dal 19 maggio al 18 giugno 2022\, nella sede di via Giolitti 51/A\, Torino. \nIn Reworking il lavoro di Alessandro Fabbris si configura con un filo conduttore che dalla sua prima ricerca pittorica lo porta all’attuale incentrata sulla fotografia\, nella quale vengono riletti e rielaborati alcuni frammenti della sua pittura\, qui indagata tramite dispostivi non canonici\, quali ad esempio scanner piani. L’idea centrale della mostra è di presentare al pubblico opere scelte dal 2010 ad oggi\, così da far comprendere al visitatore l’evoluzione dell’artista\, che si concentra sull’uso della tecnologia associato alla sua prima formazione pittorica\, addentrandosi nella post-fotografia\, in cui la luce ed il colore sono gli elementi cardine della sua ricerca. \nVerranno esposti in mostra lavori recenti della serie Scanning Light\, nella quale si uniscono chiaroscuri generati da mascherature ed interazioni con la luce\, doppie esposizioni che vengono poi virate nelle cromie tramite “errori” di bilanciamento dei bianchi e dei toni\, ingrandimenti e ritagli\, sovrapposizioni di immagini\, o meglio di particolari\, che portano alla luce il substrato delle immagini. \nA queste opere vengono accostate quelle della serie Procedimenti meccanici\, in bilico tra fotografia\, pittura ed elaborazione digitale\, il cui titolo allude ad un ciclo di lezioni tenute da Fussli presso la Royal Academy of Arts di Londra sulla relazione tra pittura e nuovi procedimenti fotosensibili. \nLa luce è elemento centrale anche nell’opera della serie Stratificazioni\, che comprende fogli di acetato dipinti con pigmenti interferenti che vengono soprapposti e stratificati tra coppie di vetro. A seconda dell’incidenza della luce varia la trasparenza del supporto e la percezione dei colori\, facendo apparire le forme come epifanie che coinvolgono il visitatore e la sua esperienza sensoriale e memoriale. A Fabbris piace collegare così quei procedimenti che dalla luce portano alla pittura e che talvolta la rendono inafferrabile. \nLegata al primo momento dell’artista segue l’installazione pittorica Lineamenti di una analisi\, del ciclo Sintassi Aperta che indaga sulla pittura aniconica e la possibilità dell’apertura a nuove narrazioni attraverso i movimenti dei singoli elementi. \nIn ultimo verrà presentata un’opera tessile della serie Glitch\, in cui i colori\, catturati tramite scansioni e fotografie di gelatine colorate usate nell’illuminotecnica e successivamente stampati su tessuti semi trasparenti\, possono cambiare la loro consistenza e il loro timbro in relazione alle fonti luminose dello spazio in cui vengono posti. \nFabbris “reimposta aggiornata al giorno d’oggi\, e\, soprattutto\, al lume della sua sensibilità\, più di una traccia tipica della ricerca astratta italiana degli anni ’60 e ’70 (…) come testimonia l’uso di una tecnica mista dove a pastelli e pigmenti vari si integrano reperti oggettuali ed un accorto e limitato uso della tecnologia digitale” (Edoardo Di Mauro\, catalogo BAM 2020). \n  \n  \nBiografia \n Alessandro Fabbris (Torino\, 1977) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino e successivamente ha conseguito un Master in Fotografia all’Accademia di Brera. \nVive tra Torino e Genova\, dove è docente all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova. \n 
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SUMMARY:THE PHAIR 2022
DESCRIPTION:  \nCRAG Gallery is pleased to partecipate again to The Phair 2022 dedicated to photography\, with the artworks by Alessandro Fabbris\, Filippo Bosso\, Enrico Smerilli and Elisabetta Mariuzzo. \n  \n 
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SUMMARY:Ilaria Simeoni - Hortus Conclusus
DESCRIPTION:HORTUS CONCLUSUS\nSolo show of ILARIA SIMEONI \n10 February – 26 March 2022\nInauguration 10 and 11 February 2022 at 15-20\nThe artist will be present \nCrag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Hortus Conclusus\, the first solo show of the young artist Ilaria Simeoni (Montebelluna\, 1995) from 10 February to 26 March 2022. \nAssignee of the prestigious Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Foundation in Venice and winner of the first prize of the 103rd Young Artists Collective Exhibition of the homonymous Foundation\, Ilaria in her research devotes herself to the study of the relationship between spirituality and nature\, focusing on language with the which to express this relationship.\nIn her practice\, her thought merges with the painting and the natural element of the “closed” garden is the medium.\nThus was born the title Hortus Conclusus which\, in addition to the better known definition of closed garden present in medieval monasteries and convents\, is also to be considered as a place of the spirit. The garden or Hortus\, real or figurative\, accompanies this well-being in the various phases of the life of each individual; it is movement and transformation\, of the world and of nature itself in their concrete sense of generating\, producing\, flourishing.\nThe artist’s investigation is characterized by visions that oscillate between reality and the imaginary: on the one hand she exercises her thoughts and on the other she tells the ideal places that surround her. For Ilaria Simeoni “the experience of transforming a simple leaf into a vision aimed at telling the reality” of cultivated nature\, taught me to transfer an ideal place that is generated between the mind and the brush that flows on the canvas into the pictorial elaboration\, in this way I express an inner impulse that has led me\, over time\, to see the nature of the garden as a philosophy of thought “.\nThe canvases represent the aesthetics of nature and the exaltation of its expressive and emotional values. The artist places the viewer at times in a condition of contemplation in front of a natural setting and at times pushes him towards the interior of the work and invites him to her spiritual exercise. The Hortus is not bordered by walls but is an interior place. Everything that happens in the “green space” is for the individual an experience of himself and of the world and the painting thus becomes his “Hortus Conclusus” in an imagery suggested by large oil paintings on canvas and small-format works .\nFor years\, CRAG Gallery has been dedicated to deepening the theme of the landscape\, made even more interesting in the last two years by a new approach and sensitivity of people and artists with the rediscovery of the natural environment that surrounds us and its energy and indispensable following the pandemic. \nBiography \n(Montebelluna\, 1995) In the A.Y. 2017/2018 he obtained the “First Level Academic Diploma” in Painting-Visual Arts at the Academy of Fine Arts in Venice. In the A.Y. 2019/2020 she graduated from the “Second level of Painting-Visual Arts”\, at the same Academy with prof. By Raco.\nShe was the assignee of the Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Academy and has obtained national awards in painting and engraving. \n  \n\n\n  \nHORTUS CONCLUSUS       \nMostra personale di ILARIA SIMEONI \n10 febbraio – 26 marzo 2022 \nInaugurazione 10 e 11 febbraio 2022 ore 15-20 \nL’artista sarà presente \n  \nLa galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Hortus Conclusus\, la prima mostra personale della giovane artista Ilaria Simeoni (Montebelluna\, 1995) dal 10 di febbraio al 26 marzo 2022\, nella sede di via Giolitti 51/A\, Torino. \nAssegnataria del prestigioso Atelier 2021/2022 della Fondazione Bevilaqua La Masa di Venezia e vincitrice del primo premio della 103ma Mostra Collettiva Giovani Artisti dell’omonima Fondazione\, Ilaria nella sua ricerca si dedica allo studio del rapporto tra spiritualità e natura\, concentrandosi sul linguaggio con il quale esprimere tale relazione. Nella pratica il suo pensiero si fonde con la pittura e l’elemento naturale del giardino “chiuso” ne è il tramite. \nNasce così il titolo Hortus Conclusus che\, oltre alla più nota definizione di giardino chiuso presente nei monasteri e nei conventi medievali\, è da considerarsi anche come luogo dello spirito. Il giardino o Hortus\, reale o figurativo\,  accompagna questo star bene nelle varie fasi della vita di ogni individuo; è movimento e trasformazione\, del mondo e della natura stessa nel loro senso concreto di generare\, produrre\, fiorire. \nL’indagine dell’artista è caratterizzata da visioni che oscillano tra la realtà e l’immaginario: da una parte esercita il pensiero e dall’altra racconta i luoghi ideali che la circondano. Per Ilaria Simeoni “l’esperienza di trasformare una semplice foglia in una visione volta a raccontare la realtà̀ della natura coltivata\, mi ha insegnato a trasferire nell’elaborato pittorico un luogo ideale che si genera tra la mente ed il pennello che scorre sulla tela\, in questo modo esprimo un impulso interiore che mi ha portata\, nel tempo\, a vedere la natura del giardino come una filosofia di pensiero”. \nLe tele rappresentano l’estetica della natura e l’esaltazione dei suoi valori espressivi ed emozionali. L’artista pone lo spettatore a tratti in una condizione di contemplazione di fronte ad una scenografia naturale ed a tratti lo spinge verso l’interno dell’opera e lo invita al suo esercizio spirituale. L’Hortus non è delimitato da mura ma è un luogo interiore. Tutto ciò che accade nello “spazio verde” è per l’individuo esperienza di sé e del mondo e la pittura diventa\, dunque\, il suo “Hortus Conclusus” in un immaginario suggerito dalle grandi pitture ad olio su tela e da opere di piccolo formato. \nCRAG Gallery da anni si dedica all’approfondimento della tematica del paesaggio\, resa ancor più interessante negli ultimi due anni da un approccio e da una sensibilità nuovi delle persone e degli artisti con la riscoperta dell’ambiente naturale che ci circonda e della sua energia ed indispensabilità a seguito della pandemia. \n  \nBiografia \n(Montebelluna\, 1995) Nell’A.A. 2017/2018 ha conseguito il “Diploma Accademico di Primo Livello” in Pittura-Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Nell’A.A. 2019/2020 si è diplomata al “Secondo livello di Pittura-Arti Visive”\, presso la stessa Accademia con il prof. Di Raco. \nE’ stata assegnataria dell’Atelier 2021/2022 dell’Accademia Bevilaqua La Masa ed ha ottenuto riconoscimenti a premi nazionali di pittura ed incisione. \n  \nper visionare le opere https://cragallery.com/artists/ilaria-simeoni/ \n  \n \n  \n \n  \n  \n \n  \n \n  \n  \n \n  \n  \n \n  \n 
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SUMMARY:bn+BRINANOVARA - SOTTOTRATTO
DESCRIPTION:SOTTOTRATTO\nMostra personale di bn+BRINANOVARA\nA cura di Stefano Castelli\nTORINO\, CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY\n28 ottobre-27 novembre 2021\nInaugurazione 28 ottobre ore 15-21 \nLa galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Sottotratto\, personale del duo bn+BRINANOVARA composta da una selezione di dipinti realizzati nel 2021. \nLa mostra si propone come l’esito di un progetto che ha impegnato gli artisti nel corso dell’ultimo anno. Lo spunto iconografico iniziale è la Battaglia di San Romano di Paolo Uccello\, ma le opere in mostra non si pongono come citazioni o reinterpretazioni. Si tratta piuttosto di un lavoro linguistico di decostruzione e riattivazione dell’immagine\, che sceglie in modo allo stesso tempo arbitrario e metodico particolari del dipinto per ricombinarli\, sottolinearli oppure renderli “spettrali”. \nCome in una partita di scacchi\, il metodo di base lascia spazio all’estro\, in un dialogo continuo tra programmazione e libertà creativa; il modo pittorico varia di dipinto in dipinto e all’interno dello stesso quadro\, tra regolarità presunta o apparente e discontinuità.\nIl grande polittico fa da fulcro dell’allestimento\, ponendosi come una “mappa” dell’intera operazione. Gli altri dipinti\, di diversa natura visiva e di diverso formato\, non rappresentano variazioni sul tema ma momenti di un discorso complessivo\, applicazioni della grammatica stabilita dagli artisti. Tra gli elementi linguistici ricorrenti\, l’alternanza di positivo e negativo\, la sottolineatura plastica e cromatica di un particolare\, la disattivazione della prospettiva.\nNel riappropriarsi liberamente della storia dell’arte senza ricorrere alla citazione intesa in senso classico si instaura anche un discorso sulla natura dell’immagine\, sulla sua libertà e sulle costrizioni che la irreggimentano. E si produce allo stesso tempo una riflessione di stampo concettuale sulla pittura\, sulle sue possibilità e sul suo linguaggio. Lavorare in due\, in effetti\, è in questo caso un’operazione più complessa del classico “dipingere a quattro mani”: l’elaborazione concettuale\, il “dibattito interno” durante il periodo di concezione di un ciclo pittorico è parte integrante del lavoro. \n  \nFormatosi nel 2017\, il duo bn+BRINANOVARA è composto da Giorgio Brina (nato a Milano nel 1993\, ha studiato all’accademia di Brera) e Simone Novara (Milano\, 1994\, studi al Politecnico di Milano e al Wimbledon College of Art). Il loro curriculum comprende mostre personali e collettive in Italia e all’estero\, in gallerie e istituzioni. Del 2021 è la partecipazione alla mostra Curatela\, presso Casa Testori a Novate milanese. Sottotratto è la seconda mostra personale da Crag ed è stata anticipata dalla recente partecipazione ad Artverona 2021.\n  \n\nSOTTOTRATTO\nSolo show of bn+BRINANOVARA\nCurated by Stefano Castelli\nTURIN\, CRAG- CHIONO REISOVA ART GALLERY\nOctober 28-November 27\, 2021\nInauguration 28 October at 3 pm-9 pm\n\nCrag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Sottotratto\, a solo show by the duo bn+BRINANOVARA composed of a selection of paintings made in 2021.\n\nThe exhibition is proposed as the outcome of a project that has engaged the artists over the last year. The initial iconographic inspiration is the Battle of San Romano by Paolo Uccello\, but the works on display are not intended as quotations or reinterpretations. Rather\, it is a linguistic work of deconstruction and reactivation of the image\, which at the same time arbitrarily and methodically chooses details of the painting to recombine\, underline or make them “ghostly”.\n\nAs in a game of chess\, the basic method leaves room for creativity\, in a continuous dialogue between programming and creative freedom; the way of painting varies from painting to painting and within the same painting\, between presumed or apparent regularity and discontinuity.\nThe large polyptych acts as the fulcrum of the exhibition\, acting as a “map” of the entire operation. The other paintings\, of different visual nature and of different formats\, do not represent variations on the theme but moments of an overall discourse\, applications of the grammar established by the artists. Among the recurring linguistic elements\, the alternation of positive and negative\, the plastic and chromatic underlining of detail\, the deactivation of perspective.\nIn freely re-appropriating the history of art without resorting to quotation in the classical sense\, discourse is also established on the nature of the image\, its freedom and the constraints that regulate it. And at the same time a conceptual reflection on painting\, on its possibilities and on its language is produced. Working in two\, in fact\, is\, in this case\, a more complex operation than the classic “four-handed painting”: the conceptual elaboration\, the “internal debate” during the period of conception of a pictorial cycle is an integral part of the work.\n\nFormed in 2017\, the bn+BRINANOVARA duo is made up of Giorgio Brina (born in Milan in 1993\, studied at the Brera Academy) and Simone Novara (Milan\, 1994\, studies at the Milan Polytechnic and at Wimbledon College of Art). Their curriculum includes solo and group exhibitions in Italy and abroad\, in galleries and institutions. In 2021 he participated in the Curatela exhibition\, at Casa Testori in Novate Milan. Sottotratto is Crag’s second solo exhibition and was anticipated by the recent participation in Artverona 2021.
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SUMMARY:Luca Coser - Morgana
DESCRIPTION:  \nMORGANA \nMostra personale di Luca Coser  \nTORINO\, CRAG- CHIONO REISOVA ART GALLERY HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 \n28 ottobre – 27 novembre 2021 \nInaugurazione 28 ottobre ore 15-21 \nCrag – Chiono Reisovà art gallery presenta Morgana\, personale dell’artista Luca Coser dal 28 ottobre al 27 novembre in occasione di Artissima. \nIn mostra un recente ciclo di opere pittoriche dell’artista che\, presente sulla scena artistica nazionale ed internazionale da più di 30 anni\, è docente di Disegno per l’Arte Contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. \nIl titolo “Morgana” si riferisce al dipinto guida in mostra che a sua volta cita un documentario sperimentale del regista Werner Herzog datato 1971. \nCon questa serie di lavori Luca Coser conferma una ricerca artistica perseguita da molti anni\, incentrata su una pittura lirica ed enigmatica\, a cavallo tra figurazione ed astrazione che in questi ultimissimi anni sta trovando conferma nel rinnovato interesse per la pittura tra le nuove generazioni. Recentemente\, una serie di queste opere\, una delle quali esposte nella personale alla CRAG Gallery\, è entrata in profonda relazione con la creatività di Pierpaolo Piccioli\, direttore creativo di Maison Valentino\, per la realizzazione di un capo di Haute Couture presentato in occasione della 17ma Mostra Internazionale di Architettura alle Gaggiandre di Venezia. \nCome ha scritto recentemente la curatrice Azzurra Immediato\, “Coster destabilizza l’ovvio attuando un originale attraversamento dell’elemento pittorico\, intervenendo sulla materia e sulla cromia con una perturbante instabilità che\, di fatto\, delinea un equilibrio inatteso. La sua poetica\, non solo formale\, procede dal privato\, da una sorta di polvere interiore\, composita e frammentata\, che nella pratica lavorativa diventa prima frammento\, infine traccia. Grazie a questa misteriosa frammentazione delle immagini\, la pittura e la poetica dell’artista giungono al coinvolgimento con il fruitore\, dove i sensi e la mente sono allertati silenziosamente ma in profondità\, e dove osservare i suoi lavori\, leggere le sue opere si trasforma in un momento comune nella personale visione interiore di ognuno”.
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SUMMARY:ArtVerona 2021
DESCRIPTION:  \nCRAG Gallery is please to the present the artists Chen Li\, bn+BRINANOVARA \nand Laura Omacini at Artverona 2021. \n  \n  \nYou’ll find us at PADIGLIONE 12 Stand NE4 \n  \n \n 
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SUMMARY:The Others 2021
DESCRIPTION:  \nCRAG is pleased to take part to The Others 2021  with the artists bn+BRINANOVARA\, \nDiego Zangirolami e Federico Caputo.
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SUMMARY:ALESSANDRO CARDINALE - CONFINI
DESCRIPTION:CONFINI  \nMostra personale di Alessandro Cardinale \n14 settembre – 23 ottobre 2021 \ninaugurazione 14/15 settembre  \nore 15/21 \n  \nCOMUNICATO STAMPA \nCon la mostra “CONFINI” Crag –  Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare i nuovi lavori di Alessandro Cardinale (Padova\, 1977)\, in galleria a Torino dal 14 settembre al 23 ottobre 2021. \nLa ricerca tecnica dell’artista viene portata a nuovi sviluppi e il tema NU SHU\, che Alessandro Cardinale persegue da anni\, si carica di nuove idee e sfide che ne ridisegnano i “confini”. \nLe ultime opere sono sculture realizzate in acciaio corten nelle quali l’immagine non è più raccolta all’interno di strutture\, ma si libera\, diventando essa stessa autoportante. La sua sfida nei confronti della percezione non è mai solo pura tecnica optical\, poichè i soggetti sono delicati\, gli sguardi sono visioni istantanee che incrociano quelli del visitatore ed evocano storie lontane: quelle delle donne cinesi che hanno inventato l’alfabeto NU SHU in epoca imperiale e che l’artista\, a partire da ritratti fotografici\, attualizza con la sua tecnica nella quale dai vuoti\, tra strisce di tessuto\, legno o acciaio corten\, prendono forma le immagini. E’ un lavoro sul linguaggio e sulla comunicazione ed in particolare si tratta di una riflessione sulla dinamica della comprensione di un messaggio. \nLe opere sono composte da un insieme di listelli che richiamano i ventagli sui quali venivano scritti i messaggi Nu shu che le donne usavano per comunicare. I listelli sono assemblati facendo in modo che solo da una determinata posizione si possa vedere un volto femminile orientale ma\, una volta persa quella posizione\, il “messaggio” ritorni ad essere incomprensibile. \nLa collaborazione tra l’artista e la galleria è di lunga data: “abbiamo sempre creduto nel lavoro di Alessandro Cardinale\, rigoroso\, coerente\, che fa dell’osservazione e della lentezza dell’elaborazione il punto di forza\, attraverso un linguaggio originale e raffinato e per la terza volta proponiamo il suo lavoro al pubblico torinese\, in occasione di Exhibi.To\, la settimana delle gallerie di arte contemporanea a Torino”. \n  \nAlessandro Cardinale (Padova 1977). \nHa studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia.  Lavora nell’ambito dell’installazione e della figurazione\, sviluppando il tema della luce e della percezione.Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre collettive e personali promosse da associazioni culturali\, fondazioni per l’arte contemporanea\, gallerie ed enti pubblici in Italia ed all’estero tra i quali ricordiamo: NAMOC National Art Museum of China – Pechino\, Factory 798 Art District – Pechino\, Building Bridges Art Foundation – Los Angeles\, Istituto Italiano di Cultura di San Francisco.Le sue opere sono presenti all’interno di collezioni pubbliche e private tra le quali: Fondazione Peano di Cuneo\, Fondazione Pardes per l’Arte Contemporanea – Mirano\, Areacreativa42 – Rivarolo Torino\, North Art Space Gallery – Giacarta Indonesia. Nel 2012 vince la V°Biennale internazionale d’Arte di Pechino esponendo presso il National Art Museum of China.\nNU SHU\nIl linguaggio chiamato Nu Shu\, e’ un linguaggio segreto creato dalle donne in antichità in Cina nella regione dello Húnán\, all’insaputa dell’uomo\, per poter comunicare tra di loro le proprie memorie ed esperienze tramite dei ricami su ventagli e vestiti che venivano scambiati dall’uomo per semplici decorazioni. Si trattava  in realtà di messaggi cifrati che si tramandavano di generazione in generazione come testimonianza silenziosa della difficile condizione femminile di quel tempo. Queste sono le donne che hanno ispirato la sinfonia del celebre compositore Tan Dun (vincitore del premio Academy e Grammy\, ha diretto la sinfonia al Metropolitan Festival Orchestra di Singapore)\, per arpa e orchestra di 40 minuti\, intitolata Nu Shu: The Secret Songs Of Women\, accompagnata da 13 “microfilm” tratti dalle sue registrazioni sul campo\, che sono state scattate durante i suoi cinque anni trascorsi a ricercare e documentare la loro cultura.\n\n\nBORDERS\nSolo show of Alessandro Cardinale \nSeptember 14 – October 23 2021\ninauguration 14/15 September\n15/21 hours \nPRESS RELEASE \nWith the exhibition “CONFINI” Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present the new works by Alessandro Cardinale (Padua\, 1977)\, in the gallery in Turin from 14 September to 23 October 2021. \nThe artist’s technical research is brought to new developments and the NU SHU theme\, which Alessandro Cardinale has been pursuing for years\, is charged with new ideas and challenges that redraw its “boundaries”. \nThe latest works are sculptures made of corten steel in which the image is no longer collected within structures\, but frees itself\, becoming self-supporting itself. Her challenge to perception is never just pure optical technique\, as the subjects are delicate\, the gazes are instant visions that cross those of the visitor and evoke distant stories: those of the Chinese women who invented the NU SHU alphabet in that era. imperial and that the artist\, starting from photographic portraits\, updates with his technique in which the images take shape from the voids\, between strips of fabric\, wood or corten steel. It is a work on language and communication and in particular it is a reflection on the dynamics of understanding a message.\nThe works are composed of a set of strips that recall the fans on which the Nu shu messages that women used to communicate were written. The strips are assembled so that only from a certain position can an oriental female face be seen but\, once that position is lost\, the “message” becomes incomprehensible again. \nThe collaboration between the artist and the gallery is long-standing: “we have always believed in Alessandro Cardinale’s work\, rigorous\, coherent\, which makes observation and the slowness of processing its strong point\, through an original and refined language and for the third time we are offering his work to the Turin public\, on the occasion of Exhibi.To\, the week of contemporary art galleries in Turin ”. \nAlessandro Cardinale (Padua 1977).\nHe studied at the Academy of Fine Arts in Venice. He works in the field of installation and figuration\, developing the theme of light and perception.\nHis work has been exhibited in numerous group and personal exhibitions promoted by cultural associations\, foundations for contemporary art\, galleries and public bodies in Italy and abroad including: NAMOC National Art Museum of China – Beijing\, Factory 798 Art District – Beijing\, Building Bridges Art Foundation – Los Angeles\, Italian Cultural Institute of San Francisco.\nHis works are present in public and private collections including: Peano Foundation of Cuneo\, Pardes Foundation for Contemporary Art-Mirano\, Areacreativa42-Rivarolo Turin\, North Art Space Gallery-Jakarta Indonesia.\nIn 2012 he won the V ° International Biennial of Art in Beijing exhibiting at the National Art Museum of China.\nNU SHU\nThe language called Nu Shu\, is a secret language created by women in antiquity in China in the Húnán region\, unbeknownst to man\, to be able to communicate their memories and experiences with each other through embroidery on fans and clothes that were mistaken by man for simple decorations. They were actually encrypted messages that were handed down from generation to generation as a silent testimony of the difficult female condition of that time. These are the women who inspired the symphony of celebrated composer Tan Dun (Academy and Grammy winner\, conducted the symphony at the Metropolitan Festival Orchestra in Singapore)\, for harp and orchestra of 40 minutes\, entitled Nu Shu: The Secret Songs Of Women\, accompanied by 13 “microfilms” from her field recordings\, which were taken during her five years of researching and documenting their culture.\n 
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SUMMARY:LNDSCP - New means for landscape
DESCRIPTION:  \nLNDSCP\nNew means for landscape\nCurated by Gabriele Salvaterra \nGroup Show\nJune 30 – July 24\, 2021 \nPRESS RELEASE \nCrag _ Chiono Reisovà Art Gallery is pleased to announce the opening of the exhibition LNDSCP / New means for landscape\, curated by Gabriele Salvaterra. LNDSCP is a traveling exhibition that saw the participation of the Paolo Maria Deanesi Gallery in Trento\, the Area35 Art Gallery in Milan and the Crag gallery in Turin\, adapting and changing in the different exhibition contexts starting from the same conceptual system. A single catalog to document the project with the works of two artists for each gallery: Oscar I. Contreras Rojas\, Pietro Geranzani\, Christian Macketanz\, Andrea Mangione\, Giacomo Modolo and Giovanni Pasini.\nThe text is a reflection of the curator on the theme of the landscape\, which for more than a century has become a genre that recounts interior\, subjective\, poetic or conceptual dynamics\, in addition to the most evident objective characteristics.\nStarting from the axiom that every creation is primarily a self-portrait\, a representation of the self\, the landscape genre experiences a particular contradiction\, arising instead from the opposite and then being reconverted to completely new purposes.\nIn particular\, Oscar Isaias Contreras Rojas starts from the historical-artistic stimuli of the past to explode them in composition with an expressionist-abstract flavor in which an atmospheric memory remains. Giacomo Modolo breaks down the initial figurative cells making the landscape a tool to develop an informal expressive practice full of personal memories. Pietro Geranzani\, like an archivist who notes significant elements in his diary\, uses the landscape element to navigate a dense historical and referential universe.\nChristian Macketanz\, with its evocative environments populated by mysterious characters\, sets up suffused and suspended atmospheres of a neo-eighteenth-century pictorial metaphysics\, while for Andrea Mangione the landscape reaches us through online search engines\, only to be “heated” by a poetic manual and the limits of hyperrealism. Finally\, for Giovanni Pasini\, the natural datum becomes a pretext for investigations of a philosophical nature on overcoming today’s extreme anthropization that invites us to get closer to the equilibrium of Eastern thought. \n  \nCOMUNICATO STAMPA \n Crag _ Chiono Reisovà Art Gallery è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra LNDSCP / New means for landscape\, a cura di Gabriele Salvaterra. LNDSCP è una mostra itinerante che ha visto la partecipazione della Galleria Paolo Maria Deanesi di Trento\, di Area35 Art Gallery di Milano ed a Torino di Crag gallery\, adattandosi e mutando nei diversi contesti espositivi a partire dallo stesso impianto concettuale. Un unico catalogo a documentare il progetto con le opere di due artisti per ogni galleria: Oscar I. Contreras Rojas\, Pietro Geranzani\, Christian Macketanz\, Andrea Mangione\, Giacomo Modolo e Giovanni Pasini. \nIl testo è una riflessione del curatore sul tema del paesaggio\, diventato da più di un secolo un genere che racconta dinamiche interiori\, soggettive\, poetiche o concettuali\, oltre alle più evidenti caratteristiche oggettive.\nPartendo dall’assioma per cui ogni creazione è in primo luogo autoritratto\, rappresentazione del sé\, il genere paesaggistico vive una particolare contraddizione nascendo\, invece\, dall’opposto per poi essere riconvertito a finalità completamente nuove. \nIn particolare\, Oscar Isaias Contreras Rojas prende avvio dagli stimoli storico-artistici del passato per esploderli in composizione dal sapore espressionista-astratto in cui permane una memoria atmosferica. Giacomo Modolo scompone le cellule figurative iniziali facendo del paesaggio uno strumento per sviluppare una pratica informale espressiva densa di memorie personali. Pietro Geranzani\, come un archivista che appunti elementi pregnanti sul proprio diario\, si serve dell’elemento paesaggistico per destreggiarsi in un denso universo storico e referenziale.\nChristian Macketanz\, con i suoi ambienti suggestivi popolati da personaggi misteriosi\, allestisce atmosfere soffuse e sospese di una metafisica pittorica neo-settecentesca\, mentre per Andrea Mangione il paesaggio ci raggiunge tramite i motori di ricerca online\, per poi essere “riscaldato” da una tecnica manuale poetica e ai limiti dell’iperrealismo. Infine\, per Giovanni Pasini\, il dato naturale diventa pretesto per investigazioni di natura filosofica sul superamento dell’estrema antropizzazione odierna che invita ad avvicinarsi all’equilibrio del pensiero orientale. \n  \n 
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SUMMARY:CRAG LIDO - FEDERICO CAPUTO
DESCRIPTION:  \n  \nFederico Caputo \nCRAG LIDO \nMostra personale \n30 giugno – 24 luglio 2021 \ninaugurazione 30 giugno e 1 luglio \nore 16/20 \n sarà presente l’artista \n  \nCOMUNICATO STAMPA \nCrag Gallery inaugura la mostra personale del giovanissimo artista Federico Caputo da titolo “Crag Lido” nei giorni 30 giugno e 1 luglio\, a cura di Giorgio Bena. \n Dopo gli studi all’Accademia Albertina di Torino e la specializzazione in pittura\, Caputo si addentra nel mondo del ricamo unito talvolta all’installazione\, accolto dalla Galleria CRAG per questa sua prima mostra personale. \nUna vecchia cartolina che si rifiuta di sbiadire. È questa la riviera che ci racconta Federico Caputo nella sua Project Room “CRAG Lido”\, un’operazione di installazione ambientale sospesa tra la dolce consolazione della nostalgia ed uno sguardo ottimista puntato verso un futuro vicino (anzi vicinissimo) che ci riconsegni il diritto di immaginare un mondo libero dalle limitazioni con cui abbiamo imparato a convivere. \nAttraverso un citazionismo che unisce ad una dimensione pop fatta di rotocalchi e incarti di gelati un racconto biografico della sua infanzia passata tra Bordighera e Ventimiglia\, tra mattonelle colorate\, aiuole fiorite e foglie di palma\, Federico Caputo costruisce una scenografia abitabile capace di proiettarci in un’estate mediterranea che si colloca fuori dal tempo e dallo spazio\, in un luogo dell’anima che profuma sale\, oleandro e bouganville\, dove radio lontane suonano canzoni ovattate accompagnate dal frinire ossessivo delle cicale. Una vecchia cartolina che si rifiuta di sbiadire. \nCRAG Lido è l’invito ad abbandonarsi ad una malinconia gentile\, ad una leggerezza necessaria in questi tempi così complessi rispetto ai quali si fanno così enormi e roboanti parole come ripartenza e rinascita\, così intrinsecamente legate nel nostro immaginario a quell’estate “calda come i baci che ho perduto” cantata da Bruno Martino. Un invito ad abbracciare questo momento carico di attesa e scoprire che forma prenderà la nuova normalità. “Tornerà un altro inverno\, cadranno mille petali di rose\, la neve coprirà tutte le cose e forse un po’ di pace tornerà”. \n  \nIn occasione della mostra verrà presentata anche l’istallazione sonora dell’artista Korovev. \nLa mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a sabato 11-13 e 15.30 -19.00 \nAltri giorni e orari su appuntamento \n  \nper vedere le opere: https://cragallery.com/artists/federico-caputo/ \n  \nFederico Caputo\nCRAG LIDO\nSolo show \nJune 30 – July 24\, 2021\nopening 30 June and 1 July \nthe artist will be present \nPRESS RELEASE \nCrag Gallery inaugurates the personal exhibition of the very young artist Federico Caputo entitled “Crag Lido” on 30 June and 1 July\, curated by Giorgio Bena. \nAfter studying at the Albertina Academy in Turin and specialising in painting\, Caputo enters the world of embroidery sometimes combined with the installation\, welcomed by the CRAG Gallery for this first solo exhibition. \nAn old postcard that refuses to fade. This is the riviera that Federico Caputo tells us in his Project Room “CRAG Lido”\, an environmental installation operation suspended between the sweet consolation of nostalgia and an optimistic gaze aimed at a near (indeed very close) future that will give us back the right to imagine a world free from the limitations we have learned to live with. \nThrough a quotationism that combines a pop dimension made of magazines and ice cream wrappers with a biographical story of his childhood spent between Bordighera and Ventimiglia\, between colored tiles\, flower beds and palm leaves\, Federico Caputo builds a habitable scenography capable of projecting us into a Mediterranean summer that takes place outside time and space\, in a place of the soul that smells salt\, oleander and bougainvillea\, where distant radios play muffled songs accompanied by the obsessive chirping of cicadas. An old postcard that refuses to fade. \nCRAG Lido is an invitation to abandon oneself to a gentle melancholy\, to a necessary lightness in these complex times with respect to which enormous and thunderous words such as restart and rebirth becoame so intrinsically linked in our imagination to that “hot summer the kisses that I lost ”sung by Bruno Martino. An invitation to embrace this moment full of waiting and discover what shape the new normal will take. “Another winter will come back\, a thousand rose petals will fall\, the snow will cover all things and maybe a little peace will come back”. \nOn the occasion of the exhibition\, the sound installation by the artist Korovev will also be presented. \ninfo@cragallery.com\n+39 3351227609 – + 39 3473420598\nCHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG\nvia Giolitti\, 51 – 10123 Turin\nwww.cragallery.com \n 
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SUMMARY:The Phair 2021
DESCRIPTION:The Phair è una fiera a inviti. Un’attenta scelta curatoriale garantisce la selezione di una proposta organica non suddivisa in temi e sezioni ma come un’unica esperienza espositiva; spazi espositivi uguali per tutti garantiscono un allestimento “sartoriale” più simile a una serie di mostre che a un impianto fieristico\, fornendo nuove modalità di fruizione\, conoscenza e valorizzazione delle opere proposte. \nThe Phair is an invitation-only art fair. The curatorial choice guarantees the participation of most prestigious contemporary art galleries – and not just those already specialized in photography projects – which\, on the occasion of the fair\, present artistic works related to the theme of the image and works created with photographic or video material. . \n 
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SUMMARY:Giuliano Sale - The usual Captivity
DESCRIPTION:  \nper visionare le opere https://cragallery.com/artists/giuliano-sale/ \n  \n The Usual Captivity \nCrag Gallery inaugura la mostra personale di Giuliano Sale nella sede di via Giolitti 51 a Torino\, dal titolo “The Usual Captivity”\, nelle date 6 maggio / 26 giugno 2021. \nL’artista\, noto nel panorama della pittura figurativa italiana e non solo\, per questa mostra ha realizzato un ciclo di lavori inediti\, nati durante la pandemia che ha costretto al distanziamento nonché al ritiro sociale. \nA differenza di tanti altri mestieri\, professioni o vocazioni\, quella dell’Arte\, del suo momento creativo\, della sua visione pittorica\, è per Giuliano Sale la forma apoteotica di cattività; è il momento glorificato di sottrazione dall’ambiente più naturale\, quello in mezzo agli altri\, che per i lavori di Giuliano Sale risulta necessario. \nE’ la forma di autoisolamento innata nel modo di lavorare dell’artista\, un internamento necessario all’apertura del lavoro pittorico. Ne risulta un pieno di corpi ammassati ma solitari\, di linee che si confondono\, di oggetti iconici e di rimandi\, in perfetto equilibrio tra di loro. \nLa cattività è nei soggetti delle opere di Giuliano Sale una condizione a lui intrinseca\, possiamo dire una cattività di rito\, un esilio naturale. \nLe opere parlano di vite in modo irriverente\, crudo\, ironico\, intervallate da momenti di delicatezza e quotidianità.  Le scene ed i ritratti nascono da uno spirito di osservazione profondo e da esperienze interiorizzate dall’artista; si esplicano\, immagine per immagine\, accostando e sovrapponendo raffigurazioni a segni evocativi e contestualizzanti\, mediante scelte pittoriche fortemente figurative intervallate da dettagli pittorici più gestuali ed istintivi. \nLe rappresentazioni e gli sguardi ci obbligano ad entrare nel rituale dell’artista\, un misto di simbolismo e realtà\, in una narrazione apparentemente caotica\, ma di fatto assolutamente meticolosa. Ogni elemento ha il suo spazio\, ogni scelta pittorica ha una sua logica\, precisa e ferma. \nL’artista ben conosce l’interiorità dei suoi soggetti\, dal punk che voleva assomigliare a Bowie a coloro che si trovano ad essere protagonisti di una deposizione\, tra i partecipanti più o meno coinvolti di una festa\, ai tre anarchici che forse non lo sono così tanto. \nOltre al ritratto\, un altro elemento ricorrente è la nudità raffigurata in chiave realistica\, talvolta erotica\, che lascia trasparire la forte empatia che l’artista ha verso la realtà e l’essere umano: non c’è giudizio morale o estetico\, non ci sono confini tra giusto e sbagliato\, ma prese di coscienza di diverse realtà che ci vengono restituite secondo la sua visione. \nLa pittura di Giuliano Sale è generosa\, basta abbandonarsi ad essa. \nLa mostra si inserisce nel programma che caratterizza la ricerca della galleria impegnata a scoprire e presentare artisti emergenti e parallelamente volta a valorizzare la pittura contemporanea di protagonisti già conosciuti come Giuliano Sale. \nSi ringrazia per il contributo Mara Lomonaco \n  \nThe Usual Captivity \nCrag Gallery inaugurates Giuliano Sale’s solo exhibition at the gallery in via Giolitti 51 in Turin\, entitled “The Usual Captivity”\, on the dates 6 May / 26 June 2021. \nThe artist\, known in the panorama of Italian figurative painting and beyond\, has created a cycle of unpublished works for this exhibition\, born during the pandemic that forced distancing as well as social withdrawal. \nUnlike many other professions\,jobs or vocations\, that of Art\, of his creative moment\, of his pictorial vision\, is for Giuliano Sale the apotheotic form of captivity; it is the glorified moment of removal from the most natural environment\, the one in the midst of others\, which is necessary for the works of Giuliano Sale. \nIt is the form of self-isolation innate in the artist’s way of working\, a necessary internment for the opening of the pictorial work. The result is a fullness of massed but solitary bodies\, of lines that merge\, of iconic objects and references\, in perfect balance between them. \nCaptivity is an intrinsic condition in the subjects of Giuliano Sale’s works\, we can say a ritual captivity\, a natural exile. \nThe works speak of lives in an irreverent\, raw\, ironic way\, interspersed with moments of delicacy and everyday life. The scenes and portraits are born from a deep spirit of observation and internalized experiences by the artist; they are expressed\, image by image\, by juxtaposing and superimposing representations with evocative and contextualizing signs\, through highly figurative pictorial choices interspersed with more gestural and instinctive pictorial details. \nThe representations and the looks force us to enter the artist’s ritual\, a mixture of symbolism and reality\, in an apparently chaotic narrative\, but in fact absolutely meticulous. Each element has its own space\, each pictorial choice has its own logic\, precise and firm. \nThe artist knows the interiority of his subjects well\, from the punk who wanted to look like Bowie to those who find themselves protagonists of a deposition\, among the more or less involved participants of a party\, to the three anarchists who perhaps are not so much. \nIn addition to the portrait\, another recurring element is the nudity depicted in a realistic\, sometimes erotic key\, which reveals the strong empathy that the artist has towards reality and the human being: there is no moral or aesthetic judgment\, there is no they are boundaries between right and wrong\, but awareness of different realities that are given back to us according to his vision. \nGiuliano Sale’s painting is generous\, it is enough to abandon oneself to it. \nThe exhibition is part of the program that characterizes the gallery’s research committed to discovering and presenting emerging artists and at the same time aimed at enhancing the contemporary painting of already known protagonists such as Giuliano Sale. \nThanks to Mara Lomonaco for the contribution. \n 
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SUMMARY:ARTVERONA 2020
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SUMMARY:Oscar Contreras Rojas - Racconti Aperti
DESCRIPTION:  \n \n  \n \n  \n \n  \n \n  \n \nphoto credits: Barbara Corsico\nCRAG Gallery is pleased to present the works of the two young artists\, Laura Omacini and Oscar Rojas Contreras\, with a double inauguration\, in the solo exhibitions to be held from 8 October to 22 November 2020. \nThe two exhibitions\, organised respectively in in via Giolitti 51 and in the Home Gallery in via Maria Vittoria 45 in Turin\, are the most recent proposal of the research that CRAG has been doing for four years on young Italian painting. In this case\, there will be on display about thirty works by the two painters who both trained at the Academy of Fine Arts in Venice. It is interesting to note how the vision of the landscape is different for the two artists: Laura Omacini is focused on an intimate representation\, she tells us about the reality that surrounds her and leads us to distant horizons\, almost to meditation. Oscar Rojas Contreras detaches himself from the horizon to abandon himself in an often celestial dimension. \nThe exhibition “Open Tales” by Oscar Rojas Contreras (Toluca-Mexico\, 1986) is composed of works whose fulcrum is the theme of the landscape declined\, however\, in a dimension that ranges between reality\, history\, classicism\, where color and the originality of the representation are the protagonists. In this case our mind is projected into an “other” dimension\, both in the very small format paintings and in the great works that make us fluctuate between running horses and battles\, between islands and sirens\, between angels and temptations. The artist metabolizes the stimuli from ancient times to rework them in a tumultuous painting\, on the ridge between figuration and abstraction. A vast imaginary emerges\, from the dynamism of Tintoretto to the atmospheres of Turner. (Cristiana Campanini\, Cairo Award 2019). The pictorial moment made up of knowledge and memory is thus transformed into a complex narrative\, however leaving us free interpretation and open imagination. \nPlease click here to see the artworks \n  \n\n  \nCRAG Gallery è lieta di presentare con doppia inaugurazione i lavori dei due giovani artisti\, Laura Omacini e Oscar Rojas Contreras\, nelle mostre personali che si terranno dall’8 ottobre al 22 novembre 2020.  \n  \nLe due mostre\, organizzate rispettivamente nella sede di via Giolitti 51 e nella Home Gallery di via Maria Vittoria 45 a Torino\, sono la proposta più recente della ricerca che CRAG fa da quattro anni intorno alla giovane pittura italiana. In questo caso sono esposte circa trenta opere dei due pittori che si sono formati entrambi all’Accademia di Belle Arti di Venezia. E’ interessante notare come per i due artisti sia differente la visione del paesaggio: Laura Omacini è concentrata su una raffigurazione intima\, ci narra il reale che la circonda e ci porta verso orizzonti lontani\, quasi alla meditazione.  Oscar Rojas Contreras si stacca dall’orizzonte per abbandonarsi in una dimensione spesso celestiale.  La presenza umana è assente dalla raffigurazione di Laura Omacini e qualche volta solo suggerita nel lavoro di Oscar Rojas Contreras. \nAnche la mostra “Racconti aperti” di Oscar Rojas Contreras (Toluca-Mexico\, 1986) è composta da opere il cui fulcro è il tema del paesaggio declinato però in una dimensione che spazia tra la realtà\, la storia\, la classicità\, dove il colore e l’originalità della rappresentazione fanno da protagonisti. In questo caso la nostra mente si trova proiettata in una dimensione “altra”\, tanto nei quadri di piccolissimo formato quanto nelle grandi opere che ci fanno fluttuare tra cavalli in corsa e battaglie\, tra isole e sirene\, tra angeli e tentazioni. L’artista metabolizza gli stimoli dall’antico per rielaborarli in una pittura tumultuosa\, sul crinale tra figurazione e astrazione. Affiora un vasto immaginario\, dal dinamismo di Tintoretto alle atmosfere di Turner. (Cristiana Campanini\, Premio Cairo 2019). Il momento pittorico composto da conoscenza e memoria si trasforma così in una narrazione complessa\, lasciandoci tuttavia  libera interpretazione ed aperta immaginazione. \n  \nPer visionare le opere cliccare qui
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SUMMARY:Laura Omacini - De Limite
DESCRIPTION:  \n \n  \n \n  \n \n  \n \n  \nCRAG Gallery is pleased to present the works of the two young artists\, Laura Omacini and Oscar Rojas Contreras\, with a double inauguration\, in the solo exhibitions to be held from 8 October to 22 November 2020. \nThe two exhibitions\, organised respectively in in via Giolitti 51 and in the Home Gallery in via Maria Vittoria 45 in Turin\, are the most recent proposal of the research that CRAG has been doing for four years on young Italian painting. In this case\, there will be on display about thirty works by the two painters who both trained at the Academy of Fine Arts in Venice. It is interesting to note how the vision of the landscape is different for the two artists: Laura Omacini is focused on an intimate representation\, she tells us about the reality that surrounds her and leads us to distant horizons\, almost to meditation. Oscar Rojas Contreras detaches himself from the horizon to abandon himself in an often celestial dimension. \nLaura Omacini’s exhibition (Venice\, 1991) entitled “DE LIMITE”\, focuses on marine settings that confront the idea of ​​limits. In his landscapes\, the artist describes a sea that takes shape through the creation of multiple pictorial layers and experimental figurative weaves. Not only spatial but also temporal relationships arise. Geometric details and technical expedients emerge that allow us\, quoting the text of his teacher Yoann Van Parys\, to separate and distance ourselves from this same time that identifies us as men\, how we could rise above it in order to finally be able to observe it and to enjoy it finally the inherent serenity. \nPlease click here to read Curatorial text – Yoann Van Parys \nPlease click here to see the artworks  \n\n  \nCRAG Gallery è lieta di presentare con doppia inaugurazione i lavori dei due giovani artisti\, Laura Omacini e Oscar Rojas Contreras\, nelle mostre personali che si terranno dall’8 ottobre al 22 novembre 2020.  \nLe due mostre\, organizzate rispettivamente nella sede di via Giolitti 51 e nella Home Gallery di via Maria Vittoria 45 a Torino\, sono la proposta più recente della ricerca che CRAG fa da quattro anni intorno alla giovane pittura italiana. In questo caso sono esposte circa trenta opere dei due pittori che si sono formati entrambi all’Accademia di Belle Arti di Venezia. E’ interessante notare come per i due artisti sia differente la visione del paesaggio: Laura Omacini è concentrata su una raffigurazione intima\, ci narra il reale che la circonda e ci porta verso orizzonti lontani\, quasi alla meditazione.  Oscar Rojas Contreras si stacca dall’orizzonte per abbandonarsi in una dimensione spesso celestiale. \nLa mostra di Laura Omacini (Venezia\, 1991) dal titolo “DE LIMITE”\, ha come fulcro ambientazioni marine che si confrontano con l’idea del limite. Nei suoi paesaggi\, l’artista descrive un mare che prende forma attraverso la creazione di più piani pittorici e da intrecci figurativi sperimentali. Ne derivano relazioni non solo spaziali ma anche temporali. Emergono dettagli geometrici ed espedienti tecnici che ci permettono\, citando il testo del suo maestro Yoann Van Parys\, di separarci e prendere le distanze da questo stesso tempo che ci identifica uomini\, come potessimo elevarci al di sopra di esso per poterlo finalmente osservare e per goderne alfine l’intrinseca serenità. \n  \nPer leggere il testo curatoriale si prega di cliccare qui Testo IT-Loin de là \nPer visionare le opere si prega di cliccare qui \n 
URL:https://cragallery.com/event/laura-omacini-de-limite/
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SUMMARY:Filippo Bosso - Ad occhio nudo
DESCRIPTION:  \nFilippo Bosso \nAd occhio nudo \nSolo Show \n  3 – 27 September 2020 \nOpening 3 – 4 – 5 September from 3.30 to 9 pm \nthe artist will be present \n  \nThe exhibition will be open everyday by appointment \nPRESS RELEASE (for the italian version Comunicato stampa Bosso 2020) \n CRAG is glad to present at the Home Gallery in via Maria Vittoria 45\, Turin\, the photographs of Filippo Bosso with the exhibition “Ad occhio nudo” from the 3rd of September 2020 to the 27th. The thirty artworks are all selected from a long journey of silent photographic practice\, away from the clamor. In the New York pictures of 1979\, it is already perceptible the research of the essential\, pursued till today\, and conducting thought of Filippo Bosso’s work. \nHis capacity of taking over the “space-time situation”\, catching just a few elements considered relevant to his eye\, is presented in three series of works: details of Shangai’s architecture\, horizons between sea and sky in Wales and refined shots of vegetal elements\, at times to the limit of the abstraction. \nThe pictures\, that with extreme quality represent the relationship of the author with the world both natural and constructed\, are solved with a freedom sense\, a thin emotion that is actually anti-rhetorical. Filippo Bosso’s work fits perfectly with a thought by Diego Mormorio “Who takes pictures thinking about the audience\, takes pictures not for himself but for the others”. \nIn his landscapes is perceived the feeling of the author facing the vastness of nature and only a few lines are needed\, the detail of a surfer in the distance or of the wind turbines on the horizon because the observer could complete the scene in his own mind imagining the hidden part. \nDuring the lockdown it was common in the art world and not only\, to reflect about the need of finding a dimension that exiles from the continuous spectacularisation of our lives and of our actions: we will understand if these reflections will find their own space and if there will be some changes. For now CRAG Gallery\, in this exhibition\, through the experience of Filippo Bosso\, invites to think again about sobriety\, aesthetic beauty and about the intimate emotional tension. \n  \nPer visionare le immagini per favore cliccare qui PHOTOGRAPHS \nPlease click here too see the  PHOTOGRAPHS  \n  \n  \nThe exhibition will be open everyday by appointment \nFor Information                                                                                                                                                              \ninfo@cragallery.com \n+39 3351227609 \n  \nCRAG HOME GALLERY \nVia Maria Vittoria\, 45 – 10123 Torino \n  \nCHIONO REISOVA ART GALLERY  \nvia Giolitti\, 51 – 10123 Torino \n 
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SUMMARY:La possibilité d'une ile - Mickael Doucet
DESCRIPTION:  \n \n  \n  \n \n  \n \n  \n \n  \n \n  \n \n  \nMickael Doucet \nLa possibilité d’une ile \nSolo show \n27th August – 27th September 2020 \n  \nPRESS RELEASE (for italian version please click here Comunicato stampa Mickael Doucet) \n  \nLa possibilitè d’une ile is the title of the personal exhibition of the French artist Mickael Doucet (1974) which CRAG Gallery is pleased to host from 27th August to 27th September in via Giolitti 51\, Turin. \nThe works on display talk about an island. \nA treasure island or perhaps a lost and mysterious paradise\, for the artist a true reassuring and contemporary refuge that he identifies as a virgin place\, far from the tumult of the world. It is a place that can be both our origin and our relevance. \nThe representations are born from the artist’s desire to return to a stage of intimacy and solitude\, as a rebirth and detachment from an excessively intrusive civilisation. This journey\, full of colours and characterised by architectures and seas\, it is powered by the love for literature from which Doucet takes a cue\, also for the choice of the subjects represented. From Zeus\, to Ulysses to Thomas Moore. An Island as utopia\, as asylum. \nThis “utopian elsewhere”\, as defined by Doucet\, is offered to our eyes\, but if we look carefully it is less inaccessible than what it seems. In fact\, sometimes it is simply our home\, where we have retired far from conflict\, to think and meditate\, with the help of art and culture. \nCurator Marion Guggenheim describes Doucet’s work as “something luxurious. But the luxury of being alone in free spaces\, something rare in our urban reality.” \n  \nFor see the artworks please click here https://cragallery.com/artists/mickael-doucet/ \n  \nFor info \ninfo@cragallery.com \n+39 3351227609 \nCHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG \nvia Giolitti\, 51 – 10123 Torino \nwww.cragallery.com
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SUMMARY:Summer Collection 2020
DESCRIPTION:  \nCRAG Gallery è lieta di inaugurare la Summer Collection 2020 dal 26 giugno al 25 luglio presentando una selezione di opere degli artisti Giacomo Modolo\, Mickael Doucet\, Alessandro Cardinale\, Oscar Contreras Rojas\, Giuliano Sale\, Yoon IlKwon\, Chen Li\, bn+BRINANOVARA\, Laura Omacini\, Diego Zangirolami\, Luca Coser\, Luca Freschi\, Liliana Cecchin\, Tomas Tichy\, Silvia Argiolas.\nVi aspettiamo! \n  \nCRAG Gallery is pleased to open the Summer Collection 2020 from the 26th of June to the 25 of July 2020 with a selection of the artists Giacomo Modolo\, Mickael Doucet\, Alessandro Cardinale\, Oscar Contreras Rojas\, Giuliano Sale\, Yoon IlKwon\, Chen Li\, bn+BRINANOVARA\, Laura Omacini\, Diego Zangirolami\, Luca Coser\, Luca Freschi\, Liliana Cecchin\, Tomas Tichy\, Silvia Argiolas.\nSee you soon!
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SUMMARY:In our eyes - Online group exhibition
DESCRIPTION:  \n  \nClicca di seguito per visionare la mostra: Nei nostri occhi\nClick here to see the exhibition:In our eyes\n  \n 
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SUMMARY:JUSTMAD 2020 - MADRID
DESCRIPTION:  \nWe are please to announce our participation to JUSTMAD Madrid from the 27th of February to the 3rd of March 2020 with the artists Diego Zangirolami and Luca Freschi. \n  \n  \n 
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SUMMARY:Jiri Hauschka - The owls are not what they seem - Turin
DESCRIPTION:Jiří Hauschka \nThe owls are not what they seem \nI gufi non sono quello che sembrano \nMostra personale \n  \n 11 febbraio – 18 marzo 2020 \nInaugurazione martedì 11 febbraio dalle 17 alle 21 \nsarà presente l’artista \n  \nCOMUNICATO STAMPA (for Engl. //www.cragallery.com/event/jiri-hauschka-owls-not-seem/)  \n CRAG è lieta di presentare al pubblico torinese le opere dell’artista ceco Jiří Hauschka con la mostra “The owls are not what they seem” già presentate a novembre in occasione dell’apertura della nuova sede di CRAG a Praga.  \nLa mostra è la prima del 2020\, dall’11 febbraio al 18 marzo 2020\, in programma nella galleria di Torino e non a caso è stata scelta per il legame con il cinema. A Torino capitale del cinema 2020\, proponiamo una lettura dell’opera pittorica di Jiří Hauschka con riferimento alla celebre serie “I segreti di Twin Peaks” diretta da David Lynch dalla quale è stata tratta anche l’ispirazione per il titolo della mostra “I gufi non sono quello che sembrano”. \nL’artista si muove in una dimensione di simbiosi tra uomo e natura\, che domina fortemente la sua esistenza e produzione artistica\, influenzata dai paesaggi tipici della sua terra e del nord Europa\, tra laghi e foreste. Trattasi di una narrazione pittorica che ci trasporta ad un vero e proprio racconto di memorie\, sensazioni e visioni con al centro figure solitarie e silenziose. \nLa potenza semantica così come quella visuale riescono a coinvolgere lo spettatore\, con richiami ad artisti importanti come Tom Thomson\, Peter Doig e Daniel Richter\, riproponendo la pittura come mezzo espressivo per eccellenza. \n“Turbolente emozioni” dunque\, come scrive il curatore Martin Dostal\, “e colori che ci salvano dalla realtà\, trasportandoci nella natura intima e umana dell’artista e forse racchiusa dentro ognuno di noi”. \nLa mostra è realizzata in collaborazione con Art Lines (Repubblica Ceca) ed ha il patrocinio del Centro di Cultura Ceca di Milano. \n Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/jiri-hauschka/ \nLa mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15\,30 -19\,30 \nsabato 10.30-13.00 / 15\,30-19\,30 – ogni mattina su appuntamento
URL:https://cragallery.com/event/jiri-hauschka-owls-not-seem-turin/
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SUMMARY:Jiri Hauschka - The owls are not what they seem - Prague
DESCRIPTION:  \n  \nJiří Hauschka – The owls are not what they seem \nPaintings by Jiří Hauschka (born 1965 in Šumperk) take us to an environment of confrontation\, or rather symbiosis\, of man and nature. Nature influences us more than we admit. Some painters have sensed it for a long time – especially in places where there’s a bit more of it\, like in the northern regions with plenty of forests and lakes\, or in the south with jungles and waterfalls. In those surroundings\, events involving man may be more raw\, more to the bone. The name of the exhibition is a reference to David Lynch’s legendary TV series that was set in such an environment. After that\, nothing was as it had been. This is one of the ways to look at Hauschka’s paintings. And accompany him to the painters’ wilderness. \nIn recent years\, or rather in the last two decades\, we witness the art of painting looking back at its history\, examining its options\, seeking what is still attractive and alive in past layers\, and finally realizing\, to its surprise\, that it can still invigorate today’s audience through its colours\, views\, compositions and ideas\, and be attractive for contemporary artists. And it realizes that figures set in a certain spatial or scenic configuration possess a visual and semantic potency that upsets and attracts a contemporary person just as it did in the decades and centuries before us. Fragments of past visuals are pieced together with the fragments of tomorrow’s imagination. \nJiří Hauschka turns to this type of painting method that utilizes colours and symbolic connotations\, prevalent at the turn of the 20th century – he positions himself in that period next to the Canadian painter Tom Thomson (1877–1917) – and used by contemporary painters such as Daniel Richter or Peter Doig. Reality is transformed by the painter’s narration into layered storytelling\, where the artist’s memory is interspersed with new experiences\, views\, desires and emotional turbulences. In the case of Jiří Hauschka\, we find ourselves in the wilderness of painter nostalgia\, where we look for the conceptual person\, and in urban civilization\, which has barely any options left and where we can therefore feel and see the colours of wilderness. Ultimately\, we can be justified in our impression that nothing is as it seems at the first and second glance – just like in the world of Lynch’s Twin Peaks\, where a corpse unexpectedly appears in a quiet town set in the middle of nature\, where the trees keep rustling and the waterfalls keep flowing. Colours save us from reality. \nMartin Dostál\, Curator \n  \n  \n 
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SUMMARY:The other Art Fair 2019 - Turin
DESCRIPTION:Crag gallery is pleased to partecipate to The Others\, independent fair in Italy  dedicated to international emerging artists and to the latest trends in contemporary art. \nCrag Gallery will present the works by BN+ BrinaNovara\, Luca Freschi and Yoon Il Kwon. \nThis year the Fair will be in a new and beautiful location. \n\n\n\n2019 edition: at once an international art fair and a curatorial project\, a place for experimental formats of exhibitions and site-specific projects\, The Others 2019 goes beyond the traditional concept of fair. \n  \n\n\n\n 
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SUMMARY:Il tempo che si attende divora - Enrico Minguzzi
DESCRIPTION:  \nENRICO MINGUZZI \nIl tempo che si attende divora \nMostra personale \n  \nDal 24 ottobre al 16 novembre 2019 \nInaugurazione giovedì 24 ottobre dalle 17 alle 21 \nsarà presente l’artista \n  \nCOMUNICATO STAMPA  \nIn attesa della settimana d’arte torinese\, Crag Gallery presenta la mostra personale di Enrico Minguzzi “Il tempo che si attende divora”\, a distanza di due anni dalla precedente\, dal 24 ottobre al 16 novembre 2019. \nIn occasione della mostra verranno esposte le opere più recenti dell’artista: pitture di paesaggio realizzate ad olio che si sovrappongono a fondi monocromi dai colori fluorescenti in resina epossidica. Il nuovo percorso tecnico-artistico dell’artista\, frutto di una lunga ricerca\, è confluito nell’unione tra la pittura che già lo contraddistingue con nuove soluzioni percettive e tecniche. \nMinguzzi riporta sulla tela i paesaggi a lui cari\, in stratificazioni che includono la natura incontaminata e selvaggia di sponde lacustri\, di intrecci di erbe\, di boschi\, di skyline offuscati e cieli plumbei che esistono nella sua memoria e attinge ai luoghi che lo circondano. Tutto ciò si unisce alla nuova tecnica pittorica che permette all’artista di esprimere originali e dettagliatissime soluzioni formali\, che ne esaltano la perizia tecnica ed il lavoro minuzioso di stratificazione pittorica. \nLa protagonista indiscussa è la luce\, sia nella rappresentazione sia nella materia\, che crea quel legame immediato con lo spettatore\, così indiscutibilmente presente nelle opere di Enrico Minguzzi. \n  \n  \n 
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SUMMARY:Della divina proporzione - Diego Zangirolami
DESCRIPTION:Diego Zangirolami \nDella Divina Proporzione \nSolo show \n  \nFrom 26 September to 19 October 2019 \nOpening 26-27-28 September from 3 to 9 pm \nThe artist will be present \n  \nPRESS RELEASE\n( click here to download the Italian version Diego Zangirolami c.s. della divina proporzione) \nThree days of opening for the exhibition of the miniaturist artist Diego Zangirolami entitled Della Divina Proporzione\, on display at Crag Gallery from 26 September to 19 October. \nDella divina proporzione is inspired\, for its title\, by the well-know treatise of the mathematician and humanist Fra Luca Bartolomeo de Pacioli\, influenced by the Euclid and Platonic writings. It is a path of discovery within the relationship between Human being and Nature through the vision of the divine. Following different channels of influence\, such as male\, female\, animal\, crystalline\, molecular\, shamanic\, scientific\, the artist-explorer discovers and reconstructs new symbols and bonds. Zangirolami imagines acts and rituals\, invents new visions of the divine\, reflects on his role by retracing backwards the steps that led him to take on the role of today in society. The exhibition presents itself as a collection of works from the artist’s imaginary museum. According to a universal conception of the figure of the artist\, interpreter of society and the individual\, Zangirolami produces artefacts and images and the collection on display is a symbolic representation of existential questions and the birth of rituals.  You could play with illusion\, in a journey back from some forest or remote area of the planet that gives us objects resembling archaeological finds of mysterious populations\, illustrations from logbooks\, maps\, masks\, relics\, pages potentially belonged to treatises never written\, a new cosmogony.  The artist’s will put the visitor in the subtly ambiguous condition of participating in his incredible journey poised between past and present. \nThe exhibition will be open from Tuesday to Friday 3- 9 pm. \nSaturday 10.30-13.00 / 15.30-19.30 every morning by appointment. \n  \nFor information                                                                                                                                                              \ninfo@cragallery.com \n+39 3351227609 \n  \nCHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG \nvia Giolitti\, 51 – 10123 Torino \nwww.cragallery.com
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SUMMARY:Circolare\, ciclico - Solo show by Chen Li
DESCRIPTION:  \nChen Li \nCircolare\, Ciclico \nMostra personale \nA cura di Giorgio Bena \n  \nDal 5 al 21 settembre 2019 \nInaugurazione giovedì 5 settembre dalle 17 alle 21 \nsarà presente l’artista \n  \nCOMUNICATO STAMPA \nCrag Gallery presenta i lavori della giovane artista Chen Li nella mostra personale dal titolo “Circolare\, ciclico” dal 5 al 21 settembre 2019.  \nE’ una mostra-progetto la proposta della pittrice cinese Chen Li (Beijing\, 1988)\, che nasce dalla riflessione sull’incontro tra forma ed il senso Circolare\, Ciclico. \nPiù che un’antologia di produzioni individualizzate\, il complesso dei lavori in mostra nasce come frutto di una visione semiotica e curatoriale portata avanti grazie alla sinergia tra artista\, gallerista ed il giovane curatore Giorgio Bena. \nIn Circolare\, Ciclico la forma archetipica del cerchio\, scelta come formato delle opere\, è declinata in alcuni dei suoi significati più universali come emblema cosmologico e simbolo della ciclicità del tempo: attraverso le mutazioni cromatiche dei colori acrilici sulle tele\, Chen Li dà vita ad un microcosmo che ricostruisce la ciclicità della luce solare nel corso di una giornata\, dialogando organicamente con la componente fitomorfa dei soggetti che le sono cari. \nIl rapporto tra le scelte cromatiche dell’artista e la volontà di indagare le possibilità offerte da un supporto pittorico dalle forme atipiche\, sublimano in una visione complessiva all’interno della quale\, senza perdere il proprio valore peculiare\, ogni opera concorre alla costruzione di un corpus significante. \nCircolare e ciclica è quindi la natura del tempo e della luce\, soggetti concorrenti di questo insieme di lavori\, ma è anche la natura formale ed espositiva delle opere stesse che il visitatore è invitato ad osservare. Il percorso diventa una scoperta delle variazioni del linguaggio pacato e straniante di Chen Li per entrare in una dimensione senza confini. \n  \n  \nEnglish version of the curatorial text \nAt the intersection of form and circular sense\, Ciclico is an exhibition-project by the Chinese painter Chen Li (Beijing\, 1988). More than an anthology of individualised productions\, the complex of works on show\, created during the summer of 2019\, was born as the result of a semiotic and curatorial vision carried out thanks to the synergy between artist\, gallerist and curator. The relationship between the chromatic choices of the artist and the will to investigate the possibilities offered by a pictorial support with atypical forms sublimates in an overall vision in which\, without losing its peculiar value\, each work contributes to the construction of a significant corpus.\n\nIn Circular\, the cyclical archetypal shape of the circle\, chosen as the format of the works\, is declined in some of its most universal meanings: cosmological emblem and symbol of the cyclical nature of time. Through the chromatic mutations of his canvases Chen Li gives life to a microcosm that reconstructs the cyclical nature of sunlight changes during a day\, interacting organically with the phytomorphic components of the subjects.\n\nCircular and cyclical is therefore the nature of time and light\, the main subjects of this set of works\, but also the formal and expository nature of the works themselves that the visitor is invited to observe following a path of discovery of the chromatic variations operated by the artist .\n  \n  \n  \nLa mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15\,30 -19\,30 \nsabato 10.30-13.00 / 15\,30-19\,30 ogni mattina su appuntamento \n  \nPer informazioni                                                                                                                                                            \ninfo@cragallery.com \n+39 3351227609 \n  \nCHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG \nvia Giolitti\, 51 – 10123 Torino \nwww.cragallery.com \n  \n  \nCHEN LI  \nNata a Bejing nel 1988\, si è laureata all’Accademia di Belle Arti di Roma nel 2012. \nVive e lavora a Torino. \nPrincipali mostre: \n2019 \nCIRCOLARE\, CICLICO\, personale a cura di Giorgio Bena\, CRAG Gallery\, Torino \n2018 \nDE NATURA\, a cura di Valeria Ceregini\, Villa Vallero\, Rivarolo Canavese – Torino \n2017\nENEGANART 2017 -“Rinascita”\, finalista\, ex Refettorio di Santa Maria Novella\, Firenze \n2016\nARTEAM CUP 2016\, Palazzo del Monferrato\, Alessandria (Vincitrice del Premio Speciale Tessera Sociale Arteam 2017) \n2015\nWE ART!\, a cura di No Title Gallery\, Cantiere Barche 14\, Vicenza\nSTART UP FAIR 2015\, Lo Quarter\, Alghero \n  \n2014\nFIDENZA 1979\, a cura di “Jamais Vu”\, Palazzo delle Orsoline\, Fidenza \nAFFORDABLE ART FAIR\, Milano\, Art and Ars Gallery\, Galatina \n  \n2013\nSE IL PITTORE NON DISPREZZA LA PITTURA\, Galleria Moitre\, Torino \nPREMIO COMBAT\, finalista\, Museo Civico G. Fattori\, Livorno \n2011\nFABLES OF DECONSTRUCTION\, bipersonale con Andrea Palamà\, Underdogstudio\, Modena \n  \nAwards \n2017\nENEGANART 2017 -“Rinascita”\, finalista\, ex Refettorio di Santa Maria Novella\, Firenze\n2016\nARTEAM CUP 2016\, Palazzo del Monferrato\, Alessandria (Vincitrice del Premio Speciale Tessera Sociale Arteam 2017)\n2015\nWE ART!\, a cura di No Title Gallery\, Cantiere Barche 14\, Vicenza\n2013\nPREMIO COMBAT\, finalista\, Museo Civico G. Fattori\, Livorno\n2012\nPREMIO LISSONE\, finalista\, Museo d’Arte Contemporanea\, Lissone\nPREMIO COMBAT\, finalista\, Museo Civico G. Fattori\, Livorno \nGIORGIO BENA \nnasce in provincia di Torino (1995)\, città intorno alla quale orbitano la sua formazione accademica e professionale. Laureatosi in Beni Culturali all’Università degli Studi di Torino con una tesi in storia dell’arte contemporanea\, prosegue in questa direzione il proprio percorso magistrale nello stesso ateneo. Dopo un anno si sposta alla scuola di Progettazione Artistica per l’Impresa dell’Accademia Albertina di Torino\, con l’obiettivo di unire competenze progettuali e curatoriali. È art columnist e editor per la rivista OUTsiders Webzinenasce. \n 
URL:https://cragallery.com/event/circolare-ciclico-solo-show-chen-li/
CATEGORIES:Exhibitions
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