CRAG

Giacomo Modolo - To Snatch
2025-09-08 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG is delighted to take part once again in
GERMINALE – Monferrato Art Fest
with a solo exhibition by
GIACOMO MODOLO
OPENING SATURDAY 13 SEPTEMBER AT 4.30 PM
HOSTED by QUASI FONDAZIONE CARLO GLORIA
via Roma 1, Rinco (AT)
GERMINALE – Monferrato Art Fest
An art festival that transforms the hills of Lower Monferrato into a widespread museum, where contemporary art, history, tradition and natural beauty come together in a sensory journey to discover the territory.
(*the complete programme of activities will be sent at the beginning of September)

DOMA - II EDITION
2025-10-28 08:00 - 2025-11-23 17:00
DOMA 2025
Group exhibition
From October 28 to November 23, 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Turin
curated by Karin Reisova
For the second year running, during Turin Art Week, coinciding with Artissima, Crag Gallery is presenting the DOMA exhibition at its Home Gallery in Via Maria Vittoria, right in the city center.
This edition will feature works by Italian and Czech artists, consolidating the cultural bridge that has always characterized Crag’s work.
This year’s theme is IL GIOCO/THE GAME, and the selected artists interpret it from different points of view. Play has a fundamental importance in our society because it indicates a free and spontaneous activity, essential for the intellectual development of children and important for adults because it represents a moment of escape from daily responsibilities. As early as 1926, philosopher Jurgen Moltmann believed that play had a suspensive function from normal activity and a relaxing function from everyday tensions.Art and play intertwine in life, from playing in love, to video games, to the depiction of moments from childhood.
With precious Bohemian crystal inlays, Radoslav Bigos exhibits in Italy for the first time and intervenes on paintings depicting the male nude revealed in intriguing playing cards.
Jiri Hauschka’s work, which balances between abstract painting and realism, incorporates personal stories of games immersed in the nature of the Bohemian Forest.
The appeal to a sense of belonging is the basis of a quest that questions the ideological fragility of the contemporary world, and often the appeal to alignment takes on the traits of stadium fans, and the flag, a theme dear to Giacomo Modolo, becomes the object of play between parties, in the continuous and obsessive search for an identity, that of a new flag for a nation that does not exist, an ideal nation, a flag to imagine a better world. The work is a collaboration with graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, an Italian artist based in Frankfurt, exhibits a sandbox with the player, the object, and the landscape to be reached, which is characterized by landmarks, markers, as in the levels of a video game. His work is a combination of refined painting and parts of a video game, all set in a Nordic atmosphere. Paolo Pibi revisits a late 19th-century puppet theater, a game that is certainly no longer in vogue but which is still present in our collective memory. The title of his painting is Piccoli Brividi (Goosebumps), a book series famous for his generation. Ondřej Roubik also tackles the theme of virtual reality in his painting: his works are stories in which the subjects play in a real and omnipresent dimension, isolated and unaware that the world of virtual reality influences them and slows down their intuitive behavior.
In the series of photographs “Coriandoli” (Confetti), Enrico Smerilli focuses on the image of confetti lying at the bottom of a fountain and observed through the rippled surface of the water. The optical distortions generated by the water transform the subject into an unstable visual composition that opens up a restrained narrative, poised between a moment of childlike innocence and a suspension of perception. For Karel Štědrý, art is a fun game, infinite variations on what already exists, in which new possibilities open up, with humor and incessant curiosity. In the case of works inspired by the Czech game invented in the 1920s, the Merkur Kit, he is interested, in addition to aesthetics, in how each of the pieces can be a separate object and how thought can be shifted from the world of play to the world of art.
The exhibition is organized by Crag Gallery in collaboration with the Czech Center in Milan and the Consulate General of the Czech Republic in Milan, as part of the TAG Torino Art Galleries initiatives.
Exhibition opening Tuesday, October 28, 6-8 p.m.
Special openings during Art Week Torino:
Night of the Arts on Saturday, November 1, from 6 to 11 p.m.
Breakfast in the gallery on Friday, October 31, Saturday, November 1, and Sunday, November 2, from 10 a.m. to 12 p.m.
Duration: November 1–23 by appointment
Location: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin

DOMA 2025
Mostra collettiva
Dal 28 ottobre al 23 novembre 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Torino
curata da Karin Reisova
Per il secondo anno Crag Gallery propone durante la settimana dell’Art Week torinese, in concomitanza ad Artissima, la mostra DOMA nella Home Gallery di via Maria Vittoria in pieno centro della città.
In questa edizione esporranno le loro opere artisti italiani e artisti della Repubblica Ceca a consolidare un ponte culturale che caratterizza il lavoro di Crag da sempre.
Il tema di quest’anno è IL GIOCO/THE GAME e gli artisti scelti lo interpretano secondo diversi punti di vista. Il gioco ha un’importanza fondamentale nella nostra società perché indica un’attività libera e spontanea, essenziale per lo sviluppo intellettuale dei bambini e importante per gli adulti perché rappresenta un momento di evasione dalle responsabilità quotidiane. Già nel 1926, il filosofo Jurgen Moltmann riteneva che il gioco assumesse una funzione sospensiva dalla normale attività e distensiva dalle tensioni quotidiane. L’arte e il gioco si intrecciano nella vita, dal gioco nell’amore, ai videogiochi, alla raffigurazione di momenti della fanciullezza.
Con preziosi intarsi in cristalli di Boemia, Radoslav Bigos per la prima volta espone in Italia e interviene su pitture raffiguranti il nudo maschile svelato in intriganti carte da gioco.
Jiri Hauschka nel suo lavoro in bilico tra pittura astratta e realismo inserisce storie personali di giochi immersi nella natura della Bohemian Forest.
Il richiamo al senso di appartenenza è la base di una ricerca che mette in discussione la fragilità ideologica del contemporaneo e spesso il richiamo allo schieramento assume i tratti della tifoseria da stadio e la bandiera, tema caro a Giacomo Modolo, diventa oggetto del gioco tra parti, nella continua e ossessiva ricerca di un’identità, quello di una nuova bandiera di una nazione che non esiste, una nazione ideale, una bandiera per immaginare un mondo migliore. L’opera è realizzata a due mani in collaborazione con il graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, artista italiano di base a Francoforte, espone un sandbox con il giocatore, l’oggetto e il paesaggio da raggiungere che è caratterizzato da dei landmarks, i marcatori, come nei livelli di un videogioco. Il suo lavoro è combinazione tra una pittura raffinata e le parti di un videogioco, il tutto calato in un’atmosfera nordica.
Paolo Pibi riprende un teatrino delle marionette di fine Ottocento, un gioco sicuramente non più in voga ma che è comunque presente nella nostra memoria collettiva e il titolo del suo dipinto è Piccoli Brividi, una collana di libri celebre per la sua generazione.
Anche Ondřej Roubik affronta con la pittura il tema della realtà virtuale: le sue opere sono racconti nei quali i soggetti giocano in una dimensione reale e onnipresente, sono isolati e non si rendono conto che il mondo della realtà virtuale li influenza e ne rallenta il comportamento intuitivo.
Nella serie di fotografie “Coriandoli”, Enrico Smerilli si concentra sull’immagine di coriandoli posati sul fondo di una fontana e osservati attraverso la superficie increspata dell’acqua. Le distorsioni ottiche generate dall’acqua trasformano il soggetto in una composizione visiva instabile che apre una narrazione trattenuta, in bilico tra un momento di innocenza infantile e una sospensione percettiva.
Per Karel Štědrý, l’arte è un gioco divertente, infinite variazioni su ciò che già esiste, in cui si aprono nuove possibilità, con umorismo e incessante curiosità. Nel caso delle opere ispirate al gioco ceco inventato negli anni ’20, il Kit Merkur, egli è interessato, oltre all’estetica, a come ognuno dei pezzi possa essere un oggetto separato e a come il pensiero possa essere spostato dal mondo del gioco verso il mondo dell’arte.
La mostra è realizzata da Crag Gallery in collaborazione con il Centro Ceco di Milano e il Consolato Generale della Repubblica Ceca a Milano e nell’ambito delle iniziative di TAG Torino Art Galleries.
Apertura della mostra martedì 28 ottobre ore 18-20
Aperture straordinarie in occasione della Art Week Torino:
Notte delle Arti sabato 1° novembre dalle 18 alle 23
Colazioni in galleria venerdì 31 ottobre, sabato 1 e domenica 2 novembre dalle 10 alle 12
Durata: 1 – 23 novembre su appuntamento
Sede: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45 Torino

Curatela: Karin Reisova’
Artisti:
Radoslav Bigos (1987) Praga
Jiri Hauschka (1965) Praga
Giacomo Modolo (1988) Vicenza
Mattia Noal (1984) Francoforte
Paolo Pibi (1987) Torino
Ondřej Roubik (1988) Praga
Enrico Smerilli (1978) Vercelli
Karel Štědrý (1985) Praga

Panorama in Blu - Joan Bonnemaison and Nicolò Baraggioli
2025-10-29 08:00 - 2025-11-28 17:00
OPERE IN MOSTRA – ARTWORKS ON DISPLAY

PANORAMA IN BLU
NICOLO’ BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaboration with Galeria Xavier Fiol
Opening Saturday, November 1, 2025, 5–11 p.m.
(Contemporary Arts Night)
On the occasion of the initiative “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani,” which promotes exchange and dialogue between the two gallery associations, CRAG Gallery is hosting the Majorcan gallery Xavier Fiol during Turin Art Week 2025, with the exhibition opening on October 29 and running until November 18, 2025.
The CRAG spaces enthusiastically welcome “Panorama in Blue,” a double solo exhibition by Nicolò Baraggioli and Joan Bonnemaison, artists represented by the Xavier Fiol gallery. The exhibition presents the chromatic and conceptual dialogue between the work of the two artists, in which color also plays a semantic role. The works interact, creating a path that combines geometric rigor, evocative chromaticism, and tension between object and space.
Together, the works offer a meditative and engaging interpretation, where blue becomes the bearer of history, materiality, conceptuality, and a long symbolic history. Its perception, which varies according to time and language, makes the color itself an object of reflection: what we see is never just what appears, and the observer is called upon to question their own perception.
Nicolò Baraggioli (Genoa, 1985) works on the manipulation of matter through the use of industrial and residual materials, which he reassembles into minimalist and rigorous compositions. His work stems from a desire for emotional detachment, for anti-subjectivity, with particular attention to the object and its physicality. The work does not represent, but exists: it is defined by its structure, surfaces, materials, thicknesses, angles, and colors. The dialogue between forms, light, and space generates an optical-perceptual message that replaces traditional expressiveness, creating a direct relationship between the object and the observer. Repetition, as Zen thought suggests, does not bore: it opens up a deeper understanding, transforming what seems simple into an intense and meditative experience.
His works explore the boundary between natural and artificial, between waste and beauty, raising questions about the aesthetic value of the object and the very concept of artistic production.
Joan Bonnemaison (Mallorca, 2001), a very young and promising painter, after graduating in Art from the UOC, is now attending a Master’s degree in Antwerp. His work mainly explores the link between human beings and the places that surround them and in which they live, with a profound existential approach. Although young, his research is constantly focused on questions, and for him, the fascination of life lies not in finding answers, but in the perpetual search for them. Even the objects in his depictions, such as ancient artifacts, embody the silent weight of stories, inviting viewers to decode the narratives contained in the artist’s brushstrokes.
The exhibition “Panorama in Blue” thus becomes an opportunity for international openness, sharing, and new visions, promoting the expansion of the cultural and artistic network.

Joan Bonnemaison

Nicolò Baraggioli

PANORAMA IN BLU
NICOLO BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaborazione con la Galeria Xavier Fiol

Opening sabato 1 novembre 2025 ore 17/23
(Notte delle Arti contemporanee)
In occasione dell’iniziativa “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani” che vede lo scambio e dialogo tra le due associazioni di gallerie, CRAG Gallery ospita la galleria maiorchina Xavier Fiol in occasione della settimana dell’arte torinese 2025, con apertura della mostra il 29 ottobre sino al 18 novembre 2025.
Gli spazi di CRAG accolgono con entusiasmo “Panorama in blu”, doppia personale di Nicolò Baraggioli e Joan Bonnemaison, artisti rappresentati dalla galleria Xavier Fiol. In mostra viene presentato il dialogo cromatico e concettuale tra il lavoro dei due artisti, in cui il colore fa da protagonista anche semantico. Le opere dialogano creando un percorso che coniuga rigore geometrico, cromatismo evocativo e tensione tra oggetto e spazio. Insieme, le opere offrono una lettura meditativa e coinvolgente, dove il blu diventa portatore di storia, materialità, concettualità e una lunga storia simbolica. La sua percezione, variabile secondo i tempi e le lingue, rende il colore stesso un oggetto di riflessione: ciò che vediamo non è mai solo ciò che appare, e chi osserva è chiamato a interrogarsi sulla propria percezione.
Nicolò Baraggioli (Genova, 1985) lavora sulla manipolazione della materia attraverso l’utilizzo di materiali industriali e residui, che riassembla in composizioni minimali e rigorose. Il suo lavoro nasce dal desiderio di distacco emotivo, all’antisoggettività, con attenzione particolare all’oggetto e alla sua fisicità. L’opera non rappresenta, ma esiste: è definita dalla struttura, dalle superfici, dai materiali, dagli spessori, dagli angoli e dal cromatismo. Il dialogo tra forme, luce e spazio genera un messaggio ottico-percettivo che sostituisce l’espressività tradizionale, creando un rapporto diretto tra l’oggetto e chi lo osserva. La ripetizione, come suggerisce il pensiero zen, non annoia: apre a una comprensione più profonda, trasformando ciò che sembra semplice in un’esperienza intensa e meditativa.
Le sue opere esplorano il confine tra naturale e artificiale, tra scarto e bellezza, ponendo interrogativi sul valore estetico dell’oggetto e sul concetto stesso di produzione artistica.
Joan Bonnemaison (Maiorca, 2001), giovanissimo e promettente pittore, dopo aver conseguito la laurea in Arte presso l’UOC, frequenta ora un Master di specializzazione ad Anversa. Il suo lavoro esplora soprattutto il legame che intercorre tra l’essere umano e i luoghi che lo circonda e che vive, con un profondo approccio esistenziale. Seppur giovane, la sua ricerca è costantemente tesa alla ricerca di domande e per lui il fascino della vita non sta nel trovare risposte, ma nella ricerca perpetua delle stesse. Anche gli oggetti presenti nelle raffigurazioni come manufatti antichi, racchiudono il peso silenzioso delle storie, invitando gli spettatori a decodificare le narrazioni racchiuse nelle pennellate dell’artista.
La mostra “Panorama in blu” diventa così l’occasione di apertura internazionale, condivisione e nuove visioni, favorendo l’estensione della rete culturale e artistica.

ART COLOGNE PALMA 2026
2026-01-18 08:00 - 17:00
We are delighted to partecipate to ART COLOGNE PALMA 2026
https://www.artcologne.com/palma/galleries.php

Goats never fall - Sebastiano Pallavisini
2026-02-21 08:00 - 2026-03-27 17:00
Artist’s profile https://cragallery.com/artists/sebastiano-pallavisini/
Sebastiano PallavisiniGOATS NEVER FALL21 February – 27 March 2026
Opening Saturday 21 and Sunday 22 February, 11 am – 7 pm
Crag Gallery opens 2026 with the exhibition Goats Never Fall by Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), a very young artist whom the gallery is proud to present, inaugurating a series of exhibitions celebrating its 10th anniversary. Founded in 2016 with the aim of supporting emerging painters, CRAG now continues its research by exhibiting these artists alongside mid-career practitioners.
The exhibition will present large-scale paintings, bold ceramic works, and delicate watercolours. Pallavisini explores animal forms and the ways in which they are articulated, addressing the theme of the relationship between humans and nature with irony combined with an authentic sensitivity.
The artist describes his practice as “a chaotic process, made up of layers of images, construction and deconstruction of animal forms, trying to avoid the stereotypes associated with these subjects, in order to arrive at a final image rich in meaning, capable of encompassing the entire process, the second thoughts, and the events that have unfolded on the pictorial surface.”
The title of the exhibition, Goats Never Fall, metaphorically embodied by goats as animals that climb steep cliffs without falling, evokes alternation, a constant boundary with risk, and an active, dynamic relationship with the void. Various elements intertwine in the works, generating constant tension: the instability of form, the chaos of images, figuration, and the fluidity of animal movement. Instability is not understood as a limitation, but as a horizon—a condition generated by the complexity of contemporary reality, in which both humans and, more broadly, all living beings find themselves constantly immersed.
From this emerges one of the central themes of the artist’s research: coexistence and respect for our shared world, often considered by humans as their own prerogative, forgetting the obligation to protect the planet.
Balance does not exist as a definitive state, but as a continuous trial. Humans attempt to dominate reality; the goat, which manages to maintain its balance, acts in a similar way, yet faces its condition with stoic resistance and humility. It does not fall into the ravine, it does not fall from the tree, and with irony Sebastiano Pallavisini tells analogous stories in his paintings. Through painting, we move within indeterminacy, letting go and lingering in the fascination of waiting time and ambiguity—a space in which perception, vision, reality, and intellect are deeply connected and stimulated by the artistic experience.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)Sebastiano Pallavisini was trained at the Academy of Fine Arts in Venice, in a context where tradition and innovation intertwine. He belongs to a generation of young artists for whom the pictorial medium is neither simply reaffirmed nor abandoned, but becomes a field of negotiation between matter and image, memory and loss of meaning, control and surrender. This contemporary scene is distinguished by its acceptance of instability as an ontological condition of art, capable of inhabiting the complexity of the present without claiming to resolve it or offer a single, definitive interpretation.
For informationinfo@cragallery.com+39 347 342 0598
The exhibition can be visited every day by appointment.

Sebastiano Pallavisini
GOATS NEVER FALL
21 febbraio – 27 marzo 2026
Inaugurazione sabato 21 e Domenica 22 febbraio dalle 11 alle 19

Crag Gallery apre il 2026 con la mostra Goats Never Fall di Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), giovanissimo artista che la galleria presenta con entusiasmo, inaugurando una serie di mostre dedicate ai festeggiamento dei 10 anni di attività. Fondata nel 2016 con l’obiettivo di sostenere pittori emergenti, CRAG porta oggi avanti la propria ricerca affiancando a questi artisti a metà carriera.
In mostra saranno presentati dipinti di grandi dimensioni, grintose ceramiche e delicati acquerelli. Pallavisini indaga le forme animali e il modo in cui esse si articolano, affrontando il tema del rapporto tra uomo e natura, con ironia unita a una sensibilità autentica.
L’artista descrive la propria pratica come «un processo caotico, fatto di stratificazioni di immagini, costruzione e decostruzione di forme animali, cercando di evitare gli stereotipi legati a questi soggetti, per arrivare a un’immagine finale carica di significato, capace di racchiudere in sé l’intero processo, i ripensamenti e gli avvenimenti che si sono succeduti sulla superficie pittorica».
Il titolo della mostra Goats never fall, metaforicamente incarnato dalle capre come animali che si arrampicano sui dirupi senza cadere, richiama un’alternanza, un confine costante con il rischio, una relazione attiva e dinamica con il vuoto. Nelle opere si intrecciano diversi elementi che generano una tensione costante: l’instabilità della forma, il caos delle immagini, la figurazione e la liquidità del movimento animale. L’instabilità non è intesa come un limite, ma come un orizzonte, una condizione generata dalla complessità della realtà contemporanea, nella quale tanto l’uomo quanto, più in generale, tutti gli esseri viventi si trovano costantemente immersi.
Da qui emerge uno dei temi centrali della ricerca dell’artista: la convivenza e il rispetto per il mondo comune, spesso considerato dall’uomo come una propria prerogativa, dimenticando l’obbligo di tutela nei confronti del pianeta
L’equilibrio non esiste come stato definitivo, ma come una continua messa alla prova. L’uomo tenta di dominare la realtà; la capra, che riesce a mantenersi in equilibrio, agisce in modo analogo, ma con stoica resistenza e umiltà affronta la propria condizione. Non cade nel dirupo, non cade dall’albero, e con ironia Sebastiano Pallavisini racconta storie analoghe nei suoi quadri. Attraverso la pittura ci muoviamo nell’indeterminato, lasciandoci andare e sostando nel fascino del tempo dell’attesa e dell’ambiguità, uno spazio in cui percezione, visione, realtà e intelletto sono profondamente connessi e stimolati dall’esperienza artistica.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)
Sebastiano Pallavisini si è formato all’Accademia di Belle Arti di Venezia, in un contesto in cui tradizione e innovazione si intrecciano, facendo parte di una generazione di giovani artisti per i quali il medium pittorico non viene semplicemente riaffermato o abbandonato, ma diventa un campo di negoziazione tra materia e immagine, memoria e perdita di senso, controllo e abbandono. Questa scena contemporanea si distingue per l’accettazione dell’instabilità come condizione ontologica dell’arte, capace di abitare la complessità del presente senza pretendere di risolverla o di offrirne una lettura univoca.
Per info
info@cragallery.com +393473420598
La mostra è visitabile ogni giorno su appuntamento

MEGA ART FAIR - MILANO
2026-03-16 08:00 - 17:00
We are pleased to take part to MEGA ART FAIR IN MILANO with the artist GIACOMO MODOLO.
We will present the
Inside the Flag: 1.5 × 2 meter diptych stands as one of the most current expressions of the research of Giacomo Modolo, a Vicenza-born artist from the class of 1988. His painting—always figurative yet traversed by abstract contaminations and deeply influenced by historical and contemporary events—finds in this work a sort of manifesto: an investigation into the contemporary need to belong to something in order to feel part of history.
In the painting, the space that hosts the figures merges with the decorations of a hypothetical flag, cancelling depth and perspective. Any clear distinction between what belongs to the colored fabric and what is real disappears: the environment and the figures themselves are permeated by the same chromatic contamination. Within this carnivalesque scenario, a kind of ritual seems to unfold, punctuated by the presence of small fires that at times transform into vegetal elements.
Inside the Flag thus becomes an immersive experience: being the flag and, at the same time, being the environment that inhabits it, until every boundary between individual identity and collective symbol dissolves.

Beyond the portrait
2026-03-21 08:00 - 2026-04-21 17:00
Beyond the Portrait
21 March – 21 April 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
The exhibition Beyond the Portrait marks the beginning of a new dialogue between artistic communities in Italy and Spain, inaugurated at Xavier Fiol Gallery in Palma de Mallorca. Presented in the context of the exchange initiative between TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, the show brings together the works of Italian artists Alessandro Cardinale and Giacomo Modolo.
Moving beyond the traditional understanding of portraiture, the exhibition explores how identity, presence, and representation can be reimagined through contemporary artistic practices. Rather than focusing solely on the depiction of a face or figure, the works presented investigate the psychological, symbolic, and conceptual dimensions of portraiture. The portrait becomes a field of inquiry—an open space where the boundaries between subject and context, interiority and appearance, begin to dissolve.
Alessandro Cardinale’s practice examines the tension between representation and abstraction, using the human figure as a starting point for a broader reflection on perception and memory. His works evoke the presence of individuals while simultaneously fragmenting and reconfiguring their image, inviting viewers to question the stability of identity.
Giacomo Modolo approaches portraiture through a process that blends figuration with subtle distortions and layered surfaces. His works suggest narratives that remain partially concealed, where the portrait becomes a site of emotional resonance rather than a fixed likeness.
Together, the two artists open a space where portraiture expands beyond its historical limits, transforming into a reflection on how we see, remember, and construct the image of the other.
Beyond the Portrait is not only an exhibition but also a gesture of collaboration. By connecting the artistic ecosystems of Turin and Palma de Mallorca, the project fosters a shared platform for exchange, dialogue, and future partnerships between the two cities.
Through this initiative, TAG – Torino Art Galleries and Art Palma Contemporani reaffirm their commitment to supporting international mobility and creating new opportunities for artists and galleries to engage across cultural contexts.

Beyond the Portrait
21 marzo – 21 aprile 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
La mostra Beyond the Portrait segna l’inizio di un nuovo dialogo tra le comunità artistiche di Italia e Spagna, inaugurato presso la Galeria Xavier Fiol a Palma di Maiorca. Presentata nell’ambito dell’iniziativa di scambio TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, l’esposizione riunisce le opere degli artisti italiani Alessandro Cardinale e Giacomo Modolo.
Superando la concezione tradizionale del ritratto, la mostra esplora come identità, presenza e rappresentazione possano essere ripensate attraverso le pratiche artistiche contemporanee. Piuttosto che concentrarsi esclusivamente sulla raffigurazione di un volto o di una figura, le opere presentate indagano le dimensioni psicologiche, simboliche e concettuali del ritratto. Il ritratto diventa così un campo di ricerca — uno spazio aperto in cui i confini tra soggetto e contesto, interiorità e apparenza iniziano a dissolversi.
La pratica di Alessandro Cardinale esamina la tensione tra rappresentazione e astrazione, utilizzando la figura umana come punto di partenza per una riflessione più ampia sulla percezione e sulla memoria. Le sue opere evocano la presenza degli individui mentre al tempo stesso ne frammentano e riconfigurano l’immagine, invitando lo spettatore a interrogarsi sulla stabilità dell’identità.
Giacomo Modolo affronta il ritratto attraverso un processo che combina figurazione, sottili distorsioni e superfici stratificate. Le sue opere suggeriscono narrazioni che rimangono in parte celate, dove il ritratto diventa un luogo di risonanza emotiva più che una somiglianza definita.
Insieme, i due artisti aprono uno spazio in cui il ritratto si espande oltre i suoi limiti storici, trasformandosi in una riflessione su come vediamo, ricordiamo e costruiamo l’immagine dell’altro.
Beyond the Portrait non è solo una mostra, ma anche un gesto di collaborazione. Collegando gli ecosistemi artistici di Torino e Palma di Maiorca, il progetto crea una piattaforma condivisa di scambio, dialogo e future collaborazioni tra le due città.
Attraverso questa iniziativa, TAG – Torino Art Galleries e Art Palma Contemporani riaffermano il loro impegno nel sostenere la mobilità internazionale e nel creare nuove opportunità affinché artisti e gallerie possano confrontarsi attraverso contesti culturali differenti.

SEBASTIANO PALLAVISINI - SUPERLAB
2026-04-16 08:00 - 2026-06-26 17:00
PRESS RELEASESebastiano PallavisiniAbove SuspicionCurated by CRAG GalleryAt Superlab, MilanOpening: April 16, 2026, 6–8 PMDates: April 16 – June 26, 2026
On the occasion of Art Week and Milano Design Week, Superlab presents Above Suspicion, a solo exhibition by Sebastiano Pallavisini. The exhibition marks the beginning of a new collaborative path with CRAG Gallery and inaugurates a program dedicated to emerging artists, within a space conceived as a dynamic environment for research, promotion, and dialogue.
Pallavisini’s painting practice is rooted in his training at the Academy of Fine Arts in Venice, reflected in a careful construction of the image and a particular sensitivity to painterly material and the relationship between figure and space. Painting emerges as a layered language in which mark and color retain a strong expressive autonomy.
The works are inhabited by animal figures and hybrid presences, suspended between reality and imagination. While maintaining formal recognizability, these subjects adopt attitudes and dynamics that recall human behavior: they observe one another, brush past each other, isolate themselves, or confront each other. The result is a series of scenes that evoke shared relationships and fragilities, activating a subtle shift between animal and human in which the viewer is led to recognize elements of their own experience.
A distinctive feature of the work is a subtle, understated irony that runs through the images via deviations, unexpected juxtapositions, and slight dissonances. This register keeps the works balanced between immediacy and depth, avoiding a single, fixed interpretation.
The exhibition is conceived as an experience of discovery and direct interaction. The works require an active gaze and a willingness to engage: not passive viewing, but an encounter in which each piece is completed through the viewer’s interpretation. In June, a site-specific installation by the artist will also be created.
This participatory dimension reflects the very identity of Superlab, understood as a space where art is lived and shared, in constant dialogue with its audience.
Above Suspicion therefore represents not only an exhibition moment, but the beginning of a broader project: a place where contemporary art maintains a strong linguistic identity while opening up to new modes of relationship and experience.
InformationSuperlabViale Sarca 336/2, MilanApril 16 – June 26, 2026Monday – Friday, 8:00 AM – 4:00 PMFree admission

COMUNICATO STAMPA
Sebastiano Pallavisini
Al di sopra di ogni sospetto
A cura di CRAG Gallery
Presso Superlab, Milano
Inaugurazione: 16 aprile 2026 ore 18-20
Periodo: 16 aprile – 26 giugno 2026
In occasione della Art Week e della Milano Design Week, Superlab presenta Al di sopra di ogni sospetto, mostra personale di Sebastiano Pallavisini. L’esposizione segna l’avvio di un nuovo percorso di collaborazione con CRAG Gallery e inaugura una programmazione dedicata ai giovani artisti, all’interno di uno spazio concepito come luogo dinamico di ricerca, promozione e dialogo.
La pratica pittorica di Pallavisini affonda le proprie radici nella formazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, riflettendosi in un’attenta costruzione dell’immagine e in una particolare sensibilità verso la materia pittorica e la relazione tra figura e spazio. La pittura emerge come linguaggio stratificato, in cui segno e colore conservano una forte autonomia espressiva.
Le opere sono abitate da figure animali e presenze ibride, sospese tra realtà e immaginazione. Pur mantenendo una riconoscibilità formale, questi soggetti assumono atteggiamenti e dinamiche che richiamano il comportamento umano: si osservano, si sfiorano, si isolano o si confrontano. Ne derivano scene che evocano relazioni e fragilità condivise, attivando un sottile slittamento tra animale e umano in cui lo spettatore è portato a riconoscere elementi della propria esperienza.
Elemento distintivo del lavoro è una sottile ironia, mai dichiarata, che attraversa le immagini attraverso scarti, accostamenti inattesi e leggere dissonanze. Questo registro mantiene le opere in equilibrio tra immediatezza e profondità, evitando una lettura univoca.
La mostra si configura come un’esperienza di scoperta e di interazione diretta. Le opere richiedono uno sguardo attivo e una disponibilità alla relazione: non una fruizione passiva, ma un incontro in cui ogni lavoro si completa attraverso l’interpretazione dello spettatore. A giugno verrà poi creata una installazione site specific dall’artista.
Questa dimensione partecipativa riflette l’identità stessa di Superlab, inteso come spazio in cui l’arte è vissuta e condivisa, in costante dialogo con il pubblico.
Al di sopra di ogni sospetto rappresenta quindi non solo un momento espositivo, ma l’inizio di un progetto più ampio: un luogo in cui l’arte contemporanea mantiene una forte identità linguistica aprendosi a nuove modalità di relazione e fruizione.
Informazioni
Superlab
Viale Sarca 336/2, Milano
16 aprile – 26 giugno 2026
Lunedì – Venerdì, 8:00 – 16:00
Ingresso libero

Dendrografie - The Secret Writing of Trees
2026-05-07 08:00 - 2026-06-07 17:00
DENDROGRAPHIESThe Secret Writing of TreesCarolina Cuneo and Francesca Migone
May 7 – June 7, 2026Via Maria Vittoria 45 – Turin
CRAG GALLERY is pleased to present, for the second consecutive year in collaboration with VisionQuesT4rosso in Genoa, the two-person exhibition “DENDROGRAPHIES_The Secret Writing of Trees”, opening on May 7, 2026, as part of the programme for Turin’s Month of Photography.
The exhibition brings into dialogue the works of Carolina Cuneo and Francesca Migone: two artists distant in generation and methodological approach, yet united by the desire to explore the utopia of a reconciliation between human beings and the natural world. The exhibition investigates a dimension in which the planet is not merely a setting, but a living organism that pulses and breathes in harmony with universal vital energy.
The exhibition path moves between archetype and matter, beyond the boundaries of the visible, rejecting processes of contemporary alienation in order to embrace a journey of meditation and regeneration. In Francesca Migone’s works, copper threads evoke the textures of chestnut bark, intertwining in an intense dialogue with nocturnal images of silent forests.
The same concept of interweaving and vision—this time centred on the tree as symbol and universal archetype—appears in Carolina Cuneo’s photographic works: the tree as an axis joining earth and sky, conscious and unconscious. In this space, the human being rediscovers their ancient role as mediator and guardian of an ancestral symbolic heritage.
The artistic operation takes shape as a continuous metamorphosis: a flow that dissolves generational distances in order to celebrate movement, continuity, and the profound aspiration to become “one” with nature.

Carolina Cuneo was born in Genoa, where she lives and works. She developed her photographic path in her hometown with photographers Alberto Terrile and Franco Fontana.
She works with her head in the clouds, one foot on Earth and the other among the stars. If the category of “poetic photography” truly existed, much of her work would stand as a reference point. Hers is a constant navigation between visual art photography and creative photography. Despite her reserved nature, her passion for art history and her creative research make her an essential contemporary voice in photography, where she has learned to master and subtly play with light. Her works have been exhibited at contemporary art fairs in Venice, Salerno, New York, Gaspé, and Turin, as well as in photography exhibitions in Savignano sul Rubicone, Arles, and Reggio Emilia.
Francesca Migone (1989) currently works between Genoa and Milan, where her studio is based. Her research focuses on the dynamics linked to the transformation of a place from visual and political-sociological perspectives.
She works across different scales of complexity, highlighting the relationships between object, space, and context, often using textile as a defining element and interpretative key to the environment. She obtained a specialist degree in Decoration, focusing her research on textile experimentation within visual arts and multimedia installations. She also pursued studies in textile surface design at the Academy of Fine Arts in Bologna, continuing her training through the study and practice of weaving. Her works have been exhibited at ViaFarini Residence, Anonima Kunsthalle Varese, Triennale Milano, Biennale di Monza, Museo di Arte Contemporanea Villa Croce, The Others Art Fair, and Meeting Gardens Festival.

DENDROGRAFIE
La scrittura segreta degli alberi
Carolina Cuneo e Francesca Migone
7 maggio – 7 giugno 2026
Via Maria Vittoria 45 – Torino
CRAG GALLERY è lieta di presentare, in collaborazione per il secondo anno consecutivo con la galleria VisionQuesT4rosso di Genova, la mostra bipersonale “DENDROGRAFIE_La scrittura segreta degli alberi”, dal 7 maggio 2026, inserendosi nel palinsesto del mese della fotografia torinese.
L’esposizione mette in dialogo le opere di Carolina Cuneo e Francesca Migone: due artiste distanti per generazione e approccio metodologico, ma unite dal desiderio di esplorare l’utopia di una riconciliazione tra l’essere umano e il mondo naturale. La mostra indaga una dimensione in cui il pianeta non è solo scenario, ma un organismo che pulsa e respira in armonia con l’energia vitale universale.
Il percorso espositivo si muove tra archetipo e materia, oltre i confini del visibile, rifiutando i processi di alienazione contemporanea per abbracciare un cammino di meditazione e rigenerazione. Nelle opere di Francesca Migone i fili di rame evocano le trame delle cortecce di castagno, intrecciandosi in un dialogo serrato con immagini notturne di boschi silenti.
Il medesimo concetto di intreccio e visione, ma questa volta con ad oggetto l’albero come simbolo e archetipo universale, le troviamo nei lavori fotografici di Carolina Cuneo: albero come asse che congiunge terra e cielo, conscio e inconscio. In questo spazio, l’essere umano riscopre il suo ruolo millenario di tramite e custode di un bagaglio simbolico ancestrale.
L’operazione artistica si configura come una metamorfosi continua: un flusso che annulla le distanze generazionali per celebrare il movimento, la continuità e l’aspirazione profonda a farsi “uno” con la natura.

Carolina Cuneo nasce Genova, dove vive e lavora. Ha costruito il suo percorso fotografico nella sua citta con il fotografo Alberto Terrile. e con Franco Fontana
Lavora con la testa dentro le nuvole con un piede sulla Terra e l’altro tra le Stelle. Se davvero esistesse la categoria “fotografia poetica”, la maggior parte dei suoi lavori ne sarebbe un riferimento. Un costante navigare tra la fotografia di arte visiva e la fotografia creativa. Nonostante la sua timidezza, la sua passione per la storia dell’arte le sue ricerche creative la rendono una creatrice contemporanea imprescindibile nel campo della fotografia dove ha imparato a padroneggiare e a giocare sottilmente con la luce. Sue opere sono state esposte in fiere d’arte contemporanea a Venezia, Salerno, New York, Gaspé, Torino e in mostre fotografiche a Savignano sul Rubicone, Arles, Reggio Emilia.
Francesca Migone (1989) attualmente lavora tra Genova e Milano, dove ha il suo studio. Svolge un’indagine rivolta alle dinamiche legate alla trasformazione di un luogo, dal punto di vista visivo e politico-sociologico.
Lavora su scale di differente complessità, sottolineando i rapporti tra manufatto, spazio e contesto, spesso utilizzando il tessuto come elemento caratterizzante e chiave di lettura dell’ambiente. Ha conseguito la laurea specialistica in Decorazione, focalizzando la sua ricerca sulla sperimentazione tessile nell’ambito delle arti visive e delle installazioni multimediali. Ha seguito un percorso di progettazione di superfici del tessuto all’Accademia di Belle Arti di Bologna,
proseguendo la sua formazione anche nello studio e nella pratica della tessitura. I suoi lavori sono stati esposti in ViaFarini Residence, Anonima Kunsthalle Varese, La Triennale di Milano, Biennale di Monza, Museo di Arte Contemporanea Villa Croce di Genova, The Others Art Fair, Meeting Gardens Festival.
La mostra è aperta ogni giorno su appuntamento in via Maria Vittoria 45 – Torino
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

VIA PARMA 66D – TORINO
+39 3473420598
+39 3351227609
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TRACCIANDO IL SENTIERO. ARTE, AMBIENTE E VISIONI DEL FUTURO
2026-05-09 08:00 - 2026-09-13 17:00
TRACCIANDO IL SENTIERO.

ARTE, AMBIENTE E VISIONI DEL FUTURO
Mostra collettiva
In occasione della 10° edizione di StArt/arte Saluzzo
e della 18° edizione di Saluzzo Contemporanea

Tracciando il sentiero. Arte, ambiente e visioni del futuro,
la nuova mostra collettiva di Fondazione Garuzzo realizzata in collaborazione con Trigenia Award, premio per l’arte contemporanea promosso da Trigenia – Energy Service Company e curato dalla Galleria CRAG di Torino.
La mostra, parte della rassegna Dialoghi e altri sguardi, sarà allestita presso gli spazi espositivi della Castiglia di Saluzzo (Cuneo), in occasione della 10° edizione di StArt/arte Saluzzo e della 18° edizione di Saluzzo Contemporanea.
La mostra presenta il lavoro di una serie di artisti del Trigenia Award in dialogo con nuove opere inserite all’interno dell’Esposizione e Collezione Permanente alla Castiglia, e chiama in causa l’arte contemporanea come spazio di responsabilità, assumendo il mondo non quale superficie di sfondo ma come campo specifico d’azione e di scelta.
Attraverso linguaggi differenti – pittura, installazione, fotografia, scultura, video – viene esplorato il rapporto tra energia, materia e spazio, aprendo nuove prospettive sul modo in cui gli esseri umani abitano e comprendono il mondo.
ARTISTI IN MOSTRA:
Daniele Accossato, Maura Banfo, Domenico Borrelli, Botto&Bruno, Alessandro Cardinale, Linda Carrara, Filippo Centenari, Sara Chanoufi, Alessandro Fabbris, Andrea Francolino, Dario Ghibaudo, Cesare Goria Gatti, Paolo Grassino, Tomáš Kurecka, Chen Li, Luigi Mainolfi, Cristina Mandelli, Domenico Antonio Mancini, Jacopo Martinotti, Daniele Marzorati, Giacomo Modolo, Mattia Novello, Emanuele Pagnanini, Sebastiano Pallavisini, Dario Picariello, Fabio Riaudo, Fabio Roncato, Maurizio Sapia, Saverio Todaro, Alessandro Vasapolli, Marzio Zorio.
Accanto alla dimensione espositiva è prevista la realizzazione di una pubblicazione che rappresenterà un’estensione della mostra, accompagnata da un public programcaratterizzato da incontri e momenti performativi per attivare la mostra come luogo vivo, favorendo il dialogo tra artisti e pubblico.

L’inaugurazione si terrà sabato 9 maggio 2026 alle ore 17.30 presso gli spazi espositivi della mostra.
Evento libero e aperto a tutti.
TRACING THE PATH.ART, ENVIRONMENT AND VISIONS OF THE FUTURE
Group ExhibitionOn the occasion of the 10th edition of StArt/arte Saluzzoand the 18th edition of Saluzzo Contemporanea
Tracing the Path. Art, Environment and Visions of the Future is the new group exhibition by Fondazione Garuzzo, created in collaboration with Trigenia Award, a contemporary art prize promoted by Trigenia and curated by Galleria CRAG.
The exhibition, part of the Dialoghi e altri sguardi programme, will be hosted in the exhibition spaces of Castiglia di Saluzzo, on the occasion of the 10th edition of StArt/arte Saluzzo and the 18th edition of Saluzzo Contemporanea.
The exhibition presents works by a selection of artists from the Trigenia Award in dialogue with new works placed within the Permanent Exhibition and Collection at Castiglia di Saluzzo. It positions contemporary art as a space of responsibility, considering the world not as a mere background surface, but as a specific field of action and choice.
Through different media — painting, installation, photography, sculpture and video — the exhibition explores the relationship between energy, matter and space, opening new perspectives on how human beings inhabit and understand the world.
ARTISTS ON VIEW:Daniele Accossato, Maura Banfo, Domenico Borrelli, Botto&Bruno, Alessandro Cardinale, Linda Carrara, Filippo Centenari, Sara Chanoufi, Alessandro Fabbris, Andrea Francolino, Dario Ghibaudo, Cesare Goria Gatti, Paolo Grassino, Tomáš Kurecka, Chen Li, Luigi Mainolfi, Cristina Mandelli, Domenico Antonio Mancini, Jacopo Martinotti, Daniele Marzorati, Giacomo Modolo, Mattia Novello, Emanuele Pagnanini, Sebastiano Pallavisini, Dario Picariello, Fabio Riaudo, Fabio Roncato, Maurizio Sapia, Saverio Todaro, Alessandro Vasapolli, Marzio Zorio.
Alongside the exhibition, a publication will be produced as an extension of the project, accompanied by a public programme featuring talks and performative moments designed to activate the exhibition as a living space and encourage dialogue between artists and audiences.
The opening will take place on Saturday, 9 May 2026 at 5:30 PM in the exhibition spaces.Free admission, open to all

VERTIGES - CHIARA FERRANDO
2026-05-13 08:00 - 2026-09-13 17:00
NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA PRESENTS:
VERTIGESA project room by Chiara FerrandoCurated by CRAG Gallery
OPENING: MAY 13, 7:00 PM
NH Collection Torino Piazza Carlina

On May 13, 2026 at 7:00 PM, Vertiges opens at NH Collection Torino Piazza Carlina: a project room by photographer Chiara Ferrando, curated by CRAG Gallery.
The Vertiges series develops a visual language centered on spatial ambiguity and beauty. Architectural forms are fragmented and reconfigured into dynamic compositions, where perspective becomes unstable and the viewer is immersed in a suspended, vertiginous experience of space. Light fractures surfaces and amplifies the tension between solidity and dissolution, generating a sense of movement within static structures.
On the occasion of the exhibition, a key image has been produced, dedicated to the staircase that will host the project, in which the artist reinterprets the space in both its physical and perceptual dimensions, offering an unprecedented and deeply personal perspective. For the artist, architecture is conceived as an artistic fact: a phenomenon capable of generating emotion and activating a perceptual relationship with the viewer.

NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA PRESENTA:
VERTIGES
UNA PROJECT ROOM DI CHIARA FERRANDO
CURATA DA CRAG GALLERY

INAUGURAZIONE 13 MAGGIO H.19.00
NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA
Il 13 maggio 2026 alle ore 19.00 inaugura in NH Collection Torino Piazza Carlina Vertiges: la project room della fotografa Chiara Ferrando curata da CRAG Gallery.
La serie Vertiges sviluppa un linguaggio visivo incentrato sull’ambiguità spaziale e sulla bellezza. Le forme architettoniche sono frammentate e riconfigurate in composizioni dinamiche, in cui la prospettiva diventa instabile e lo spettatore è immerso in un’esperienza sospesa e vertiginosa dello spazio. La luce frattura le superfici e amplifica la tensione tra solidità e dissoluzione, generando un senso di movimento all’interno di strutture statiche. In occasione della mostra è stata realizzata la fotografia immagine guida, dedicata alla scalinata che ospiterà il progetto, nella quale l’artista rilegge lo spazio nella sua dimensione insieme fisica e sensibile, offrendo uno sguardo inedito e profondamente personale. L’architettura, per l’artista, si configura infatti come un fatto d’arte: un fenomeno capace di generare emozione e attivare una relazione percettiva con chi osserva.

Bea Sarrias - Living Architectures
2026-09-12 08:00 - 2026-10-17 17:00
BEA SARRIAS
LIVING ARCHITECTURES
12 September – 17 October 2026
Opening:
Saturday, 12 September, 11 am–7 pm
Sunday, 13 September, 11 am–5 pm
CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presents Living Architectures, a solo exhibition by Bea Sarrias, the Spanish artist born in Barcelona in 1978, whose painting has for years explored the relationship between architecture, light, and the memory of space.
The exhibition stems from a reflection on architecture no longer understood as an immobile structure, but as a lived space, traversed by light, nature, and human presence. Sarrias’s works depict spaces that seem to exist beyond their architectural function, most of them designed by major architects, while also conveying their environmental and domestic dimension. Her practice begins with an extensive period of research, photographic documentation, and architectural study, ultimately leading to the creation of a true portrait of space.
Architecture thus becomes a means through which to observe light, proportions, surfaces, and, above all, that more intangible dimension that makes a place recognisable and alive.
Strongly influenced by twentieth-century American Realism, the artist focuses her attention on perspective, composition, and the quality of light. In her works, however, the accuracy of representation does not simply correspond to a documentary intention: through a realistic yet atmospheric approach to painting, Sarrias transforms architecture into a perceptual experience.
The references to great modern and contemporary architecture constitute for Sarrias a field of research through which to investigate the relationship between form, environment, and life. In the works presented in Living Architectures, the architectures of some of the key figures of modernism emerge, including Oscar Niemeyer, José Antonio Coderch, Carlo Scarpa, Jørn Utzon, and Adalberto Libera, the architect of Casa Malaparte. Sarrias interprets these buildings through a gaze that conveys not only their design power, but above all their lived dimension.
The geometries, volumes, and surfaces conceived by these great masters become, in Sarrias’s paintings, spaces traversed by light, vegetation, and time. Architecture is thus freed from a purely monumental dimension and brought back to its relationship with the environment and with the everyday experience of inhabiting a space.
In Living Architectures, this process opens further towards the landscape. While in the artist’s earlier research her attention was focused primarily on interiors and on the relationship between objects and the memory of their inhabitants, her gaze has progressively shifted outward, incorporating gardens, swimming pools, vegetation, and fragments of landscape.
Architecture no longer constitutes a clear boundary between interior and exterior, but becomes a permeable threshold, a device through which nature and inhabited space enter into dialogue. The building is no longer merely an object to be observed, or an example of architectural and aesthetic beauty to be contemplated, but an environment in transformation, in which nature, light, and memory continuously generate new configurations.
Sarrias’s painting therefore operates within a subtle tension between presence and absence. Human figures are often completely absent, and yet the spaces appear inhabited. Objects, openings, traces of use, the arrangement of elements, and above all the light suggest the presence of those who have lived, or might live, within these places.
Light consequently assumes a central role. It is not merely an atmospheric element, but a true pictorial material: it defines volumes, constructs depth, establishes relationships between architecture and landscape, and introduces a temporal dimension into the painting. The same architecture can appear different depending on the time of day, the season, and the intensity of the light. It is through this variability that the represented space acquires an almost organic dimension.
The references to great modern and contemporary architecture – from Mies van der Rohe to Richard Neutra, from José Antonio Coderch to Antonio Bonet Castellana, Josep Lluís Sert, and Gio Ponti – constitute for Sarrias not a repertoire to be celebrated, but a field of research through which to investigate the relationship between form, environment, and life.
Born and educated in Barcelona, Bea Sarrias studied Fine Arts at the University of Barcelona and, in 2016, took part in the Maestros de la figuración workshop with Antonio López at the University of Navarra. Her work has been presented in solo and group exhibitions in Spain and internationally, in cities including Brussels, New York, Oslo, Malmö, and Amsterdam.
In 2019, she created the project Inside at the new NATO headquarters in Brussels, a large-scale painted portrait produced on site. Her subsequent research has further explored the relationship between architecture, heritage, and memory. Her works are held, among others, in the collections of the Mies van der Rohe Foundation, the Eileen Kaminsky Foundation, the Saffca Foundation, and the Open Earth Foundation.
With Living Architectures, CRAG proposes a journey in which painting becomes a tool to slow down the gaze and restore a human dimension to architecture. The buildings, gardens, and spaces depicted by Sarrias are not static settings, but places in which time, light, and memory continue to act.
Architectures, therefore, not only to be inhabited, but capable of living themselves.
CRAG – Chiono Reisova Art Gallery
Via Parma 66/D – Turin

BEA SARRIAS
LIVING ARCHITECTURES
12 settembre – 17 ottobre 2026
Opening:
Sabato 12 settembre, ore 11–19
Domenica 13 settembre, ore 11–17
CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presenta Living Architectures, mostra personale di Bea Sarrias, artista spagnola nata a Barcellona nel 1978, la cui ricerca pittorica si sviluppa da anni intorno al rapporto tra architettura, luce e memoria dello spazio.
La mostra nasce da una riflessione sull’architettura non più intesa come struttura immobile, ma come luogo vissuto, attraversato dalla luce, dalla natura e dalla presenza umana. Le opere di Sarrias restituiscono infatti spazi che sembrano esistere oltre la loro funzione architettonica, nella maggior parte opere di grandi architetti, ma dalle quali si percepisce anche la funzione ambientale e domestica. Il suo lavoro parte da una lunga fase di ricerca, documentazione fotografica e studio dell’architettura per arrivare alla costruzione di un vero e proprio ritratto dello spazio. L’architettura diventa così uno strumento attraverso cui osservare la luce, le proporzioni, le superfici e soprattutto quella dimensione più immateriale che rende un luogo riconoscibile e vivo.
Fortemente influenzata dal realismo americano del XX secolo, l’artista concentra la propria attenzione sulla prospettiva, sulla composizione e sulla qualità della luce. Nelle sue opere l’accuratezza della rappresentazione non coincide però con una semplice volontà documentaria: attraverso una pittura realistica e insieme atmosferica, Sarrias trasforma l’architettura in esperienza percettiva. I riferimenti alla grande architettura moderna e contemporanea costituiscono per Sarrias un campo di ricerca attraverso cui interrogare il rapporto tra forma, ambiente e vita. Nelle opere di Living Architectures emergono le architetture di alcuni dei protagonisti della modernità come Oscar Niemeyer, José Antonio Coderch, Carlo Scarpa, Jørn Utzon e Adalberto Libera, autore di Casa Malaparte, interpretate attraverso uno sguardo che ne restituisce non soltanto la forza progettuale, ma soprattutto la dimensione vissuta. Le geometrie, i volumi e le superfici progettate da questi grandi maestri diventano nella pittura di Sarrias luoghi attraversati dalla luce, dalla vegetazione e dal tempo. L’architettura viene così sottratta alla dimensione puramente monumentale e ricondotta alla sua relazione con l’ambiente e con l’esperienza quotidiana dell’abitare.
In Living Architectures, questo processo si apre ulteriormente verso il paesaggio. Se nelle prime ricerche dell’artista l’attenzione era rivolta soprattutto agli interni e alla relazione tra gli oggetti e la memoria degli abitanti, progressivamente lo sguardo si è spostato verso l’esterno, includendo giardini, piscine, vegetazione e porzioni di paesaggio. L’architettura non costituisce più un confine netto tra interno ed esterno, ma diventa una soglia permeabile, un dispositivo attraverso cui natura e spazio abitato entrano in relazione. L’edificio non è più soltanto un oggetto da osservare o di bellezza architettonica e progettuale da contemplare, ma un ambiente in trasformazione, nel quale natura, luce e memoria producono continuamente nuove configurazioni.
La pittura di Sarrias lavora dunque su una tensione sottile tra presenza e assenza. Spesso le figure umane sono completamente assenti, eppure gli spazi appaiono abitati. Sono gli oggetti, le aperture, le tracce d’uso, la disposizione degli elementi e soprattutto la luce a suggerire la presenza di chi ha vissuto o potrebbe vivere quei luoghi.
La luce assume così un ruolo centrale. Non è soltanto un elemento atmosferico, ma una vera materia pittorica: definisce i volumi, costruisce la profondità, stabilisce relazioni tra architettura e paesaggio e introduce nel dipinto una dimensione temporale. La stessa architettura può infatti apparire diversa a seconda dell’ora, della stagione, dell’intensità della luce. È attraverso questa variabilità che lo spazio rappresentato acquista una dimensione quasi organica.
I riferimenti alla grande architettura moderna e contemporanea – da Mies van der Rohe a Richard Neutra, da José Antonio Coderch ad Antonio Bonet Castellana, Josep Lluís Sert e Gio Ponti – costituiscono per Sarrias non un repertorio da celebrare, ma un campo di ricerca attraverso cui interrogare il rapporto tra forma, ambiente e vita.
Nata e formatasi a Barcellona, Bea Sarrias ha studiato Belle Arti all’Università di Barcellona e nel 2016 ha partecipato al workshop Maestros de la figuración con Antonio López presso l’Università di Navarra. La sua ricerca è stata presentata in mostre personali e collettive in Spagna e a livello internazionale, in città quali Bruxelles, New York, Oslo, Malmö e Amsterdam. Nel 2019 ha realizzato il progetto Inside presso la nuova sede della NATO a Bruxelles, un grande ritratto pittorico eseguito dal vivo, mentre successive ricerche hanno approfondito il rapporto tra architettura, patrimonio e memoria. Le sue opere sono presenti, tra le altre, nelle collezioni della Mies van der Rohe Foundation, della Eileen Kaminsky Foundation, della Saffca Foundation e della Open Earth Foundation.
Con Living Architectures, CRAG propone dunque un percorso nel quale la pittura diventa uno strumento per rallentare lo sguardo e restituire all’architettura la sua dimensione umana. Gli edifici, i giardini e gli spazi rappresentati da Sarrias non sono scenari immobili, ma luoghi in cui il tempo, la luce e la memoria continuano ad agire.
Architetture, dunque, non soltanto da abitare, ma capaci esse stesse di vivere.
CRAG – Chiono Reisova Art Gallery
Via Parma 66/D – Torino
info@cragallery.com
www.cragallery.com
