CRAG

LOOKING AHEAD - NICOLO' RICCI & GIULIO DI ROBILANT
2025-05-10 08:00 - 2025-06-01 17:00 (Europe/Rome)
LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
Curated by Carla Testore
May 10 – June 1, 2025
For the month of photography in Turin, Crag gallery presents the bipersonal exhibition “Looking ahead” by two very young photographers under 30, Nicolò Ricci and Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), graduated from IAAD, Institute of Applied Arts and Design in Turin, focuses on architectural photography, with the aim of transmitting to his observers an intersectional vision of buildings, a different way of appreciating and understanding the role of architecture in the aesthetics of cities and its impact on society and the environment, experimenting with relief and original printing techniques.
Giulio di Robilant (Turin, 2004) has cultivated art since he was a child, drawing and painting like many in the history of his family. After a cycle of studies in Italy and abroad (Cambridge – classical studies and philosophy), in 2019 he approached photography by winning the SoNYT Photojournalism Challenge and the related publication of the winning photograph in the New York Times.
Looking Ahead is the message of two under-30 artist photographers who invite the public to look ahead. As Carla Testore, curator of the exhibition, writes, it is “certainly a forward in time, towards a future that is near or more distant, but at the same time also a forward/beyond thanks to the reinterpretation of a tangible reality that in the photographic shot leaves a more emotional freedom of interpretation”.
The comparison between the two young photographers sees on the one hand Giulio di Robilant’s research based on the simplicity of forms, on the control of the boundaries of the view on the observed subject, merging the mathematical orders of architecture with the aesthetics of artistic choice. Some images are glimpses of landscapes glimpsed through windows or openings in walls (Alpine Window 1 and 2), others seem to capture moments of the daily life of young figures who do not know they are in front of a lens (Brisa, VV1). Also singular is the self-portrait Red Audience that shows how often a subtle aesthetic irony occurs in his works. Giulio di Robilant states “Photography is the process through which I consciously compose my external space, impressing my understanding of the experience through aesthetics”.
On the other hand, Nicolò Ricci with his almost cinematic black and white offers a selection of shots, including tributes to Turin with the Reale Mutua skyscraper (Skyscraper Reale Mutua) which, with the same angular composition of the Alcazaba, recalls its pyramidal shape and also in the detail of the vaults of the Porta Nuova station (Porta Nuova station) that seem to intertwine like the passages of a labyrinth. Preferring black and white, he almost always uses vertical shots because this, as he himself says, “allows us to linger between architecture and sky”. From the many countries he has visited, he brings back images of ancient or contemporary structures that sometimes remain unidentified because the photographer chooses only glimpses of them, abstracting them from their original location, as in the case of The Palm Grove of surprises in Lisbon and South Southeast Station in Malaga, or characterizing them with a different shape from the original, as in the case of the Alcazaba Castle, which seems to represent a pyramid.

LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
A cura di Carla Testore
10 maggio – 1 giugno 2025
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
via Parma 66D – TORINO

Crag gallery per il mese della fotografia torinese propone la mostra bipersonale “Looking ahead” di due giovanissimi fotografi under 30, Nicolò Ricci e Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), laureato allo IAAD, Istituto d’Arte applicata e design di Torino, si concentra sulla fotografia di architettura, con l’intento di trasmettere ai suoi osservatori una visione intersezionale delle costruzioni, un modo diverso di apprezzare e comprendere il ruolo dell’architettura nell’estetica delle città e il suo impatto sulla società e sull’ambiente, sperimentando tecniche di stampa in rilievo e originali.
Giulio di Robilant (Torino, 2004) ha coltivato l’arte fin da bambino, disegnando e dipingendo come tanti nella storia della sua famiglia. Dopo un ciclo di studi in Italia e all’estero (Cambridge – studi classici e filosofia), nel 2019 si è avvicinato alla fotografia vincendo la SoNYT Photojournalism Challenge e relativa pubblicazione della fotografia vincitrice sul New York Times.
Looking Ahead è il messaggio di due artisti fotografi under 30 che invitano il pubblico a portare lo sguardo avanti. Come scrive Carla Testore, curatrice della mostra, è “sicuramente un avanti nel tempo, verso un futuro che sia prossimo o più lontano, ma allo stesso tempo anche un avanti/oltre grazie alla reinterpretazione di una realtà tangibile che nello scatto fotografico lascia una libertà di interpretazione più emozionale”.
Il confronto tra i due giovani fotografi vede da una parte la ricerca di Giulio di Robilant improntata alla semplicità delle forme, al controllo dei confini della vista sul soggetto osservato, fondendo gli ordini matematici dell’architettura con l’estetica della scelta artistica. Alcune immagini sono scorci di paesaggio intravisti attraverso finestre o aperture nei muri (Alpine Window 1 e 2), altre sembrano cogliere istanti della quotidianità di giovani figure che non sanno di essere davanti ad un obiettivo (Brisa, VV1). Singolare anche l’autoscatto Red Audience che mostra come spesso avviene nelle sue opere una sottile ironia estetica. Giulio di Robilant afferma “La fotografia è il processo attraverso il quale compongo consciamente il mio spazio esterno, imprimendo la mia comprensione dell’esperienza attraverso l’estetica”.
Dall’altra parte Nicolò Ricci con il bianco e nero quasi cinematografico propone una selezione di scatti, tra i quale anche omaggi a Torino con il grattacielo della Reale Mutua (Skyscraper Reale Mutua) che, con la stessa composizione ad angolo dell’Alcazaba, ne richiama la forma piramidale ed anche nel dettaglio delle volte della stazione di Porta Nuova (Porta Nuova station) che sembrano intrecciarsi come i passaggi di un labirinto. Prediligendo il bianco e nero, usa quasi sempre lo scatto in verticale perché questo, come dice lui stesso, “permette di soffermarci tra architettura e cielo”. Dai molti paesi visitati riporta immagini di strutture antiche o contemporanee che talvolta restano da identificare perché il fotografo ne sceglie solo degli scorci astraendoli dalla loro collocazione originale, come nel caso di The Palm Grove of surprises di Lisbona e di South Southeast Station di Malaga, oppure caratterizzandoli con una forma diversa dall’originale come nel caso del Castello Alcazaba che sembra rappresentare una piramide.

THE PHAIR 2025
2025-05-08 08:00 - 2025-05-11 17:00 (Europe/Rome)
CRAG Gallery is pleased to partecipate to the PHAIR 2025 with the artists
ALESSANDRO FABBRIS
NICOLO’ RICCI
DANI GHERCA
CHIARA FERRANDO

SONGS OF THE WALE' - PATRICK WILLOCQ
2025-05-07 08:00 - 2025-07-31 17:00 (Europe/Rome)
SONGS OF THE WALÉS
Selection of photographs by Patrick Willocq
May 7 – July 31, 2025
Gebbia Bortolotto Penalisti Associati Law Firm
Corso Vittorio Emanuele II, 68 – Turin
In the splendid setting of the Gebbia Bortolotto Penalisti Associati Law Firm (Turin, Milan, Rome) Crag Gallery in collaboration with the VisionQuest4Rosso gallery of Genoa are pleased to inaugurate the exhibition Songs of the Wales presenting a selection of photographs by Patrick Willocq on the occasion of the Turin photography month.
Patrick Wiillocq, represented in Italy by the VisionQuest4Rosso gallery, was born in Strasbourg (France) and lives and works between Congo (DRC) and France. Raised in the Democratic Republic of Congo, since 2009 he has undertaken various trips deep into the African equatorial forest, immersed in the territory of the Ekonda pygmies, to learn about their fascinating rituals and ways of life.
The photographs are evidence of the photographer’s deep bond with the Congolese land, in a relationship of respect and trust with the population and of restitution of rituals, traditions, awareness of changes towards contemporaneity and comparison in this sense. “I have always been fascinated by indigenous tribes because I feel that they are the custodians of a form of wealth that is irremediably lost to us. The Walè ritual is a wonderful tribute to motherhood, fertility and femininity. For this reason I proposed to the Walè women that I have known for years to participate in a sort of staging capable of testifying to a part of their personal history. Each image visually represents the song sung by the Walè woman during the most important day of her life: that of returning to the village.” – Patrick Willocq.
Very interesting, with almost pop traits, is the series Songs of the Wales (2013-2016), which returns real mise en scene, co-created with the Walé. The photographs of the series have been exhibited in art fairs and international museums, as well as nominated finalists and winners in prestigious international awards (including Rencontres d’Arles DA, Prix HSBC, Sony WPA and Leica OBA).
The core is the initiation rite of the young Ekonda woman called Walé (“first-time mother”) at the birth of her first child when she returns to her parents to remain secluded for two to five years. Respecting various taboos, especially sexual ones, makes her acquire a status similar to that of a patriarch until the end of her isolation, characterized by highly codified ritual dances and songs, which are each time a unique creation for each Walé.
The Walé ritual is highly competitive and is based on gaining more prestige and power than the opponents and increasing the honor of the family. When a young mother becomes a Walé she acquires a nickname that differentiates her from her rivals and positions her in the eyes of the community. Every day the young woman prepares for an elaborate toilette made especially to focus everyone’s attention on her, preparing a mixture of red ngola wood powder with palm oil, which she spreads on her body. The sophisticated hairstyles, made of mud like a paste, a mixture of ash, bopokoloko leaves and palm oil, are yet another way for the Walé women to show off their uniqueness.
All these fascinating rites are told by Willocq’s photographs, with delicacy and sometimes irony, in symbiosis with the people photographed and those who, together with him, create with months of work the scenography made with local material assembled in splendid settings. Women who transform into sparrowhawks, leopards and other animals, with sophisticated hairstyles made of earth, Bopokoloko leaf ash, palm oil and found objects, are another way to show off their uniqueness, which we also find in the series of portraits of young women.
The red mixture of Ngola wood powder which also has medical properties, protects against scabies and other skin problems. Furthermore, according to their beliefs, the blood color instills fear, helps to drive away evil and enhance their beauty. Furthermore, red is the royal color and as such highlights their prominent place within the community.
The Tableaux Vivants also tell us about social problems and development needs, the choice between evolving or remaining strongly tied to one’s traditions, in a moment of social change and contamination, but always in a representation full of dignity and simplicity.
The SUPERWALÉS series follows where Willocq with an avant-garde and futuristic thought, proposes the young first-time mothers Walé projected into a hypothetical future that depicts them as super women, super heroines, super mothers, through fantastic scenarios and landscapes. This vision also includes the landscapes of the Democratic Republic of Congo (DRC) forest that he found.

SONGS OF THE WALÉS
Selezione di fotografie di Patrick Willocq
7 maggio – 31 luglio 2025
Studio Legale Gebbia Bortolotto Penalisti Associati
Corso Vittorio Emanuele II, 68 – Torino
Nella splendida cornice dello Studio Legale Gebbia Bortolotto Penalisti Associati (Torino, Milano, Roma) Crag Gallery in collaborazione con la galleria VisionQuest4Rosso di Genova sono liete di inaugurare la mostra Songs of the Wales presentando una selezione di fotografie di Patrick Willocq in occasione del mese della fotografia torinese.
Patrick Wiillocq, rappresentato in Italia dalla galleria VisionQuest4Rosso, nasce a Strasburgo (Francia) e vive e lavora fra il Congo (DRC) e la Francia. Cresciuto nella Repubblica Democratica del Congo, dal 2009 intraprende vari viaggi nel profondo della foresta equatoriale africana, immerso nel territorio dei pigmei Ekonda, per conoscere i loro affascinanti rituali e modi di vivere.
Le fotografie sono testimonianza del profondo legame del fotografo con la terra congolese, in una relazione di rispetto e fiducia con la popolazione e di restituzione di rituali, tradizioni, presa di coscienza dei cambiamenti verso la contemporaneità e confronto in tal senso. “Sono sempre stato affascinato dalle tribù indigene perché sento che esse sono custodi di una forma di ricchezza per noi irrimediabilmente persa. Il rituale del Walè è un meraviglioso tributo alla maternità, la fertilità e femminilità. Per questo motivo ho proposto alle donne Walè che conosco da anni di partecipare a una sorta di messa in scena in grado di testimoniare una parte della loro storia personale. Ogni immagine rappresenta in chiave visiva la canzone cantata dalla donna Walè durante il giorno più importante della propria vita: quello del ritorno al villaggio.”- Patrick Willocq.
Interessantissima, dai tratti quasi pop, è la serie Songs of the Wales (2013-2016), che restituisce vere e proprie mise en scene, co-create con le Walé. La fotografie della serie sono state esposte in fiere d’arte e musei internazionali, oltre che nominate finaliste e vincitrici in prestigiosi premi internazionali (tra cui Rencontres d’Arles DA, Prix HSBC, Sony WPA e Leica OBA).
ll fulcro è il rito d’iniziazione della giovane donna Ekonda chiamata Walé (“madre primipara”) alla nascita del suo primo figlio quando ritorna dai suoi genitori per rimanere reclusa da due a cinque anni. Il rispettare vari tabù, soprattutto sessuali, le fa acquisire uno status simile a quello di un patriarca sino alla fine del suo isolamento, caratterizzato da danze e canti rituali altamente codificati, che sono di volta in volta una creazione unica per ogni Walé.
Il rituale Walé è altamente competitivo e si basa sull’acquisire maggior prestigio e potere rispetto agli avversari e aumentare l’onore della famiglia. Quando una giovane madre diventa una Walé acquisisce un soprannome che la differenzia dalle sue rivali e la posiziona agli occhi della comunità. Ogni giorno la giovane donna si prepara a un’elaborata toilette fatta apposta per focalizzare l’attenzione di tutti su di lei, preparando una miscela di polvere rossa di legno ngola con olio di palma, che spalma sul proprio corpo. Le acconciature sofisticate, fatte di fango come una pasta, una miscela di cenere, foglie bopokoloko e olio di palma, sono ancora un altro modo per le donne Walé di ostentare la loro unicità.
Tutti questi affascinanti riti sono raccontati dalla fotografie di Willocq, con delicatezza e talvolta ironia, in simbiosi con le persone fotografate e quelle che insieme a lui creano con mesi di lavoro le scenografie realizzati con materiale locale assemblato in splendidi scenari. Donne che si trasformano in sparvieri, leopardi e altri animali, con acconciature sofisticate fatte di terra, cenere di foglie Bopokoloko, olio di palma e oggetti trova, sono un modo ulteriore per sfoggiare la propria unicità, che ritroviamo anche nella serie di ritratti delle giovani donne.
La miscela rossa di polvere di legno Ngola che ha anche delle proprietà mediche, protegge dalla scabbia e altri problemi della pelle. Inoltre, secondo le loro convinzioni, il colore sanguigno incute paura, aiuta a scacciare il male e ad esaltare la loro bellezza. In più il rosso è il colore reale e come tale risalta il loro posto di rilievo all’interno della comunità.
I Tableaux Vivants ci raccontano anche di problemi sociali e esigenze di sviluppo, la scelta tra l’evolversi o il rimanere fortemente legati alle proprie tradizioni, in un momento di cambiamento sociale e contaminazione, ma sempre in una rappresentazione pregna di dignità e semplicità.
Segue la serie SUPERWALÉS dove Willocq con un pensiero avant-garde e futurista, propone le giovani madri primipare Walé proiettate in un ipotetico futuro che le raffigura come super donne, super eroine, super mamme, attraverso scenari e paesaggi fantastici. Questa visione include anche i paesaggi della foresta Repubblica Democratica del Congo (DRC) che ha ritrovato stabilità, benessere e pace duratura. Entriamo nell’immaginario dell’artista che fascia l’habitat delle Walé, di rosso, il colore che per loro rappresenta la maternità, la vita, la regalità: nastri che fluttuano sugli alberi, capanne interamente ricoperte di teloni, strisce di seta sospese sull’acqua e interi sentieri della foresta equatoriale ricoperti di teli.
La glorificazione non solo di queste giovani madri diventate matriarche, forti, potenti, orgogliose e capaci di far crescere la loro comunità, ma anche di un percorso e di una visione che porta ad un futuro migliore passando dal rispetto del paesaggio che le circonda.

LUCA COSER - FLANEUR
2025-02-19 08:00 - 2025-04-18 17:00 (Europe/Rome)
Portfolio artworks on display Portfolio Coser Flaneur

FLANEUR
LUCA COSER’S SOLO SHOW
February 19 – April 18, 2025
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the first exhibition of the year 2025 with the solo exhibition of the artist Luca Coser (Trento, 1965) hosted again in the gallery.
Drawing teacher at the Brera Academy and established artist in the painting scene of our country, Luca Coser offers with this exhibition, once again, an ironic, conscious and romantic cue with respect to his vision of the world (and of art).
Exhibition title: flaneur. For Baudelaire he was the gentleman who wandered idly through the city streets or also called “a botanist of the pavement”, the one who observes the changes in the metropolitan landscape, the people, the situations. He pushes through the city with awareness, but without a destination.
In the same way Luca Coser, an insatiable observer of discovery, recalls the figure of the Flaneur. He is a cultured spectator, sometimes nostalgic, but never markedly melancholic. His paintings are instinctive because the artist abandons himself to painting but this feeds on the baggage of his favorite books, films, the flash of a photograph and returns them to the public. This is how his canvases hide between a bit of mystery, between signs and pencil drawings. Between the stains of color and glazes, almost always white, a hint emerges, thrown out from the deep soul of the artist, influenced by some pages of Thomas Bernhard or Bohumil Hrabal, his beloved Central European authors.
“The observer is a prince who enjoys his incognito everywhere. […] He can also be compared to an immense mirror like this crowd; to a kaleidoscope endowed with consciousness that, with each of its movements, represents the multiple life and the mobile grace of all the elements of life. It is an insatiable self of the non-self, which at every moment renders and expresses it in images more vivid than life itself, which is always unstable and fleeting” (CB).
We like to think that a double path is created: on the one hand that of the artist, of his awareness and restitution, on the other that of the visitor who can walk inside the paintings, without necessarily a destination, waiting for everything to reveal itself, because this is what happens in Coser’s works, slowly.

Luca Coser and his love for the cinema
https://share.artshell.eu/s/events/67cabb483775e71b5ce7e4f3

DOMA - GROUP SHOW
2024-10-29 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)

Bea Sarrias - Dipingere lo spazio. Omaggio a Gio Ponti
2024-10-24 08:00 - 2024-11-28 17:00 (Europe/Rome)
DIPINGERE LO SPAZIO.
OMAGGIO A GIO PONTI
Mostra personale di Bea Sarrias
24 ottobre – 28 novembre 2024

Inaugurazione 24 ottobre ore 17/21
CRAG Gallery è lieta di presentare la prima mostra personale in Italia dell’artista spagnola Bea Sarrias (Barcellona, 1979) in occasione della Art Week Torinese con inaugurazione il 24 ottobre in via Parma 66D, Torino.
L’artista, interessata alla figurazione legata alla architettura moderna e contemporanea, esplora in questa mostra un filone dedicato alla figura dell’architetto Gio Ponti.
Gli spazi architettonici e la poetica del grande Architetto rivivono nei dipinti attraverso lo sguardo e l’interpretazione dell’artista. Il suo lavoro è concentrato sul catturare le luci e le atmosfere delle architetture.
E’ proprio la luce l’elemento chiave ci permette di “sentire” l’architettura, interpretandola emotivamente. Nei dipinti diventa infatti personaggio silenzioso che dà vita alle linee pure e moderne dell’architettura pontiana, catturando anche momenti effimeri. Troviamo la luce che sfiora una parete o il calore del pavimento illuminato dal sole pomeridiano o ancora la luce che dà movimento alla facciata esterna di una villa. Nei dipinti di Sarrias la luce non solo illumina, ma racconta una storia, la stessa storia che Ponti tratteggiava nei suoi edifici: una celebrazione della bellezza, della semplicità e della chiarezza. «Mi interessano la prospettiva, la composizione e, soprattutto, la luce. Per me l’architettura è uno strumento con cui dipingere la luce. La luce modella gli spazi e crea presenza. Con la luce cerco di catturare l’anima stessa degli spazi che dipingo.
Sarrias non dipinge edifici, ma crea piuttosto ritratti di spazi. Il suo lavoro è antropologico e consiste in ricerca, fotografia e persino video per documentare il passato e il presente degli edifici, suggerendo sottilmente la presenza, e talvolta l’assenza, dei loro abitanti. Le figure umane, infatti, non compaiono nei dipinti, se non raramente, ma Bea Sarrias riesce ad evocare le tracce delle presenze di chi ha creato e abitato i luoghi, crea inoltre una tensione tra gli interni e gli esterni.
L’artista trova nell’opera di Ponti forte stimolo per la realizzazione dei suoi dipinti, facendoci respirare tutta l’ecletticità e la sensibilità del maestro, pioniere dell’architettura moderna, conferendo ai quadri la matericità dell’architettura e la poetica della luce che la trasforma.
Gli iconici edifici di Gio Ponti, come Villa Planchart a Caracas e il famoso grattacielo Pirelli a Milano, sono progettati per interagire con la luce in modo dinamico, creando ombre e riflessi che trasformano gli spazi.
In sintesi, Bea Sarrias trova nel lavoro di Giò Ponti una risonanza artistica che va oltre la struttura e il design.
Una serie di opere in mostra è poi ispirata al pavimento Giallo Fantastico disegnato da Giò Ponti nel 1958 per il Museo Richard-Ginori e inserito nel Pirellone, composto da piastrelle nei toni del giallo e del nero che generano un disegno ondulato, creando un effetto visivo che simula il movimento dell’acqua. Ponti ha concepito questi pavimenti non solo come superficie funzionale, ma come un’opera d’arte all’interno dell’ambiente architettonico, giocando con la geometria per creare una sensazione di movimento e dinamismo sotto i piedi.
Bea Sarrias ha catturato con il suo pennello l’eleganza e l’ingegnosità di questi pavimenti geometrici, facendoli ulteriormente interagire con la luce e le ombre, rafforzando la profondità spaziale e l’atmosfera dell’ambiente. L’artista coglie la complessità delle forme e dei colori ideati da Ponti, ma lo fa da una prospettiva che mette in risalto la sua interazione con la luce. Attraverso la sua interpretazione, Sarrias non solo rende omaggio alla meticolosità del design di Ponti, ma mette in risalto anche la sua capacità di utilizzare la luce come risorsa espressiva. Nei suoi dipinti il ​​pavimento del palazzo Pirelli diventa parte essenziale del dialogo tra architettura, spazio e luce.
L’allestimento di mostra sarà inoltre arricchito proprio dal pavimento Giallo Fantastico con pattern che riproduce fedelmente l’originale, presentato da Rezina nel 2023 al Salone del Mobile.
Bea Sarrias ha esposto a New York, Oslo, Malmö (Svezia) e Bruxelles, ed è presente in varie collezioni come la Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
In occasione della mostra sarà presente l’artista e alcune sue opere saranno esposte durante la settimana di Artissima a The Others, nella nuova sede fieristica nell’ONU center di Torino.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promuove artisti emergenti e di metà carriera, in particolare pittori e scultori, sia italiani che stranieri, con attenzione alla ricerca figurativa. La Galleria ha sede nel centro di Torino dal 2016 ed è guidata da Elisabetta Chiono e Karin Reisovà. Elisabetta, avvocato specializzato in diritto dell’arte, ha deciso insieme a Karin di aprire la galleria per condividere il suo personale approccio e passione per l’arte e il collezionismo, in particolare per scoprire giovani artisti. Collabora come contributor con la rivista Exibart ed è Presidente di TAG-Torino Art Galleries, associazione delle gallerie di arte contemporanea di Torino. Karin, architetto, condivide la direzione artistica e l’evoluzione della galleria, con particolare esperienza nel campo della progettazione culturale. Il focus della galleria è lo scouting di giovani artisti e il sostegno degli artisti di metà carriera. Nella nostra visione la galleria è anche uno spazio per progetti sperimentali e curatoriali. Siamo assolutamente convinti dell’importanza di scelte altamente personali per gestire una galleria, al di là delle mode, concentrandosi sulla qualità della ricerca artistica, consentendo agli artisti di sviluppare riconoscimento e crescita.
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

VIA PARMA 66D – TORINO
+39 3473420598
+39 3351227609
info@cragallery.com
www.cragallery.com
IG@cragallery
Orari di visita
Me-gio-ve: 15/19
Altri giorni o orari su appuntamento

PAINTING THE SPACE.
TRIBUTE TO GIO PONTI
Bea Sarrias solo exhibition
October 24 – November 28, 2024
Opening October 24, 5/9 pm
Via Parma 66D – Turin
CRAG Gallery is pleased to present the first solo exhibition in Italy of the Spanish artist Bea Sarrias (Barcelona, ​​1979) on the occasion of the Turin Art Week with opening on October 24 in via Parma 66D, Turin.
The artist, interested in figuration linked to modern and contemporary architecture, explores in this exhibition a thread dedicated to the figure of the architect Gio Ponti.
The architectural spaces and the poetics of the great Architect come to life in the paintings through the artist’s gaze and interpretation. Her work is focused on capturing the lights and atmospheres of architecture.
It is precisely light that is the key element that allows us to “feel” architecture, interpreting it emotionally. In his paintings, it becomes a silent character that gives life to the pure and modern lines of Ponti’s architecture, also capturing ephemeral moments. We find the light that touches a wall or the warmth of the floor illuminated by the afternoon sun or the light that gives movement to the external facade of a villa. In Sarrias’ paintings, light not only illuminates, but tells a story, the same story that Ponti outlined in his buildings: a celebration of beauty, simplicity and clarity. «I am interested in perspective, composition and, above all, light. For me, architecture is a tool with which to paint light. Light shapes spaces and creates presence. With light I try to capture the very soul of the spaces I paint. Sarrias does not paint buildings, but rather creates portraits of spaces. His work is anthropological and consists of research, photography and even video to document the past and present of buildings, subtly suggesting the presence, and sometimes the absence, of their inhabitants. Human figures, in fact, rarely appear in the paintings, but Bea Sarrias manages to evoke the traces of the presence of those who created and inhabited the places, and also creates a tension between the interiors and the exteriors.
The artist finds in Ponti’s work a strong stimulus for the creation of her paintings, making us breathe all the eclecticism and sensitivity of the master, a pioneer of modern architecture, giving the paintings the materiality of architecture and the poetics of light that transforms it.
Gio Ponti’s iconic buildings, such as Villa Planchart in Caracas and the famous Pirelli skyscraper in Milan, are designed to interact with light in a dynamic way, creating shadows and reflections that transform spaces.
In short, Bea Sarrias finds in Giò Ponti’s work an artistic resonance that goes beyond structure and design.
A series of works on display is inspired by the Giallo Fantastico floor designed by Giò Ponti in 1958 for the Richard-Ginori Museum and inserted in the Pirellone, composed of tiles in shades of yellow and black that generate a wavy design, creating a visual effect that simulates the movement of water. Ponti conceived these floors not only as a functional surface, but as a work of art within the architectural environment, playing with geometry to create a sensation of movement and dynamism underfoot.
Bea Sarrias has captured the elegance and ingenuity of these geometric floors with her brush, making them interact further with light and shadow, reinforcing the spatial depth and atmosphere of the environment. The artist captures the complexity of the shapes and colors conceived by Ponti, but does so from a perspective that highlights his interaction with light. Through her interpretation, Sarrias not only pays homage to the meticulousness of Ponti’s design, but also highlights his ability to use light as an expressive resource. In her paintings, the floor of the Pirelli building becomes an essential part of the dialogue between architecture, space and light.
The exhibition will also be enriched by the Giallo Fantastico floor with a pattern that faithfully reproduces the original, presented by Rezina in 2023 at the Salone del Mobile.
Bea Sarrias has exhibited in New York, Oslo, Malmö (Sweden) and Brussels, and is present in various collections such as the Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
The artist will be present at the exhibition and some of her works will be exhibited during the Artissima week at The Others, in the new fair venue in the ONU center in Turin.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promotes emerging and mid-career artists, especially painters and sculptors, both Italian and foreign, with a focus on figurative research. The Gallery has been based in the center of Turin since 2016 and is led by Elisabetta Chiono and Karin Reisovà. Elisabetta, a lawyer specialized in art law, decided together
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GIACOMO MODOLO - THE LIGHTS OF SINNERS
2024-09-17 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
THE LIGHTS OF SINNERS
Mostra personale di Giacomo Modolo

19 settembre – 18 ottobre 2024
Inaugurazione 19 settembre ore 16/23
CRAG GALLERY – VIA PARMA 66D – TORINO
Crag Gallery apre la stagione autunnale della sua sede di via Parma 66D a Torino, con la mostra personale di Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) dal titolo “The Lights of Sinners”, dal 19 settembre al 18 ottobre 2024.
Il nuovo ciclo di dipinti definisce un vero e proprio racconto che nasce da immagini fotografiche scattate in parte dall’artista, altre di repertorio e archiviate, tra cui copertine di dischi, internet, riviste, talvolta anche unite, per poi essere successivamente reinterpretate e rese proprie attraverso la pittura. A partire dall’opera guida “Shaman”, l’oracolo, il discorso dell’artista si ricompone rispetto ai precedenti lavori, con una nuova ma riconoscibile ricerca, legata al suo recente passato che si ripercuote sul presente, in una continua tensione ed interpretazione del “crudo vedere e sentire”.
Cosa sono queste luci? “Sono i bagliori che si consumano all’alba, sono energie latenti di emozioni che si sono sprigionate e che diventano sempre più fioche al limite dell’oblio” come scrive il curatore Domenico Russo nel testo che accompagna la mostra “La superfice del quadro su cui avviene il racconto da sempre un po’ sofferto è il canale tra il pensiero e le persone, e si realizza nella parola pittorica che avvicina e unisce”. Per spiegare il lavoro di Giacomo Modolo è calzante il riferimento al pensiero di Mark Fisher per il quale la soggettività e l’intimità sono frammentate di fronte alla vita sociale. Non vi è gerarchia nelle immagini, le figure sembra si stacchino da una dimensione massmediale, con l’urgenza posta dall’artista sulla necessità di una condotta di vita più profonda e consapevole, dove l’ansia innescata dalla saturazione visiva e dal digitale possa essere ridotta. “Nella misura in cui Modolo mette in rapporto sé stesso con i fenomeni sociali, egli è un artista della corrente l’Altra Individualità” scrive Domenico Russo citando la corrente di pittura figurativa italiana.
Il lavoro di Giacomo Modolo con i suoi colori, il tratto del disegno che limita le scene raffigurate in frame dentro a cui calarsi in fretta per cogliere l’attimo della sensazione prima che ci scappi, è stato proposto dalla Galleria sin dalla sua apertura nelle mostre precedenti dell’artista. Ritornano ora nuovi lavori con con storie più mature tra i gialli fluo acidi, i blu e i verdi contrapposti ai colori della terra.
La mostra sarà il momento per generare nuove vibrazioni e confermare le emozioni e le immagini attese dal pubblico che segue il lavoro di Giacomo Modolo da anni.
L’inaugurazione sarà in occasione di OUVERTURE, apertura coordinata delle gallerie associate a TAG – Associazione Torino Art Galleries, giovedì 19 settembre dalle ore 16/23.
link to the artworks

Giacomo Modolo

THE LIGHTS OF SINNERS
Giacomo Modolo
solo show
September 19th – October 18th, 2024
Opening: September 19, 4/11 pm
CRAG GALLERY – VIA PARMA 66D – TURIN
Crag Gallery opens the autumn season with the solo show by Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) entitled “The Lights of Sinners”, from September 19th to October 18th, 2024.
The new cycle of paintings defines a real story that arises from photographic images taken in part by the artist, others from archives, including album covers, internet, magazines, sometimes even joined together, to then be subsequently reinterpreted and made his own through painting. Starting from the guiding artwork “Shaman”, the oracle, the artist’s discourse is recomposed compared to previous works, with a new but recognizable research, linked to his recent past that has repercussions on the present, in a continuous tension and interpretation of the “raw seeing and feeling”.
What are these lights? “They are the flashes that are consumed at dawn, they are latent energies of emotions that have been released and that become increasingly dimmer to the limit of oblivion” as the curator Domenico Russo writes in the text that accompanies the exhibition. “The surface of the painting on which the story, always a bit painful, takes place is the channel between thought and people, and is realized in the pictorial word that brings together and unites”. To explain Giacomo Modolo’s work, the reference to Mark Fisher’s thought is fitting, according to which subjectivity and intimacy are fragmented in the face of social life. There is no hierarchy in the images, the figures seem to detach themselves from a mass media dimension, with the urgency placed by the artist on the need for a deeper and more conscious conduct of life, where the anxiety triggered by visual saturation and digital can be reduced. “To the extent that Modolo relates himself to social phenomena, he is an artist of the Other Individuality movement” writes Domenico Russo citing the current of Italian figurative painting.
The work of Giacomo Modolo with his colors, the line of the drawing that limits the scenes depicted in frames within which to quickly dive to capture the moment of sensation before it escapes, has been proposed by the Gallery since its opening in the artist’s previous exhibitions. New works are now returning with more mature stories between acid fluorescent yellows, blues and greens contrasted with the colors of the earth.
The exhibition will be the moment to generate new vibrations and confirm the emotions and images expected by the public who have followed Giacomo Modolo’s work for years.
The opening will be on the occasion of OUVERTURE, coordinated opening of the galleries associated with TAG – Associazione Torino Art Galleries, Thursday 19 September from 4pm to 11pm.

STAR ROSE
2024-05-28 08:00 - 2024-06-30 17:00 (Europe/Rome)
STAR/ROSE
Mostra collettiva
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

Mostra realizzata a
Casa Toesca
Via Ivrea 42
Rivarolo C.se (Torino)

1 giugno – 30 giugno 2024
Inaugurazione sabato 1 giugno h. 16/20

STAR ROSE
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra collettiva “STAR/ROSE” nello spazio di Casa Toesca a Rivarolo Canavese, dal 1 al 30 giugno 2024.
Maggio è dedicato alle rose. Le giornate si allungano, il clima è più caldo, è il momento della rifioritura, per noi che torniamo a passeggiare nei parchi, per l’arte che riaccoglie la spinta ottimistica della “bella stagione” e per le rose che raggiungono il loro massimo splendore in questo periodo dell’anno.
Gli artisti Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll e Giuliano Sale dialogano attraverso la loro poetica sui simbolismi, allegorie, miti e significati che ruotano attorno alla rosa, nella storia dell’arte ma non solo. Sono artisti con origini diverse che hanno declinato questo tema con la sensibilità e background personale di ognuno di essi – quest’ultima è una tematica molto a cuore per CRAG Gallery, che da anni si impegna a instaurare dialoghi tra diversi paesi, dando opportunità ad artisti emergenti e più affermati di confrontarsi.
La rosa, nella sua storia secolare e nell’arte, ha sempre avuto una simbologia complessa poiché racchiude in sé semantiche totalmente contrastanti. È simbolo di amore, perfezione, purezza, passione, vita e morte e assume significati differenti a seconda del contesto, del colore e delle spine.
La rosa rossa la vediamo nascere dal sangue e dalle lacrime dell’inconsolabile Afrodite di fronte alla morte dell’amato Adone. Mito in cui la rosa assume il significato dell’amore passionale, sofferto, tanto potente da vincere la morte. La troviamo in molte fiabe come simbolo della stessa vita umana, quella terrena che dallo splendore arriva al decadimento, e quella successiva in cui è portatrice di nuova vita e resurrezione come nuova opportunità per amare. Nella fiaba de La Bella e La Bestia – che non a caso nasce dal racconto di Amore e Psiche – la rosa sembra svolgere il ruolo di un orologio vitale che sta per scadere e che, di nuovo, può sfidare la morte e la maledizione solo con la forza del vero amore.
Da sempre accompagna il gesto d’amore del dono: si porge una rosa per donare il proprio amore. Tuttavia, in passato, è stata anche simbolo di segretezza, quando, sotto forma di sigillo, veniva inserita in dettagli di chiese, confessionali, congregazioni; la locuzione latina sub–rosa significava appunto una confidenza fatta in assoluta segretezza. Nella tradizione e nelle icone cristiane è spesso allegoria di paradiso, purezza, di un grembo fertile ma puro, della stessa Vergine Maria, ma al tempo stesso la ritroviamo come corona dei martiri, portatrice di dolore e simbolo dei sacrifici fatti in nome della fede. Per i marinai, invece, è la guida verso nuove mete, l’avventura, la scoperta – che a sua volta è il movimento verso la conoscenza, il viaggio di Colombo, l’età moderna – ma anche la bussola che li riaccompagna verso il porto sicuro di casa. La ritroviamo, dunque, in tutta la storia dell’arte, la letteratura, la poesia, in questo eterno discorso emozionale che lega arte e vita, arte e amore, il godimento emotivo dell’atto artistico che fa bene, a volta male, al cuore. Continua ad essere portatrice di questi valori anche nell’arte contemporanea.
Pensiamo alla famosa performance di Gina Pane in cui, usando il suo corpo come catalizzatore delle esperienze della vita, assegna alla rosa il compito di infliggere dolore al corpo di donna costretta nel suo stereotipato ruolo di moglie, mamma, casalinga, quindi rimettendo in scena una sorta di martirio personale e al tempo stesso condiviso, o pensiamo alla forza dirompente del fiore usato come arma per distruggere i vetri delle macchine, e simbolicamente come arma femminista, in Ever is over all dell’artista Pipilotti Rist.
E’ infine, con un semplice pensiero tratto da Il Piccolo Principe sull’importanza di questo fiore “È il tempo che hai perduto per la tua rosa che ha fatto la tua rosa così importante” – di Antoine de Saint-Exupéry, che lasciamo alle opere in mostra il compito di toccare le corde sensibili.

La mostra è realizzata con la partnership di “Palazzo Rosa – Le stanze della Cosmetica”.

Orari di mostra:
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

STAR ROSE
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the collective exhibition “STAR/ROSE” in the Casa Toesca space in Rivarolo Canavese, from 1 to 30 June 2024.
May is dedicated to roses. The days are getting longer, the climate is warmer, it’s time for flowering again, for us who go back to walking in the parks, for the art that welcomes back the optimistic push of the “good season” and for the roses that reach their maximum splendor this time of year.
The artists Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll and Giuliano Sale dialogue through their poetics on the symbolisms, allegories, myths and meanings that revolve around the rose, in the history of art but not only. They are artists with different origins who have expressed this theme with the sensitivity and personal background of each of them – the latter is a topic very close to the heart of CRAG Gallery, which for years has been committed to establishing dialogues between different countries, giving opportunities to artists emerging and more established to compete.
The rose, in its centuries-old history and in art, has always had a complex symbolism as it embodies totally contrasting semantics. It is a symbol of love, perfection, purity, passion, life and death and takes on different meanings depending on the context, color and thorns.
We see the red rose born from the blood and tears of the inconsolable Aphrodite faced with the death of her beloved Adonis. Myth in which the rose takes on the meaning of passionate, suffered love, so powerful as to conquer death. We find it in many fairy tales as a symbol of human life itself, the earthly one that goes from splendor to decay, and the subsequent one in which it is the bearer of new life and resurrection as a new opportunity to love. In the fairy tale of Beauty and the Beast – which not surprisingly originates from the story of Cupid and Psyche – the rose seems to play the role of a vital clock that is about to expire and which, again, can challenge death and the curse only with the strength of true love.
It has always accompanied the loving gesture of giving: you offer a rose to give your love. However, in the past, it was also a symbol of secrecy, when, in the form of a seal, it was inserted into details of churches, confessionals, congregations; the Latin phrase sub-rosa meant a confidence made in absolute secrecy. In Christian tradition and icons it is often an allegory of paradise, purity, of a fertile but pure womb, of the Virgin Mary herself, but at the same time we find her as the crown of the martyrs, bearer of pain and symbol of the sacrifices made in the name of faith. For sailors, however, it is the guide towards new destinations, adventure, discovery – which in turn is the movement towards knowledge, Columbus’ voyage, the modern age – but also the compass that accompanies them back towards the safe haven of home. We find it, therefore, throughout the history of art, literature, poetry, in this eternal emotional discourse that links art and life, art and love, the emotional enjoyment of the artistic act that is good, sometimes bad, for Heart. She continues to be the bearer of these values ​​also in contemporary art.
Let us think of Gina Pane’s famous performance in which, using her body as a catalyst for life’s experiences, she assigns the rose the task of inflicting pain on the body of a woman forced into her stereotyped role as wife, mother, housewife, therefore re-enacting a a sort of personal and at the same time shared martyrdom, or we think of the explosive force of the flower used as a weapon to destroy car windows, and symbolically as a feminist weapon, in Ever is over all by the artist Pipilotti Rist.
It is finally, with a simple thought taken from The Little Prince on the importance of this flower “It is the time you have lost for your rose that has made your rose so important” – by Antoine de Saint-Exupéry, that we leave to works on display have the task of touching sensitive chords.
The exhibition is organized with the partnership of “Palazzo Rosa – Le Stanze della Cosmetica”.
Exhibition times:
Saturday and Sunday all day by appointment
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KALEIDO_SKOPIO - Alessandro FABBRIS & ROGER COLL
2024-05-07 08:00 - 2024-06-14 17:00 (Europe/Rome)
MOSTRA PROROGATA AL 14 GIUGNO

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
9 maggio – 14 giugno 2024
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra “Kaleido_Skopio”, bipersonale degli artisti Alessandro Fabbris (Torino, 1977) e Roger Coll (Vic, 1979) in occasione del mese della fotografia torinese.
La Galleria accoglie da una parte le fotografie del torinese Fabbris, con la presentazione di due nuovi cicli di opere realizzati dal 2023 ad oggi e anticipati alla fiera The Phair – 2024, in dialogo con le delicate sculture dello spagnolo Roger Coll.
La mostra Kaleido_Skopio risulta infatti essere una multiforme e multicolore intesa tra le opere in esposizione che, come ci suggerisce il titolo stesso, unisce bellezza, forma e osservazione in continuo cambiamento, favorendo l’immaginazione dell’osservatore.
In mostra si alternano le fotografie della serie Superfici, composta da fotografie di superfici colorate sulle quali vengono proiettate luci con temperatura e colore diversa ed ove l’oggetto viene fotografato più volte sullo stesso fotogramma digitale, utilizzando tempi lunghi di esposizione e movimenti ortogonali, quasi a simulare una scansione (che richiama i precedenti lavori dell’artista.) In altre opere delle serie quali light #01,light #02, light #03 il soggetto catturato è la luce stessa proiettata direttamente sulla superficie dello scanner piano tramite mascherature e riflessi. Ne derivano opere che risultano stare al limite tra il fotografico ed il pittorico.In ultimo troviamo la nuova serie Riempimento generativo che parte dalla elaborazione digitale di foto di still Life e l’uso dell’I.A. Estrapolando dallo scatto originale alcuni riflessi di luce sulla superficie dell’acqua o sulle ombre proiettate sul piano d’appoggio è stato chiesto al software di elaborazione dell’immagine di generare un riempimento delle parti mancanti basandosi sulla I.A. La costituzione dell’opera come trittico è la risultante delle tre opzioni generative che la I.A. ha fornito.
Tra le immagini fotografiche troviamo a cadenza le opere dello scultore spagnolo Roger Coll, già presentato al pubblico torinese nella sua mostra personale dello scorso anno. Nuove sculture in ceramica, in continuità con la precedente ricerca, dialogano con le fotografie, emergendo in tutta la loro delicata forma, risultato di una sapiente tecnica nella realizzazione. Roger Coll con le sue sculture dà vita a una narrazione di forme e colori che dialogano con lo spazio e con le immagini fotografiche e conferiscono una fluidità percettibile di energia e suggestione.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
9 May – 14 June 2024
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the exhibition “Kaleido_Skopio”, a bi personale exhibition by artists Alessandro Fabbris (Turin, 1977) and Roger Coll (Vic, 1979) on the occasion of Turin photography month.
The Gallery welcomes on one hand the photographs of the Turin-based Fabbris, with the presentation of two new cycles of works created from 2023 to today and anticipated at The Phair – 2024 fair, in dialogue with the delicate sculptures of the Spanish Roger Coll.
The Kaleido_Skopio exhibition is in fact a multifaceted and multicolored understanding of the works on display which, as the title itself suggests, combines beauty, form and constantly changing observation, encouraging the imagination of the observer.
The exhibition alternates with photographs from the Superfici series, composed of photographs of colored surfaces on which lights with different temperatures and colors are projected and where the object is photographed several times on the same digital frame, using long exposure times and orthogonal movements, almost to simulate a scan (which recalls the artist’s previous works.) In other works from the series such as light #01, light #02, light #03 the captured subject is the light itself projected directly onto the surface of the flatbed scanner through masking and reflections . The result is works that appear to be on the border between the photographic and the pictorial. Lastly we find the new series Generative Filling which starts from the digital processing of still life photos and the use of AI. By extrapolating from the original shot some light reflections on the surface of the water or on the shadows projected on the support surface, the image processing software was asked to generate a filling of the missing parts based on the AI. The constitution of the work as a triptych is the result of the three generative options that the I.A. It has provided.
Among the photographic images we periodically find the works of the Spanish sculptor Roger Coll, already presented to the Turin public in his personal exhibition last year. New ceramic sculptures, in continuity with previous research, dialogue with the photographs, emerging in all their delicate form, the result of a skilful technique in their creation. Roger Coll with his sculptures gives life to a narrative of shapes and colors that dialogue with space and photographic images and confer a perceptible fluidity of energy and suggestion.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

THE PHAIR 2024
2024-05-01 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)

Jiri Hauschka - Postcard from Infinity
2024-03-14 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
POSTCARD FROM INFINITY
Mostra personale di Jiri Hauschka
Testo di Martin Dostal
14 marzo – 20 aprile 2024
Inaugurazione giovedì 14 marzo h. 17/21
L’artista sarà presente
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra personale “Postcard from Infinity” dell’artista Jiri Hauschka (Rep.Ceca, 1965) in occasione della quale verrà presentato un nuovo ciclo pittorico dal 14 marzo al 20 aprile nella sede di via Parma 66D.
Il percorso artistico di Hauschka vede negli anni un costante sguardo rivolto ai grandi pittori della contemporaneità, come Peter Doig e Daniel Richter, ai quali si ispira con la propria narrazione pittorica e sensibilità collegando la tradizione della pittura ceca, dell’espressionismo dell’Europa Centrale profondamente radicata nei dipinti della Germania, Austria e Repubblica Ceca già all’inizio del 20° secolo, con il contesto artistico internazionale. Il suo stile è stato profondamente influenzato dall’esperienza londinese degli anni 2005-6 dalla quale è derivata la sua appartenenza al movimento Stuckist e nel 2020 l’editore Thames and Hudson nella pubblicazione World of art series – Movements in Art since 1945, ha inserito Hauschka come artista rappresentativo della scena dell’arte internazionale.
La sua ricerca è caratterizzata dalla presenza costante di una natura selvaggia delle foreste del centro Europa e in particolare della Moravia. La rappresentazione che ne scaturisce, attraverso l’uso del colore, è tesa al limite tra la pittura astratta e figurativa. Ciò che lo circonda viene rappresentato in forme astratte pulsanti con una carica interna intensa e la sua pittura così intrisa di energia esprime in modo tangibile gli stati d’animo lontani e intoccabili delle figure.
In questa mostra, Hauschka ha esplorato nuovi paesaggi, a seguito di una residenza invernale nel sud della Francia, luogo d’ispirazione dei grandi maestri. L’artista è entrato in contatto con inaspettati e incessanti nuovi colori, profumi, luoghi, persone e incontri. Ciò che caratterizza i suoi dipinti resta: i colori simbolici, la forma fluida delle figure, i contorni chiari e il senso della composizione.
Come scrive Martin Dostal, autore del testo di accompagnamento della mostra, “Ogni pittore si entusiasma per qualcosa di diverso, qualcosa di proprio. Jiri Hauschka era affascinato dalle rocce rosso-arancio, che crollano nell’oscurità del mare azzurro, quando la luce è intangibile, strana, neutra, indeterminata. Ogni pittore è alla ricerca di qualcosa di proprio, soprattutto la luce. Nessuno è irreprensibile e siamo tutti innocenti. Basta aprirsi alle situazioni, per quanto inaspettate, strane, bizzarre, inusuali; situazioni in cui le scene diventano storie, storie possibili che non si possono raccontare, si possono solo dipingere. I dipinti di Jiri Hauschka sono una raccolta di sentori di storie possibili nell’infinito del sole, dei colori e della terra a cui nessuno, quasi nessuno, può resistere. L’artista ha dipinto una presenza vissuta e viva, una mescolanza meravigliosamente inquieta di sentimenti e suggestioni, quando già era catturato e intrappolato dalla pittura nel suo infinito ritorno, che si apre all’infinito della pittura“.
La Galleria è entusiasta di inaugurare questa mostra, credendo fortemente nella autenticità della ricerca di Jiri Hauschka, che è in grado di unire nelle sue tele la propria forte sensibilità verso l’esistenza, verso ciò che circonda l’essere umano, e la capacità di trasmettere questa sua visione “alta” allo spettatore, con una resa potente e genuina al tempo stesso.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

POSTCARD FROM INFINITY
Solo show by Jiri Hauschka
Text by Martin Dostal
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
14 March – 20 April 2024
Opening Thursday 14 March h. 17/21
The artist will be present
CRAG Gallery is pleased to open the solo show “Postcard from Infinity” by the artist Jiri Hauschka (Czech Republic, 1965) on the occasion of which a new pictorial cycle will be presented from 14 March to 20 April.
Over the years, Hauschka’s artistic career has seen a constant look towards the great contemporary painters, such as Peter Doig and Daniel Richter, from whom he draws inspiration with his own pictorial narrative and sensitivity, connecting the tradition of Czech painting and Central European expressionism. He was deeply rooted in the paintings of Germany, Austria and the Czech Republic already at the beginning of the 20th century, with the international artistic context. His style was profoundly influenced by the London experience of the years 2005-6 from which his belonging to the Stuckist movement derived and in 2020 the publisher Thames and Hudson in the publication World of art series – Movements in Art since 1945, included Hauschka as a representative artist of the international art scene.
His research is characterized by the constant presence of the wild nature of the forests of central Europe and in particular of Moravia. The resulting representation, through the use of color, is aimed at the limit between abstract and figurative painting. What surrounds him is represented in pulsating abstract forms with an intense internal charge and his painting, so imbued with energy, tangibly expresses the distant and untouchable moods of the figures.
In this exhibition, Hauschka explored new landscapes, following a winter residency in the south of France, a place of inspiration for the great masters. The artist came into contact with unexpected and incessant new colours, scents, places, people and encounters. What characterizes his paintings remains: the symbolic colors, the fluid shape of the figures, the clear contours and the sense of composition.
As Martin Dostal, author of the text accompanying the exhibition, writes, “Every painter gets excited about something different, something of his own. Jiri Hauschka was fascinated by the red-orange rocks, which collapse into the darkness of the blue sea, when the light is intangible, strange, neutral, indeterminate. Every painter is looking for something of his own, especially light. No one is blameless and we are all innocent. Just open yourself up to situations, however unexpected, strange, bizarre, unusual; situations in which scenes become stories, possible stories that cannot be told, they can only be painted. Jiri Hauschka’s paintings are a collection of hints of possible stories in the infinity of the sun, colors and earth that no one, almost no one, can resist. The artist painted a lived and living presence, a wonderfully restless mixture of feelings and suggestions, when he was already captured and trapped by painting in his infinite return, which opens up to the infinity of painting.”
The Gallery is enthusiastic to inaugurate this exhibition, strongly believing in the authenticity of Jiri Hauschka’s research, who is able to combine in his canvases his strong sensitivity towards existence, towards what surrounds the human being, and the ability to transmit this “high” vision of his to the spectator, with a powerful and genuine rendering at the same time.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

DIALOGUES
2024-02-24 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
Crag Gallery, via Parma 66/D, Torino 29 febbraio – 8 marzo 2024
Dialogues – Una mostra collettiva della community IAAD. a cura di Lucrezia Nardi

“Dialogues” è la prima mostra collettiva degli artisti provenienti dalla community IAAD. selezionati attraverso un processo di open call all’interno dell’Istituto, organizzata da IAAD. – Istituto d’Arte Applicata e Design, in collaborazione con CRAG – Chiono Reisova Art Gallery e curata da Lucrezia Nardi.
Ogni anno, IAAD. sceglie un valore specifico come catalizzatore per opere e progetti artistici. Quest’anno, la tematica proposta è il dialogo, diventando così una esplorazione condivisa da parte degli artisti emergenti che hanno lavorato nell’interstizio tra arte e design, proponendo una lettura personale e innovativa della tematica attraverso installazioni, video e progetti fotografici. Partendo dal loro background come designer, gli artisti escono dal contesto tradizionale per immergersi in quello dell’arte contemporanea.
Gli artisti selezionati sono: Chiara Vivalda (2002), che presenta la video proiezione “Connessioni – Small Talks”, un dialogo intimo con una grammatica visiva di tagli e sovrapposizioni, campi lunghi e immagini quotidiane che evocano la poesia delle chiacchiere estemporanee tra amiche. Claudia Nobile (2002) propone un progetto installativo dialettico ed ironico chiamato “Pensavo Tipo”, una descrizione leggera ma attenta dei dubbi di un certo stadio dell’esistenza, quello dei momenti di passaggio. Alessandro Gioia (2000), che ha tradotto il tema del dialogo in un’esplorazione sulla censura e la società dell’immagine con “Censored”, dove i pixel della censura nascondono la facile reperibilità delle stesse immagini nel nostro tempo digitale. Nicolò Ricci (2001), espone tre scatti del progetto “Breccia”, ingranditi e stressati attraverso un processo di stampa scultorea per enfatizzare il dialogo estetico tra le costruzioni architettoniche e il naturale costituito dal cielo. A seguito delle valutazioni della giuria e dell’alta qualità dei progetti, CRAG Gallery ha voluto attribuire due menzioni speciali ai seguenti artisti: Marta Maiolo (2001) con

il progetto di mixed media – collage e fotografia – “I stand perfectly still to avoid detection”, un lavoro sul tema dell’io e dell’altro, esplorando l’ipotesi di un dialogo che è, di fatto, un incontro. Giovanni Migliorucci (2002), con la video installazione interattiva “Stage”, che unisce la tecnologia del touch design a una restituzione tramite un tubo catodico, mostrando un ecosistema che si modifica attraverso l’interazione esterna.
Il processo di selezione dei 6 artisti è stato supportato e condiviso dai membri della giuria di valutazione composta da Alessandro Colombo, direttore generale AD Education Italia; Marco Rainò, direttore artistico e direttore strategico Dipartimento Interior Design IAAD.; Elisabetta Chiono e Karin Reisova, direttrici di Crag Gallery.

Chiara Vivalda – video frame
immagine in copertina Nicolo’ Ricci

Dialogues – A collective exhibition of the IAAD community. edited by Lucrezia Nardi
“Dialogues” is the first collective exhibition of artists from the IAAD community. selected through an open call process within the Institute, organized by IAAD. – Institute of Applied Art and Design, in collaboration with CRAG – Chiono Reisova Art Gallery and curated by Lucrezia Nardi.
Every year, IAAD. chooses a specific value as a catalyst for artistic works and projects. This year, the proposed theme is dialogue, thus becoming a shared exploration by emerging artists who have worked in the interstice between art and design, proposing a personal and innovative reading of the theme through installations, videos and photographic projects. Starting from their background as designers, the artists leave the traditional context to immerse themselves in that of contemporary art.
The selected artists are: Chiara Vivalda (2002), who presents the video projection “Connessioni – Small Talks”, an intimate dialogue with a visual grammar of cuts and superpositions, long shots and everyday images that evoke the poetry of impromptu chats between friends. Claudia Nobile (2002) proposes a dialectical and ironic installation project called ” Penso Tipo “, a light but careful description of the doubts of a certain stage of existence, that of moments of transition. Alessandro Gioia (2000), who translated the theme of dialogue into an exploration of censorship and the society of images with “Censored”, where the pixels of censorship hide the easy availability of the same images in our digital time. Nicolò Ricci (2001), exhibits three shots of the “Breccia” project, enlarged and stressed through a sculptural printing process to emphasize the aesthetic dialogue between the architectural constructions and the natural world constituted by the sky. Following the jury’s evaluations and the high quality of the projects, CRAG Gallery wanted to award two special mentions to the following artists: Marta Maiolo (2001) with
the mixed media project – collage and photography – “I stand perfectly still to avoid detection”, a work on the theme of the self and the other, exploring the hypothesis of a dialogue which is, in fact, an encounter. Giovanni Migliorucci (2002), with the interactive video installation “Stage”, which combines touch design technology with restitution via a cathode ray tube, showing an ecosystem that changes through external interaction.
The selection process of the 6 artists was supported and shared by the members of the evaluation jury composed of Alessandro Colombo, general director of AD Education Italia; Marco Rainò, artistic director and strategic director of the IAAD Interior Design Department; Elisabetta Chiono and Karin Reisova, directors of Crag Gallery.

Autocensura - Artist Residencies Show 23
2023-10-26 08:00 - 2023-12-02 17:00 (Europe/Rome)
Autocensura
Residenze d’artista 2023 – Mostra conclusiva
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 ottobre – 2 dicembre 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TORINO
Mostra aperta ogni giorno su appuntamento
Dopo le residenze di luglio ed agosto, in occasione delle quali Crag si è trasformata in atelier, la galleria è ora lieta di presentare al pubblico dal 27 ottobre al 2 dicembre, ed in particolare in occasione dell’Art week torinese, le opere realizzate dagli artisti Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova e Giacomo Modolo.
Gli artisti sono stati invitati a riflettere sul tema dell’AUTOCENSURA, a partire dal dialogo con Alessandro Chetta, giornalista, poliedrico creativo e autore del libro “Non sia mai detto! Discorso sull’autocensura (arte, politica, maternità)” edito da Aras Edizioni.
La Galleria ha posto l’urgenza della riflessione sul tema e gli artisti si sono espressi attraverso la pittura, il cucito, l’installazione, confrontandosi tra di loro ed interagendo e contaminandosi. Ognuno ha approfondito la tematica dell’autocensura in relazione al proprio lavoro, alla propria identità ed alla percezione personale del ruolo dell’artista nel sistema dell’arte.
“Le residenze d’artista sono un’occasione importante per gli artisti: da una parte ci sono motivazioni pratiche come la possibilità per artisti molto giovani come Elisabetta Mariuzzo e Lucia Kralikova di confrontarsi con altri artisti emergenti, Giacomo Modolo e Oscar Rojas Contreras, ma con quasi dieci anni di esperienza in più, e dall’altra attraverso la residenza è possibile anche uno scambio culturale tra nazionalità diverse.”
Alessandro Chetta “Dalla cancel culture, il movimento di opinione che vorrebbe rimodulare temi classici, la cultura della cancellazione per rispondere a nuovi dettami morali, si passa all’auto cancel culture. Con questo termine si indica il comportamento di chi viene convinto dagli influencer, per esempio, a fare o a dire qualcosa che non si vuole realmente fare o dire. In una dimensione di convivenza civile l’auto censura è una forma di buon senso, ma quando colpisce la creazione artistica non è accettabile. Nel Novecento e nei secoli precedenti colui che veniva definito eretico andava contro lo Stato o la religione: un esempio può essere Pierpaolo Pasolini. Mentre nel passato, quindi, qualsiasi cosa poteva creare scandalo, ai giorni nostri il nemico é impalpabile. Ora il laicismo ha molta presa sul mondo rispetto alla religione, sui social si dibatte di temi sociali, quali il razzismo o la questione LGBT, e ciò fa sì che l’autocensura sia ovunque e ovunque si può fare del male a qualcuno. Per quanto riguarda la figura dell’artista, egli, autocensurandosi, momentaneamente può ottenere successo, ma in seguito non avrà la possibilità di eternarsi.”
La Galleria anch’essa prende posizione e non si autocensura ma decide di sostenere artisti giovani e giovanissimi, in un complesso e costante lavoro di incoraggiamento e formazione.
Il lavoro di Lucia Kralikova (Rep.Ceca, 1998) è influenzato dalla esperienza pregressa della famiglia essendo cresciuta con i genitori che hanno sofferto la censura assoluta e l’impossibilità di esprimersi liberamente durante il regime del comunismo: Lucia vuole al contrario ritenersi libera da qualsiasi forma di limitazione. Attraverso il cucito e la pittura esprime la sua libertà, toccando in particolare il tema della nudità e della sessualità.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) si autocensura dipingendo in particolare sopra ad opere realizzate negli anni passati e che non gli appartengono più: affronta il tema dei disagi legati alla autocensura sia con riferimento all’individualità ma anche rispetto al rapporto con la collettività, alla educazione ed alla reale conoscenza nella trattazione di determinate tematiche. Giacomo costantemente riporta immagini ambigue e non dichiarate, come fosse un osservatore del mondo.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) ha realizzato opere secondo una nuova chiave stilistica, fortemente personali e legate alla figura umana. L’artista seppur giovane, è dotata di un forte senso critico, legato al proprio lavoro ed al sistema dell’arte, e riflettendo sul rapporto artista e pubblico, parla di un “senso etico che andrebbe condiviso” portando avanti una ricerca sentita, senza aderire ad una tendenza per essere accettati.
In ultimo Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) da sempre porta avanti una sua personale ricerca nella quale le immagini della spiritualità messicana e dell’arte antica dei grandi maestri si mescolano dando vita ad una sua nuova visione, fuori dagli schemi, molto personale, ancor prima delle mode.

La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento.
3-4-5 novembre ore 10/12 Colazioni con l’arte TAG COFFEE BREAKFAST organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in collaborazione con Lavazza

Sabato 4 novembre ore 18/23 Notte Bianca delle Arti Contemporanee organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in Fondazione CRT per l’Arte

Sabato 11 novembre ore 10 colazione in galleria e talk con il giornalista Alessandro Chetta

Autocensura
Artist residencies 2023 – Final show
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 October – 2 December 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TURIN
Exhibition open every day by appointment
After the residencies in July and August, during which Crag was transformed into an atelier, the gallery is now pleased to present to the public from 27 October to 2 December, and in particular on the occasion of the Turin Art Week, the works created by artists Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova and Giacomo Modolo.
The artists were invited to reflect on the theme of SELF-CENSORSHIP, starting from the dialogue with Alessandro Chetta, journalist, creative polymath and author of the book “Never say it! Discourse on self-censorship (art, politics, motherhood)” published by Aras Edizioni.
The Gallery placed the urgency of reflection on the theme and the artists expressed themselves through painting, sewing, installation, comparing themselves with each other and interacting and contaminating each other. Everyone explored the topic of self-censorship in relation to their work, their identity and their personal perception of the artist’s role in the art system.
“Artist residencies are an important opportunity for artists: on the one hand there are practical reasons such as the possibility for very young artists such as Elisabetta Mariuzzo and Lucia Kralikova to compare themselves with other emerging artists, Giacomo Modolo and Oscar Rojas Contreras, but with almost ten more years of experience, and on the other hand, through residency, a cultural exchange between different nationalities is also possible.”
Alessandro Chetta “From cancel culture, the movement of opinion that would like to reshape classic themes, the culture of cancellation to respond to new moral dictates, we move on to auto cancel culture. This term indicates the behavior of those who are convinced by influencers, for example, to do or say something that they don’t really want to do or say. In a dimension of civil coexistence, self-censorship is a form of common sense, but when it affects artistic creation it is not acceptable. In the twentieth century and in previous centuries, anyone who was defined as a heretic went against the State or religion: an example would be Pierpaolo Pasolini. While in the past, therefore, anything could create scandal, nowadays the enemy is impalpable. Now secularism has a greater grip on the world than religion, social issues are debated on social media, such as racism or the LGBT issue, and this means that self-censorship is everywhere and wherever someone can be harmed. As regards the figure of the artist, he, by self-censoring, can temporarily obtain success, but subsequently will not have the possibility of eternalizing himself.”
The Gallery also takes a position and does not censor itself but decides to support young and very young artists, in a complex and constant work of encouragement and training.
The work of Lucia Kralikova (Czech Republic, 1998) is influenced by the family’s previous experience having grown up with parents who suffered absolute censorship and the impossibility of expressing themselves freely during the communist regime: Lucia, on the contrary, wants to consider herself free from any form of limitation. Through sewing and painting she expresses her freedom, touching in particular on the theme of nudity and sexuality.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) censors himself by painting in particular over works created in past years and which no longer belong to him: he addresses the theme of the inconveniences linked to self-censorship both with reference to individuality but also with respect to the relationship with the community, to education and real knowledge in the treatment of certain topics. Giacomo constantly reports ambiguous and unstated images, as if he were an observer of the world.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) has created works according to a new stylistic key, highly personal and linked to the human figure. The artist, although young, is endowed with a strong critical sense, linked to her work and the art system, and reflecting on the relationship between artist and public, she speaks of an “ethical sense that should be shared” by carrying out heartfelt research, without join a trend to be accepted.
Lastly, Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) has always carried out his personal research in which the images of Mexican spirituality and the ancient art of the great masters mix, giving life to his new vision, outside the box, very personal , even before fashions.
– The exhibition will be open every day by appointment.
– 3-4-5 November 10/12 am Breakfasts with art TAG COFFEE BREAKFAST organized by
TAG – Torino Art Galleries in collaboration with Lavazza
– Saturday 4 November 6pm/11pm White Night of Contemporary Arts organized by
TAG – Torino Art Galleries in the CRT Foundation for Art
– Saturday 11 November at 10am breakfast in the gallery and talk with the journalist Alessandro Chetta

ART VERONA 2023
2023-10-12 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG GALLERY is pleased to partecipate at ARTVERONA 2023 with the artist Luca Coser, Roger Coll and Giacomo Modolo.
You’ll find us at Pavillion 12 – Stand L4.

CHEN LI - RESPIRO
2023-09-13 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
RESPIRO
Mostra personale di Chen Li

14 settembre – 20 ottobre 2023
Inaugurazione 14 settembre ore 18/23
In occasione di Ouverture – TAG Torino Art Galleries

RESPIRO è il titolo della mostra personale della giovane pittrice Chen Li (Pechino, 1988) che CRAG Gallery presenterà dal 14 settembre al 20 ottobre 2023 nella sede di via Parma 66D, in continuità con il programma di promozione di giovani artisti.
In mostra un nuovo ciclo di opere e a far da protagonisti saranno una selezione di dittici, realizzati in un lungo periodo di ricerca e di isolamento. E’ il risultato di un percorso, di un’intensa introspezione in un momento fondamentale della sua vita e della crescita come artista.
All’interno di sé Chen Li ha ricercato la chiave per realizzare le opere e, di riflesso, nei propri lavori ha ritrovato se stessa. Non è una circostanza scontata, ma risultato di uno sforzo che si divincola tra concentrazione, entusiasmo, sfida, sperimentazione, sofferenza e rinascita.
Chen ha iniziato un nuovo respiro in cui energia e positività sfociano in opere con un focus sul rapporto con la natura, un ritorno alla vita che è al tempo stesso speranza e promessa. La dimensione più paesaggistica e figurativa della rappresentazione dipende essenzialmente dalla necessità dell’artista di riconnettere la sua interiorità a ciò che la circonda, mentre quella più astratta è legata al suo mondo interiore.
Si compenetrano elementi antropomorfi, vegetali e floreali, tipici della cifra stilistica dell’artista. Ogni dettaglio della composizione corrisponde ad un elemento che l’artista ha fotografato, visto realmente o immaginato, in una rielaborazione che non lascia spazio alla casualità, nonostante l’apparente atmosfera fluttuante e misteriosa.
Dipingere diventa quindi oscillare continuamente in direzione di questi due poli, alla ricerca di un equilibrio, di una dicotomia necessaria.
In una costante sollecitazione da parte del mondo esterno, in particolare attraverso i social, il lavoro di Chen Li ed il suo rigore rappresentano invece la ricerca dell’arcano, quell’entrare viscerale senza distrazione per fluttuare tra spazi decontestualizzati.
La molteplicità di circostanze diventa avvolgente anche per l’osservatore, che gradualmente unisce il ritmo del proprio respiro a quello delle rappresentazioni di Chen Li, entrando così in sintonia con l’artista.

link alle opere https://cragallery.com/artists/chen-li/

BREATH
Chen Li’s solo exhibition
(Beijing, 1988)
14 September – 20 October 2023
Inauguration 14 September at 6pm/11pm
On the occasion of Overture – TAG Torino Art Galleries
CRAG GALLERY
VIA PARMA 66D – TURIN
RESPIRO is the title of the solo exhibition by the young painter Chen Li (Beijing, 1988) that CRAG Gallery will present from 14 September to 20 October 2023 at its headquarters in via Parma 66D, in continuity with the program of promoting young artists.
A new cycle of works will be on display and the protagonists will be a selection of diptychs, created during a long period of research and isolation. It is the result of a journey, of intense introspection in a fundamental moment of her life and of her growth as an artist.
Chen Li searched within himself for the key to creating her works and, consequently, in her own works she found herself. It is not an obvious circumstance, but the result of an effort that wriggles between concentration, enthusiasm, challenge, experimentation, suffering and rebirth.
Chen has begun a new breath in which energy and positivity flow into works with a focus on the relationship with nature, a return to life that is both hope and promise. The more landscape and figurative dimension of the representation essentially depends on the artist’s need to reconnect her interiority to what surrounds her, while the more abstract one is linked to her inner world.
Anthropomorphic, vegetal and floral elements interpenetrate, typical of the artist’s stylistic signature. Every detail of the composition corresponds to an element that the artist photographed, actually saw or imagined, in a reworking that leaves no room for randomness, despite the apparent fluctuating and mysterious atmosphere.
Painting therefore becomes continually oscillating in the direction of these two poles, in search of a balance, of a necessary dichotomy.
In constant solicitation from the outside world, particularly through social media, Chen Li’s work and her rigor instead represent the search for the arcane, that visceral entry without distraction to float between decontextualized spaces.
The multiplicity of circumstances also becomes enveloping for the observer, who gradually unites the rhythm of his own breathing with that of Chen Li’s representations, thus entering into harmony with the artist.

Roma Arte In Nuvola 2023
2023-07-03 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG is pleased to announce the participation at the Roma Arte in Nuvola Fair from November 23rd to the 26th with a solo show of the artist Roger Coll (https://cragallery.com/artists/roger-coll/)
for more info https://romaarteinnuvola.eu/

Matteo Negri - Interrogare lo spazio per trovare il tempo
2023-05-18 08:00 - 2023-06-30 17:00 (Europe/Rome)
QUERY THE SPACE
to find the time
Solo show of Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
18 May – 30 June 2023
The CRAG Gallery, in the new headquarters in via Parma 66D in Turin, inaugurates the exhibition of the Milanese artist Matteo Negri (1982) from 18 May to 30 June 2023.
QUESTIONING THE SPACE to find time is the title of the solo exhibition which includes a selection of the latest works from the Meanwhile series made on steel and aluminium, works on paper and an unprecedented installation that welcomes the visitor to the gallery. The artist, trained in sculpture at the Brera Academy, has developed over the last ten years a research which, starting from elementary shapes and colors, investigates the changing relationship between matter and the perception that our senses have of it.
The fulcrum of this Turin project are the works of the Meanwhile series: reflective and colored sheets with which the artist makes the visitor an integral part of the work through interaction with it.
The realization of the works is long and complex and involves several phases. It starts from the drawings on paper, on which the artist intervenes with acrylic sprays and chalks: they are the study of plane geometries that overlap and create formal and chromatic balances.
Subsequently, these geometries are reported on aluminum bases and painted with spray backgrounds. It is in this phase that the use of iridescent adhesive films begins, which are chosen according to the gradation and tonality, applied creating different levels of color saturation and mirroring surfaces. At this point the transparent dichroic film is applied, a material capable of changing color based on the angle at which the light arrives from the environment. The last finishing level is the hot painting with glossy transparent epoxy paint, which creates a homogeneous and uniform mirror surface.
The result is unexpected, seductive and unsettling: the colors of the backgrounds vary according to the position from which the visitor observes the works. Thus a dialogue is created between object and observer, in which the latter is dragged into the space dilated by the artist, into his pieces of this world. The titles of these works indicate the time and date in which Negri made a visual note (a photograph taken with his cell phone) of a particular situation in which shapes and lights interacted in a significant way. Skies, mountains, rivers and landscapes in general. The individual works try to evoke the poetry of those moments, proposing them to the viewer months or years later in a different spatial context. Thus the geometries and chromatic variations that take place in the gallery space relate memory and the passage of time.
Finally, in this exhibition, Negri uses the language of flags for the first time. Banners that, instead of representing nations or regions, reproduce the typical geometries of his language. The installation reproduces a sort of entrance to a diplomatic office, where flags of imaginary countries are displayed, of which one can become free citizens thanks to the imagination. Once again the artist invites us to be part of his work.

INTERROGARE LO SPAZIO
per trovare il tempo
Mostra personale di Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Torino
18 maggio – 30 giugno 2023

La Galleria CRAG, nella nuova sede di via Parma 66D a Torino, inaugura la mostra dell’artista milanese Matteo Negri (1982) dal 18 maggio al 30 giugno 2023.
INTERROGARE LO SPAZIO per trovare il tempo è il titolo della personale che comprende una selezione degli ultimi lavori della serie Meanwhile realizzati su acciaio e alluminio, opere su carta ed un’inedita installazione che accoglie il visitatore in galleria. L’artista, formatosi in scultura all’Accademia di Brera, ha sviluppato negli ultimi dieci anni una ricerca che, a partire da forme e colori elementari, indaga il rapporto cangiante tra la materia e la percezione che di essa hanno i nostri sensi.
Fulcro di questo progetto torinese sono le opere della serie Meanwhile: lamiere specchianti e colorate con le quali l’artista rende il visitatore parte integrante dell’opera attraverso l’interazione con essa.
La realizzazione delle opere è lunga e complessa e comporta più fasi. Si parte dai disegni su carta, sui quali l’artista interviene con spray acrilico e gessetti: sono lo studio di geometrie di piani che si sovrappongono e vanno a creare equilibri formali e cromatici.
Successivamente, queste geometrie vengono riportate su basi di alluminio e dipinte con campiture spray. È in questa fase che inizia l’uso di pellicole adesive cangianti, che vengono scelte a seconda della gradazione e della tonalità, applicate creando diversi livelli di saturazione di colore e di superfici specchianti. A questo punto viene applicata la pellicola dicroica trasparente, materiale in grado di mutare colore in base all’angolazione con cui la luce arriva dall’ambiente. Ultimo livello di finitura è la verniciatura a caldo con vernice epossidica trasparente lucida, che crea una superficie specchiante omogenea ed uniforme.
Il risultato è inatteso, seducente e spiazzante: i colori delle campiture variano a seconda della posizione da cui il visitatore osserva le opere. Si va a creare così un dialogo tra oggetto e osservatore, nel quale quest’ultimo viene trascinato dentro lo spazio dilatato dall’artista, nei suoi pezzi di questo mondo. I titoli di queste opere indicano l’ora e la data in cui Negri ha preso un appunto visivo (una fotografia scattata con il cellulare) di una situazione particolare in cui forme e luci interagivano in modo significativo. Cieli, montagne, fiumi e paesaggi in generale. Le singole opere cercano di evocare la poesia di quegli istanti, riproponendoli allo spettatore a distanza di mesi o anni in un contesto spaziale differente. Così le geometrie e le variazioni cromatiche che si attuano nello spazio della galleria mettono in relazione la memoria e lo scorrere del tempo.
In questa mostra, infine, Negri usa per la prima volta il linguaggio delle bandiere. Vessilli che, anziché rappresentare nazioni o regioni, riproducono le geometrie tipiche del suo linguaggio. L’installazione riproduce una sorta di ingresso di una sede diplomatica, dove sono esposte bandiere di paesi di fantasia, dei quali si può diventare liberi cittadini grazie all’immaginazione. Ancora una volta l’artista ci invita a fare parte della sua opera.

ph. Bruno Barbero

Ascolta Piove - Lorenzo Gnata
2023-03-18 11:00 - 2023-04-15 17:00 (Europe/Rome)
ASCOLTA PIOVE
solo show – Lorenzo Gnata
March 18 – April 15, 2023
opening Saturday 18 March at 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin
As part of Novissimi+, the first edition of the To.Be call dedicated to the professional growth of emerging artists, coming from a training course at the Accademia Albertina in Turin, the Ghёddo Association and CRAG – Chiono Reisova Art Gallery present Listen. It’s raining, personal exhibition of Lorenzo Gnata.
The exhibition proposal, curated by the Ghёddo Association and CRAG Gallery is part of a wider program of exhibitions, curated by the Ghёddo Association, which provides for the collaboration between artists and contemporary art spaces in the Turin area. The entire project is carried out with the support and patronage of the Accademia Albertina of Turin and the City of Turin and with the support of the Venesio Foundation.
Listen. It’s raining – the title of which draws inspiration from Gabriele D’Annunzio’s famous poem Rain in the Pine Grove – is a project specially conceived by Lorenzo Gnata for CRAG Gallery. «Those of the “poet poet” are verses full of panic sensations, in which the rain, like an invisible veil, without distinction, covers and envelops everything, making everything a single pulsation of nature» – says the artist.
Thus, conceived as an aesthetic homage to Nature and to the places where human feeling and the plant world interpenetrate, the exhibition narrates, through sculptures and environmental installations, the ineffable delicacy of emotions.
The exhibition will be open every day by appointment
Artist biography
Lorenzo Gnata [1997] born in Biella, lives and works in Turin. In 2022 he obtained a second level diploma in painting at the Accademia Albertina in Turin. His artistic research focuses on the existential themes of contemporary man, showing all his fragility through actions with a strong poetic impact. The artist’s works have been exhibited at: Tate Britain (London), Reggia di Venaria – Giardini (Turin), La Triennale (Milan), Fondazione Treccani (Naples), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venice), Artissima (Turin) and they are part of important public and private collections.
Ghёddo Association biography
Ghëddo is a cultural association active in Turin since 2021 with the aim of organizing cultural projects to enhance and promote young emerging art. The association aims to create a dynamic network between artists, galleries and independent spaces in the area, promoting cooperation experiences in order to build a supportive bond and generate dynamics of human, ethical and artistic exchange. Ghëddo is: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.
Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

ASCOLTA. PIOVE
mostra personale di Lorenzo Gnata
18 marzo – 15 aprile 2023

inaugurazione sabato 18 marzo ore 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Torino
Nell’ambito di Novissimi+, la prima edizione del bando To.Be dedicato alla crescita professionale di artisti emergenti, provenienti da un percorso di formazione presso l’Accademia Albertina di Torino, l’Associazione Ghёddo e CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presentano Ascolta. Piove, mostra personale di Lorenzo Gnata.
La proposta espositiva, curata da Associazione Ghёddo e CRAG Gallery si inserisce in un programma più ampio di mostre, a cura di Associazione Ghёddo, che prevede la collaborazione tra artisti e spazi d’arte contemporanea del territorio torinese. L’intero progetto è realizzato con il supporto e il patrocinio dell’Accademia Albertina di Torino e della Città di Torino e con il sostegno della Fondazione Venesio.
Ascolta. Piove – il cui titolo trae ispirazione dalla celebre poesia di Gabriele D’annunzio La pioggia nel pineto – è un progetto appositamente ideato da Lorenzo Gnata per CRAG Gallery. «Quelli del “poeta vate” sono versi carichi di sensazioni paniche, nei quali la pioggia, come un velo invisibile, senza distinzioni, copre e avvolge ogni cosa, rendendo il tutto un’unica pulsazione della natura» – afferma l’artista.
Così, concepita come un omaggio estetico alla Natura e ai luoghi di compenetrazione tra sentimento umano e mondo vegetale, la mostra racconta, attraverso sculture e installazioni ambientali, l’ineffabile delicatezza delle emozioni.
La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento

Biografia artista
Lorenzo Gnata [1997] nato a Biella, vive e lavora a Torino. Nel 2022 consegue il diploma di secondo livello in pittura presso l’Accademia Albertina di Torino. La sua ricerca artistica si concentra attorno ai temi esistenziali dell’uomo contemporaneo, mostrandone, attraverso azioni dal forte impatto poetico, tutte le fragilità. Le opere dell’artista sono state esposte presso: Tate Britain (Londra), Reggia di Venaria – Giardini (Torino), La Triennale (Milano), Fondazione Treccani (Napoli), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venezia), Artissima (Torino) e fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private.

Biografia Associazione Ghёddo
Ghëddo è un’associazione culturale attiva a Torino dal 2021 con l’obiettivo di organizzare progetti culturali per valorizzare e promuovere la giovane arte emergente. L’associazione mira a creare una rete dinamica tra artistə, gallerie e spazi indipendenti del territorio, favorendo esperienze di cooperazione al fine di costruire un legame solidale e generare dinamiche di scambio umano, etico, artistico. Ghëddo è: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.

Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

Le beatitudini - Laura Omacini
2023-03-02 08:00 - 2023-04-01 17:00 (Europe/Rome)
LE BEATITUDINI
Solo show of Laura Omacini
March 2 – April 1, 2023
Crag Gallery is pleased to present “Le beatitudes”, a solo exhibition by the artist Laura Omacini (Venice, 1991) in the new gallery location in via Parma 66D, from 2 March to 1 April 2023.
Le beatitudes is the title that brings together the latest series of works by Laura Omacini, presented for the first time in the Project Room of the Ca’ Pesaro Museum in Venice on the occasion of the eighteenth edition of the Contemporary Art Day, and collected on this occasion at the new headquarters of the CRAG gallery in Turin, already promoter of the lagoon exhibition in collaboration with AMACI and ArtVerona.
The new series of works develops around a theme deeply linked to the city of Venice, but which opens up to a reflection that can be extended to the panorama of all historic cities, focused on the relationship between living and preserving, between public and private space, between sacred places and profane, embracing a material that touches existential and identity issues.
The subject of the series are in fact the scaffolding that climbs around the buildings being restored: constructions of an impermanent nature, but which take the form of constant elements of the urban landscape, especially where a large number of ancient buildings are concentrated.
The entire corpus of works is developed through a complex technique, obtained through a slow overlapping of transparent glazes spread over collages formed by fragments of photos taken from newspapers. The result is compositions characterized by a continuous interference between the different planes of representation, where the structures of innocent pipes frame the images of an elusive present, while the gaze pursues the rising of the large protective sheets, which seem to mend and contain the split between material on which they themselves rely.
The series fits perfectly within the path of the artist, whose work is characterized by diaphanous and rarefied atmospheres, in which the description of border places and environments without stable references identifies a symbolic space in which to simulate the encounter between landscape interior and circumstantial reality, generating images that are both dreamlike and realistic.
LAURA OMACINI
Laura Omacini was born in Venice in 1991, she studied at the Academy of Fine Arts in Venice and at the École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne in Rennes. In 2018 she was the winner of the Contemporary Art Prize organized by the Rotary Clubs of Bonn, Novara and Strasbourg. Between 2019 and 2020 you obtained the assignment of an atelier at the Bevilacqua La Masa Foundation Institution in Venice. In 2020 she presented her first solo exhibition at the CRAG gallery in Turin and in 2021 she took part in the artist residency program at the MEVE (Veneto memorial of the Great War of Montebelluna). As a result of winning the Level 0 award, achieved together with the CRAG gallery in Turin at the 16th edition of ArtVerona, in 2022 she presented her solo exhibition Le beatitudes in the Ca ‘Pesaro Museum in Venice.
link to the artworks / link alle opere https://cragallery.com/artists/laura-omacini/

LE BEATITUDINI
Mostra personale di Laura Omacini
2 marzo – 1° aprile 2023

Crag Gallery è lieta di presentare “Le beatitudini”, mostra personale dell’artista Laura Omacini (Venezia, 1991) nella nuova sede della galleria in via Parma 66D, dal 2 marzo al 1° aprile 2023.
Le beatitudini è il titolo che riunisce l’ultima serie di opere di Laura Omacini, presentate per la prima volta nella Project Room del Museo di Ca’ Pesaro a Venezia in occasione della diciottesima edizione della Giornata del Contemporaneo, e raccolta in questa occasione presso la nuova sede della galleria CRAG di Torino, già promotrice della mostra lagunare in collaborazione con AMACI e ArtVerona.
La nuova serie di opere si sviluppa intorno ad un tema profondamente legato alla città di Venezia, ma che apre a una riflessione estendibile al panorama di tutte le città storiche, incentrato sul rapporto tra abitare e conservare, tra spazio pubblico e privato, tra luogo sacro e profano, abbracciando una materia che tocca nodi esistenziali ed identitari.
Soggetto della serie sono infatti le impalcature che si arrampicano intorno agli edifici in restauro: costruzioni di natura impermanente, ma che si configurano come elementi costanti del paesaggio urbano, tanto più là dove si concentri un gran numero di fabbricati antichi.
L’intero corpus di opere è sviluppato attraverso una tecnica complessa, ottenuta per tramite di una lenta sovrapposizione di velature trasparenti stese su collages formati da frammenti di foto estrapolate dai giornali. Ne risultano composizioni caratterizzate da una continua interferenza tra i diversi piani della rappresentazione, dove le strutture di tubi innocenti incorniciano le immagini di un presente inafferrabile, mentre lo sguardo insegue l’innalzarsi dei grandi teli di protezione, che sembrano ricucire e contenere la scissione della materia su cui essi stessi appoggiano.
La serie si inserisce perfettamente all’interno del percorso dell’artista, il cui lavoro è caratterizzato da atmosfere diafane e rarefatte, in cui la descrizione di luoghi di confine e ambienti privi di riferimenti stabili identifica uno spazio simbolico dove simulare l’incontro tra paesaggio interiore e realtà circostanziale, generando immagini al contempo oniriche e realistiche.
LAURA OMACINI
Laura Omacini è nata a Venezia nel 1991, ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne di Rennes. Nel 2018 è stata vincitrice del Contemporary Art Prize indetto dai Rotary Club di Bonn, Novara e Strasburgo. Tra il 2019 e il 2020 ha ottenuto l’assegnazione di un atelier presso l’Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia. Nel 2020 ha presentato la sua prima personale presso la galleria CRAG di Torino e nel 2021 ha preso parte al programma di residenza d’artista presso il MEVE (memoriale veneto della Grande Guerra di Montebelluna). Conseguentemente alla vincita del premio Level 0, conseguito insieme alla galleria CRAG di Torino alla 16ma edizione di ArtVerona, nel 2022 ha presentato la personale Le beatitudini nel Museo di Ca’ Pesaro a Venezia.

HSIANG HAN HSU - SELECTED DESIGN WORKS
2022-12-12 08:00 - 2023-01-14 17:00 (Europe/Rome)
HSIANG HAN DESIGN is a multi-disciplinary design studio based in Taipei & Milan, which gets inspired by nature and concentrates on exploring bionics to combine with technology. The design range covers lighting, furniture, tech products and even limited edition objects.
The studio is specialized in cooperation in different fields (plastic, 3D printer, glass, marble, ceramic, wood, electronic technology, …etc.), and dedicated in research of materials and production process in order to create further possibilities and value of products, craftsmanship and industry innovation.

AWARDS
2019 Golden Pin Design Award
​2018 A’Design Award
2015 BraunPrize
2015 IDEA
​2014 iF Design Award
​2012 Red Dot Design Award

EXHIBITIONS
2023 Crag Home Gallery
2020 Taiwan Design Museum
2019 SaloneSatellite
2018 Maison & Objet
2018 SaloneSatellite
​2012 Red Dot Design Museum
​2011 Taipei World Design Expo

Roger Coll - Simplicity. Beauty behind ceramics
2022-11-17 08:00 - 2023-01-14 17:00 (Europe/Rome)
SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Mostra personale di Roger Coll

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Torino
17 novembre 2022 – 14 gennaio 2023
Inaugurazione giovedì 17 novembre 16/21

Le sculture dell’artista spagnolo Roger Coll (Barcellona, 1979) sono presentate nella prima personale italiana dedicata all’artista nel nuovo spazio espositivo della Galleria CRAG, in via Parma 66/D dal 17 novembre 2022 al 14 gennaio 2023.
Roger Coll si è formato all’Università ETSA – Architettura Tecnica di Barcellona, successivamente ​​all’EASD di Barcellona, ​​EASD Pau Gargallo e EASD di Vic, dove vive e lavora.
La mostra dal titolo “Simplicity. The beauty behind ceramics” comprende un ciclo inedito di sculture in ceramica ispirate alla teoria della bellezza nella semplicità, intesa anche nelle singole parti che compongono il tutto. Plotino diceva che la bellezza consiste nell’unità virtuosa di tutte le forme: “la bellezza è nei molti quando i molti sono visti come uno”. La costruzione di Roger Coll avviene in elementi basilari che nella ripetizione creano qualcosa di più complesso e potente, che libera la sua creatività.
Ogni scultura ha un colore o una lavorazione finale diversa “ed è come una parola che aiuta a definirla. Se fossi bravo con le parole o il ritmo sarei uno scrittore o un musicista ma non lo sono, quindi uso un altro modo per esprimermi. In questo senso, se le opere sono come parole della mia lingua, termini come scala, consistenza o colore sono elementi che aiutano a stabilire il tono e a inviare il messaggio. Detto questo, l’uso del colore non è razionale ma intuitivo. A volte sento che un certo lavoro ha bisogno di quel colore e non di altro. Ma non so spiegare perché” (Roger Coll).
La formazione come architetto ha influenzato il lavoro dello scultore sia dal punto di vista dei materiali, nella forma e nelle caratteristiche, sia dal punto di vista costruttivo. Sin da ragazzo Coll ha avuto un forte interesse per tutti i tipi di materiali, quando nei cantieri della sua famiglia collezionava ogni sorta di piccoli oggetti, schiume, fili, tutto ciò che potesse sembrare scultoreo.
Le sue opere si muovono nello spazio, invadendolo con fluidità ed interagendo con lo spettatore ed i suoi sensi, invitando lo sguardo a percepirne il movimento.
mostra visitabile ogni giorno su appuntamento
per visionare le opere https://cragallery.com/artists/roger-coll/

SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Solo exhibition of Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Turin
17 November 2022 – 14 January 2023
Inauguration Thursday 17 November 16/21
The artist will be present
The sculptures of the Spanish artist Roger Coll (Barcelona, ​​1979) are presented in the first Italian solo exhibition dedicated to the artist in the new exhibition space of the CRAG Gallery, in via Parma 66/D from 17 November 2022 to 14 January 2023.
Roger Coll trained at the ETSA-Technical Architecture University of Barcelona, ​​then at EASD Barcelona, ​​EASD Pau Gargallo and EASD Vic, where he lives and works.
The exhibition entitled “Simplicity. The beauty behind ceramics” includes a new cycle of ceramic sculptures inspired by the theory of beauty in simplicity, also understood in the individual parts that make up the whole. Plotinus said that beauty consists in the virtuous unity of all forms: “beauty is in the many when the many are seen as one”. Roger Coll’s construction takes place in basic elements which in repetition create something more complex and powerful, which frees his creativity.
Each sculpture has a different color or final processing “and it is like a word that helps to define it. If I was good with words or rhythm I’d be a writer or a musician but I’m not so I use another way to express myself. In this sense, if the works are like words in my language, terms like scale, texture or color are elements that help set the tone and send the message. That said, the use of color is not rational but intuitive. Sometimes I feel that a certain job needs that color and nothing else. But I can’t explain why” (Roger Coll).
Training as an architect has influenced the sculptor’s work both from the point of view of materials, in the form and characteristics, and from the constructive point of view. Since he was a boy, Coll had a strong interest in all types of materials, when on his family’s construction sites he collected all sorts of small objects, foams, threads, anything that might seem sculptural.
His works move in space, invading it with fluidity and interacting with the viewer and his senses, inviting the gaze to perceive its movement.
exhibition can be visited every day by appointment

Giacomo Modolo - Blaze
2022-10-27 08:00 - 2022-11-26 17:00 UTC
PH Bruno Barbero
BLAZE
Mostra personale di Giacomo Modolo
Via Giolitti 51 – Torino
27 ottobre – 26 novembre 2022
Inaugurazione giovedì 27 ottobre 16/20
L’artista sarà presente
In occasione della settimana dell’arte torinese, CRAG Gallery presenta la mostra BLAZE, personale dell’artista Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) dal 27 ottobre al 26 novembre 2022.
La mostra nasce da una nuova ricerca del giovane artista, realizzato in parte a Torino, dopo un lungo periodo di riflessione sulla sua pratica pittorica, interiore ed estetica, un rito purificatorio.
La scelta stilistica e contenutistica della ricerca di Giacomo Modolo mette in primo piano il discorso della Forma, in particolare attraverso la rappresentazione dei felini, protagonisti indiscussi delle nuove opere, sia da un punto di vista simbolico e sia per la loro anatomia appagante per l’artista.
A partire dalla Forma si evolvono i quadri, con una forte base decorativa che deriva dalla formazione accademica di Modolo, alternando piani più fluidi ad altri schematici, passando dall’aspetto illustrativo e narrativo ad una ricerca che ricorda il manifesto.
La pittura talvolta più gestuale viene alternata a soluzioni e campiture piatte, dando rilievo alle differenti fasi tra progettazione e realizzazione.
Gli animali, guardiani della composizione, si mescolano con il paesaggio astratto, che spesso si trasforma diventando fiamma (un falò depurativo) o bandiera (quale ricerca di una identità che già permaneva nelle opere precedenti).
Tra le fiamme e i fumi psichedelici le immagini bruciano e si rigenerano nel continuo ricambio di linee, volto a dare forma alla tessitura di una trama. Decorazione e gesto creano immaginari iconici, quasi manifesti grafici dalle fattezze fluide, teatrali e dichiaratamente illustrative.
Ed è in questo rituale che sono gettate nel fuoco le bandiere, gli animali feroci e le relazioni, ovvero tutto quello che si fa simbolo delle certezze quotidiane dell’artista come il senso di appartenenza a qualcosa o a qualcuno.
“Blaze, utilizzando termini musicali, a me più amichevoli, non si tratta di un album completo ma piuttosto di una “demo” di pochi brani: scritti nel mezzo di una carriera già avviata ed impegnati a tracciare una pagina, seppur sperimentale, di cambiamento (estetico e spirituale).”
mostra visitabile ma – sa 11/13 e 15.30/19 o su appuntamento

BLAZE
Personal exhibition of Giacomo Modolo
Via Giolitti 51 – Turin
27 October – 26 November 2022
Opening Thursday 27 October 16/20
The artist will be present
On the occasion of the Turin art week, CRAG Gallery presents the BLAZE exhibition, a personal exhibition by the artist Giacomo Modolo (Vicenza, 1988).
The exhibition was born from a new pictorial cycle of the young artist, realized in part in Turin, after a long period of reflection on his pictorial practice, and a crescendo of interior and aesthetic research, a purifying rite.
The stylistic and content choice of Giacomo Modolo’s research highlights the discourse of Form, in particular through the representation of felines, the undisputed protagonists of the new works, both from a symbolic point of view and for their satisfying anatomy for the artist.
The paintings therefore evolve starting from the Form, with a strong decorative base that derives from Modolo’s academic training, alternating more fluid planes with other schematic ones, passing from the illustrative and narrative aspect to a research that recalls the manifesto.
Sometimes more gestural painting is alternated with solutions and flat backgrounds, emphasizing the different phases between design and construction.
The animals, guardians of the composition, mingle with the abstract landscape, which often transforms itself into a flame (a purifying bonfire) or a flag (as a search for an identity that already persisted in previous works).
Between the flames and the psychedelic fumes the images burn and regenerate themselves in the continuous exchange of lines, aimed at giving shape to the weaving of a plot. Decoration and gesture create iconic imaginaries, almost graphic posters with fluid, theatrical and openly illustrative features.
And it is in this ritual that flags, ferocious animals and relationships are thrown into the fire, that is, everything that becomes a symbol of the artist’s daily certainties such as the sense of belonging to something or someone.
“Blaze is not a pictorial cycle. Using musical terms, more friendly to me, this is not a complete album but rather a “demo” of a few songs: written in the middle of a career already underway and committed to tracing a page, albeit experimental, of change (aesthetic and spiritual).”
exhibition open from 11 am to 1 pm and from 3.30 pm to 7 pm or by appointment

ARTVERONA 2022
2022-10-13 08:00 - 2022-10-16 17:00 UTC
CRAG GALLERY riconferma la partecipazione ad ARTVERONA 2022 con le artiste
Laura Omacini, Ilaria Simeoni ed Elisabetta Mariuzzo.

STAND 7 SEZIONE NEXT – PAD. 12

info su https://artverona.it/

Elisabetta Mariuzzo

Laura Omacini

Ilaria Simeoni

Laura Omacini - Le beatitudini - Museo Ca' Pesaro
2022-10-07 08:00 - 2022-11-06 17:00 (Europe/Rome)
Laura Omacini. Le beatitudini
Ca’ Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, 7.10 – 6.11.2022
A cura di / Curated by Elisabetta Barisoni
Selezionata nel 2021 da Ca’ Pesaro per il Premio Level 0 di ArtVerona, Laura Omacini ha voluto creare per la project room al piano terra del Museo una nuova serie di opere intorno a un soggetto profondamente legato alla città di Venezia, che da anni documenta attraverso fotografie, schizzi ed appunti.
Le impalcature, con il loro arrampicarsi intorno agli edifici, le loro velature e camuffamenti, sono trattate come un elemento caratteristico del paesaggio cittadino, il cui equilibrio necessita di continue cure e attenzioni. Presenze al contempo benefiche e invasive, costanti e impermanenti, queste costruzioni vengono estrapolate dal contesto urbano e riportate su collages che raccolgono frammenti di immagini tratte da riviste e quotidiani locali, trasformandosi in membrane contenitive di un racconto del presente, tra le cui increspature possiamo intravedere una serie di connessioni e rimandi simbolici.
La tensione tra lo spessore del collage e la superficie del film pittorico, insieme al contrasto tra l’opacità delle luci e la trasparenza delle ombre, ricrea un movimento acquatico che scompone e deforma la visione, unendo il fondale ai riflessi del cielo. Si originano così composizioni che richiamano simultaneamente l’intimità della casa, della cura, del gesto quotidiano, e l’alterità del mondo, la sua interferenza, il suo caos generativo, aprendo a una molteplicità di interpretazioni e letture diverse.
Il titolo della serie evoca un percorso verticale, invitando lo sguardo a scalare l’immagine attraverso i diversi piani della rappresentazione.

Mostra

Selected in 2021 by Ca ‘Pesaro for the Level 0 Award of ArtVerona, Laura Omacini wanted to create for the project room on the ground floor of the Museum a new series of works around a subject deeply linked to the city of Venice, which for years she has documented through photographs, sketches and notes.
The scaffolding, with their climbing around the buildings, their veils and camouflages, are treated as a characteristic element of the city landscape, whose balance requires continuous care and attention. Presences at the same time beneficial and invasive, constant and impermanent, these constructions are extrapolated from the urban context and reported on collages that collect fragments of images taken from local magazines and newspapers, transforming themselves into containing membranes of a story of the present, among whose ripples we can glimpse a series of connections and symbolic references.
The tension between the thickness of the collage and the surface of the pictorial film, together with the contrast between the opacity of the lights and the transparency of the shadows, recreates an aquatic movement that breaks down and deforms the vision, combining the backdrop with the reflections of the sky. Thus compositions arise that simultaneously recall the intimacy of the home, care, the daily gesture, and the otherness of the world, its interference, its generative chaos, opening up to a multiplicity of different interpretations and readings.
The title of the series evokes a vertical path, inviting the eye to scale the image through the different levels of representation.

Continuum - Tomas Tichy
2022-10-05 08:00 - 2022-11-12 17:00 UTC
ph Bruno Barbero

CONTINUUM
Mostra personale di Tomas Tichy
Via Parma 66 D – Torino
5 ottobre – 12 novembre 2022
Il 5 ottobre 2022 CRAG Gallery presenta il nuovo spazio espositivo con la mostra Continuum dell’artista Tomas Tichy (Praga, 1984) appartenente alla scena praghese della giovane pittura figurativa.
Il luminosissimo loft nel quartiere Regio Parco in via Parma 66D, che si affianca alla sede di via Giolitti 51, vuole diventare a partire dal 2023 uno spazio di scambio tra arte, design, ed esperienze, interessi, e visioni di menti creative. Il desiderio è di condividere progetti tra più generazioni e continuare il percorso della galleria alla ricerca di artisti emergenti.
Per questa preview dello spazio, CRAG Gallery ha scelto di presentare un ciclo tematico realizzato tra il 2020 ed il 2022, con fulcro l’osservazione dei cambiamenti dovuti alle tecnologie digitali e post-mediali che hanno influenzato ed influenzano la sensibilità dell’essere umano. A partire da immagini fotografiche in movimento, Tomas Tichy con il media pittorico ci restituisce opere che interagiscono con la nostra percezione.
In passato la pittura figurativa rappresentava prevalentemente la realtà per ciò che era: attraverso le opere di Tichy le raffigurazioni contemporanee riportano ad una realtà mistificata, fluida e cruda, ad un dualismo tra ciò che è e ciò che appare.
Le tematiche approfondite dall’artista sono molteplici, dalla moda, allo sport, alle tecnologie, agli idoli. I soggetti rappresentati nell’atto sportivo sono caratterizzati da una accelerazione quasi atemporale, a metafora della nostra costante esigenza o abitudine alla corsa e competitività nelle azioni quotidiane.
Dall’altro lato l’artista si concentra sui “paradisi artificiali” della moda, nei quali oggi più che mai il mondo del digitale ci presenta una realtà ideale e spesso effimera. Le immagini, in particolare delle modelle iconiche, vengono modificate pittoricamente come se fossero create meccanicamente dal trascinamento delle immagini su iPad. Viene ricreata una nuova dimensione di percezione del volto e della figura che restituisce il lato umano, reale, quasi malinconico, abbandonando quello statico e di “facciata”.
Nelle opere ritroviamo “piante digitali”, come analogia dell’intelligenza artificiale, “con una forma che allude allo stato naturale seppure quello che stiamo osservando sia solo una struttura surrogata, mimetizzata”” (Petr Vanous), che trasmette energia da un lato, ma alienazione dall’altro.
Questo costante dualismo critico nelle rappresentazioni, pregnante nelle scene di box o nell’interazione uomo-animale, è portato avanti da Tichy con convinzione dello strumento artistico come chiave di presa di coscienza ed invito a vedere le opere d’arte come specchio di riflessione e abbandono ad una dimensione umana da ritrovare.
Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

CONTINUUM
Solo exhibition of Tomas Tichy
New space preview
Via Parma 66 D – Turin
5 October – 12 November 2022
On 5 October 2022 CRAG Gallery presents the new exhibition space with the Continuum exhibition by the artist Tomas Tichy (Prague, 1984) belonging to the Prague scene of young figurative painting.
The bright loft in the Regio Parco district in via Parma 66D, which joins the headquarters in via Giolitti 51, wants to become, starting from 2023, a space for exchange between art, design, and experiences, interests, and visions of creative minds. The desire is to share projects between generations and continue the path of the gallery in search of emerging artists.
For this preview of the space, CRAG Gallery has chosen to present a thematic cycle created between 2020 and 2022, with the focus on observing the changes due to digital and post-media technologies that have influenced and influence the sensitivity of the human being. Starting from photographic images in motion, Tomas Tichy with the pictorial media gives us works that interact with our perception.
In the past, figurative painting mainly represented reality for what it was: through Tichy’s works, contemporary representations bring back to a mystified, fluid and raw reality, to a dualism between what is and what appears.
The themes explored by the artist are many, from fashion, to sport, to technologies, to idols. The subjects represented in the sporting act are characterized by an almost timeless acceleration, a metaphor of our constant need or habit of running and competitiveness in daily actions.
On the other hand, the artist focuses on the “artificial paradises” of fashion, in which today more than ever the digital world presents us with an ideal and often ephemeral reality. Images, especially of iconic models, are pictorially modified as if they were created mechanically by dragging the images onto the iPad. A new dimension of perception of the face and of the figure is recreated which returns the human, real, almost melancholic side, abandoning the static and “facade” side.
In the works we find “digital plants”, as an analogy of artificial intelligence, “with a form that alludes to the natural state even though what we are observing is only a surrogate, camouflaged structure” “(Petr Vanous), which transmits energy on the one hand, but alienation from the other.
This constant critical dualism in the representations, pregnant in the box scenes or in the human-animal interaction, is carried out by Tichy with conviction of the artistic instrument as a key to awareness and an invitation to see the works of art as a mirror of reflection and abandonment to a human dimension to be rediscovered.

Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

I cieli in una stanza - Federico Caputo
2022-09-15 08:00 - 2022-10-15 17:00 (Europe/Rome)
La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare I cieli in una stanza, mostra personale dell’artista Federico Caputo (Sanremo, 1995) dal 15 settembre al 15 ottobre 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
Questa mostra nasce dalla condivisione di una scoperta.
Tutto è iniziato con l’acquisto d’impulso di un album di fotografie contenente una raccolta di cartoline stampate durante il periodo del colonialismo dalla ditta “Fotocelere” di Torino. Le immagini erano tratte da scatti di Aldo Baratti che all’epoca viveva in Etiopia, dove aveva lo studio fotografico.
Il fascino delle fotografie di Baratti, che con lo sguardo occidentale aveva ritratto un’Africa da sogno, ci ha portati a riflettere su quale immaginario avessero suscitato queste cartoline distribuite tra il 1930 e il 1935 in Italia, e quanto siano interessanti ancora oggi.
photo di Davide D’Ambra
Le tematiche delle cartoline rimandano a differenti serie, tra cui i corpi con i seni scoperti delle ragazze bilene, chiamate “Veneri nere”: il nostro pensiero è andato al “madamato” e poi ancor oggi alle spose bambine. Altre serie raffigurano guerrieri in posa altera, scene di lavoro e di quotidianità, feste e cerimonie religiose. Tutto ciò spesso ripreso in mezzo ad una natura meravigliosa con sullo sfondo il gigante sicomoro e la fila di elefanti che incede passo dopo passo.
Le nostre conversazioni, stimolate dalle cartoline, s’incalzavano via via che si approfondiva l’appassionante ricerca intorno al tema Etiopia. Federico Caputo ha raccolto i pensieri, l’immaginario, le note storiche fino a realizzare le opere in mostra. Abbiamo avuto la consapevolezza di come spesso sia difficile ripensare alla storia se non per stereotipi, cosicché il nostro dialogo si è arricchito di un’ulteriore analisi grazie alla collaborazione di Nicola Imoli e di un testo di Michela Mivida Di Meo, antropologi.
Dopo questo periodo di ricerca e riflessione, Federico ha realizzato le sue opere intersecando liberamente le immagini delle cartoline con la sua pratica artistica, la sua storia personale e quella collettiva con richiami al mondo della canzone. Ricamo dopo ricamo, ha sovrapposto i suoi pensieri e le immagini fino a fissare con il filo e la lentezza del gesto una stratificazione tra il passato e la vita più recente. Le opere sono quadri ricamati a mano su stampe serigrafiche, talvolta racchiuse in teche fosforescenti, evidenziando così la barriera tra il passato e il presente, tra il gesto intimo e antico del cucire con lane e fili preziosi e i contenitori fluo come i colori della palette dell’artista. In questo modo Federico Caputo, in continuità con il suo lavoro, ha inserito i suoi temi cari, tra cui le figure iconiche degli anni ’60 che dominano la scena, rimanendo legato a quel senso di nostalgia che pervade le sue opere, non cadendo in questo modo in prevedibili soluzioni. È così che nasce l’opera guida della mostra, nella quale l’artista s’immagina seduto sotto al grande sicomoro a contemplare un cielo immenso ascoltando “il cielo in una stanza” di Gino Paoli, in una dimensione senza tempo.
“Quando sei qui con me, questa stanza non ha più pareti, ma alberi, alberi infiniti…”
Si ringraziano gli antropologi Nicola Imoli e Michela Mivida Di Meo per il testo a supporto della mostra e per il loro entusiasmo nella partecipazione al progetto.

Photo di Davide D’Ambra
Nicola Imoli (Vicenza, 1988)
Nicola Imoli dopo una laurea triennale in Lingue, letterature e culture del Mediterraneo (Arabo e Hindi) si è laureato in Antropologia culturale all’Università Ca’ Foscari di Venezia con una tesi sul paesaggio condiviso da pastori e miniere nel deserto del Gobi, in Mongolia meridionale. Si è interessato in particolare allo studio dei fenomeni di mutamento sociale tramite le lente offerte dall’antropologia del paesaggio e delle forme di abitazione. Attualmente è dottorando presso l’Università di Torino.
Michela Mivida Di Meo (Rodi, 1988)
Di madre greca-etiope e padre italo-etiope, Michela cresce ad Atene fino al trasferimento in Italia, a Desenzano del Garda, dove frequenta l‘intero ciclo scolastico fino a laurearsi in Filosofia, a Verona. Conseguita la specializzazione in Antropologia culturale, durante gli studi universitari si avvicina al pensiero della differenza sessuale. Attualmente abita a Padova. Le piace pensare alla scrittura come il respiro della vita. Il suo racconto, Ston afro, ston afro tis thalassa, ha vinto il Terzo Premio della XI edizione del Concorso letterario nazionale Lingua Madre.
Federico Caputo – Biografia
Federico Caputo (Sanremo, 1995) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino, dove vive e lavora.
La sua pratica artistica è caratterizzata da un forte interesse per l’estetica della fibra e delle arti tessili. Il giovane artista utilizza sia materiali naturali che sintetici, con il ricamo tradizionale e la sartoria italiana come suoi principali punti di riferimento. La ricerca formale viene unita a quella sostanziale, passando in particolare dalla cultura italiana degli anni’60 a figure e oggetti pop contemporanei.
per visionare le opere federico caputo works

Matteo Negri - Pezzi di questo mondo
2022-06-09 08:00 - 2022-07-29 17:00 UTC
MATTEO NEGRI
PIECES OF THIS WORLD
June 9th – July 29th 2022
Exhibition organised by CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51 / A – Turin
Hosted by STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO
C.so Vittorio Emanuele 68 – Turin
exhibition open by appointment only

Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present the work of the sculptor Matteo Negri (1982) to the Turin public in the exhibition Pieces of this world from 9 June to 29 July 2022, in the wonderful rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm in Corso Vittorio Emanuele. n. 68 in Turin.
The space where Matteo Negri’s exhibition is set up leads us, each time, to imagine new scenarios. It leads us to interact with beauty, the genius of those who designed it, the personality of those who live it, a different perspective of inserting the works of artists.
Matteo’s works are welcomed in the splendid rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm which offer a dialogue of colors, lights, materials, perfectly in line with his research since the early post-academic years and his vision of the sculptural system as a relationship with the space and with the visitor, in a game of continuous exchange, perception and introspection.
“The fabulous world of Teo”, as the title of a previous exhibition suggests, welcomes us among works belonging to different periods. In the Lego series Matteo Negri offers us an iconographic pop aesthetic, combined with careful attention to the material, its rigidity, the lightness of the image, the warmth of the material, made explosive and boundless in the Lego Silver series, the sculpture in the entrance . It is a search for origins, for essentiality: “in his hands the building brick is shaped, twisted, broken, knotted and undergoes those transformations that could only be imagined with a normal lego, and perhaps, they have always been sought when imposed forms were unable to satisfy the imagination; through the freedom given by art, all possible imagination is no longer sacrificed to the modular interlocking action “(Giancarlo Pedrazzini, L’Egoïsme).
The “Meanwhile” series transports us into a game of mirrors and pure forms which interacting with space allow us to explore new visual and interactive perspectives, as an element of reciprocity, even with ourselves. An image is created that is never quite real,
but not completely foreign to what we see and experience. We are enthusiastic about this exhibition, because it gives us a journey into a fabulous world and perhaps, as real as it may seem.
“I feel totally a sculptor. I am aware that sculpture lives in space and in all dimensions. But paradoxically there is a privileged point of view. Because as far as all perspectives can be considered, there is always an image with which the sculpture reveals itself at a certain point. It is at that point that even the most intense experience on the part of the beholder develops. I don’t even think that sculpture is an object to be touched. Sculpture for me is a point of view “.
Biography
Matteo Negri was born in San Donato Milanese (MI) in 1982.
He lives and works in Milan, where he attended the Brera Academy of Fine Arts.

MATTEO NEGRI
PEZZI DI QUESTO MONDO
9 giugno – 29 luglio 2022

Mostra organizzata da CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51/A – Torino

Ospitata da STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO
PENALISTI ASSOCIATI
C.so Vittorio Emanuele 68 – Torino

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare al pubblico torinese il lavoro dello scultore Matteo Negri (1982) nella mostra Pezzi di questo mondo dal 9 giugno al 29 luglio 2022, nelle meravigliose sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto in corso Vittorio Emanuele n. 68 a Torino.
Lo spazio in cui è allestita la mostra di Matteo Negri ci porta, ogni volta, ad immaginare nuovi scenari. Ci porta ad interagire con la bellezza, il genio di chi lo ha progettato, la personalità̀ di chi lo vive, una diversa prospettiva di inserimento delle opere degli artisti.
Le opere di Matteo trovano accoglienza nelle splendide sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto che regalano un dialogo di colori, luci, materiali, perfettamente in linea con la sua ricerca sin dai primi anni post accademici e la sua visione dell’impianto scultoreo come relazione con lo spazio e con il visitatore, in un gioco di continuo scambio, percezione ed introspezione.
“Il favoloso mondo di Teo”, come suggerisce il titolo di una precedente mostra, ci accoglie tra opere appartenenti a diversi periodi. Nella serie Lego Matteo Negri ci propone un’estetica pop iconografica,unita ad una accurata attenzione al materiale, alla sua rigidità, alla leggerezza dell’immagine, al calore del materiale, resa esplosiva e sconfinata nella serie Lego Silver, la scultura nell’ingresso. E’ una ricerca delle origini, dell’essenzialità: “nelle sue mani il mattone da costruzione è plasmato, contorto, spezzato, annodato e subisce quelle trasformazioni che si potevano solo immaginare con un normale lego, e forse, si sono sempre ricercate quando le forme imposte non erano in grado di accontentare la fantasia; attraverso la libertà data dall’arte, tutta l’immaginazione possibile non è più sacrificata all’azione di incastro modulare” (Giancarlo Pedrazzini, L’Egoïsme).
La serie “Meanwhile” ci trasporta in un gioco degli specchi e forme pure che interagendo con lo spazio, ci consentono di esplorare nuove prospettive visive ed interattive, come elemento di reciprocità, anche con noi stessi. Si determina un’immagine che non è mai del tutto reale,
ma neppure completamente estranea a ciò che vediamo e viviamo. Siamo entusiaste di questa mostra, perché ci regala un viaggio in un mondo favoloso e forse, reale di quel che possa sembrare.
“Mi sento totalmente scultore. Sono consapevole che la scultura viva nello spazio e in tutte le dimensioni. Però paradossalmente c’è un punto di vista privilegiato. Perché per quanto si possano considerare tutte le prospettive, esiste sempre un’immagine con cui la scultura ad un certo punto si palesa. È in quel punto che si sviluppa anche l’esperienza più intensa da parte di chi guarda. Non penso neanche che la scultura sia oggetto da toccare. La scultura per me è un punto di vista”.

Biografia
Matteo Negri è nato a S.Donato Milanese (MI) nel 1982.
Vive e lavora a Milano, dove ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Brera.

REWORKING - ALESSANDRO FABBRIS
2022-05-19 08:00 - 2022-06-18 17:00 UTC
REWORKING
Solo show of Alessandro Fabbris
May 19 – June 18 2022
Opening Thursday and Friday 19/20 May at 15-20
The artist will be present
The Crag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Reworking, a solo show by the artist Alessandro Fabbris (Turin, 1977) from 19 May to 18 June 2022.
In Reworking the work of Alessandro Fabbris is configured with a common thread that from his first pictorial research leads him to the current one focused on photography, in which some fragments of his painting are reread and reworked, here investigated through non-canonical devices, such as for example flatbed scanners. The central idea of ​​the exhibition is to present to the public works chosen from 2010 to today, so as to make the visitor understand the evolution of the artist, who focuses on the use of technology associated with his first pictorial training, penetrating the post- photography, in which light and color are the key elements of his research.
Recent works from the Scanning Light series will be exhibited, in which chiaroscuro generated by masking and interactions with light, double exposures that are then changed in the colors through “errors” in the balance of whites and tones, enlargements and clippings, overlaps will be exhibited. of images, or rather of details, which bring to light the substrate of the images.
These works are combined with those of the series Mechanical procedures, poised between photography, painting and digital processing, the title of which alludes to a cycle of lectures held by Fussli at the Royal Academy of Arts in London on the relationship between painting and new photosensitive processes.
Light is also a central element in the work of the Stratifications series, which includes acetate sheets painted with interfering pigments that are superimposed and layered between pairs of glass. Depending on the incidence of light, the transparency of the support and the perception of colors vary, making the shapes appear as epiphanies involving the visitor and his sensory and memorial experience. Fabbris likes to connect in this way those processes that lead from light to painting and that sometimes make it elusive.
Linked to the artist’s first moment follows the pictorial installation Lineamenti di una analysis, of the Syntax Open cycle which investigates aniconic painting and the possibility of opening up to new narratives through the movements of the individual elements.
Finally, a textile work of the Glitch series will be presented, in which the colors, captured through scans and photographs of colored gelatins used in lighting technology and subsequently printed on semi-transparent fabrics, can change their texture and their stamp in relation to the sources. light of the space in which they are placed.
Fabbris “resets updated today, and, above all, in the light of his sensitivity, more than a typical trace of the Italian abstract research of the 60s and 70s (…) as evidenced by the use of a mixed technique where pastels and various pigments integrate object finds and a shrewd and limited use of digital technology “(Edoardo Di Mauro, BAM 2020 catalog).
Biography
Alessandro Fabbris (Turin, 1977) studied painting at the Albertina Academy in Turin and subsequently obtained a Master’s in Photography at the Brera Academy.
He lives between Turin and Genoa, where he teaches at the Ligustica Academy of Fine Arts in Genoa.

REWORKING
Mostra personale di Alessandro Fabbris

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51/A – Torino
19 maggio – 18 giugno 2022
Inaugurazione giovedì e venerdì 19/20 maggio ore 15-20
L’artista sarà presente

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Reworking, mostra personale dell’artista Alessandro Fabbris (Torino, 1977) dal 19 maggio al 18 giugno 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
In Reworking il lavoro di Alessandro Fabbris si configura con un filo conduttore che dalla sua prima ricerca pittorica lo porta all’attuale incentrata sulla fotografia, nella quale vengono riletti e rielaborati alcuni frammenti della sua pittura, qui indagata tramite dispostivi non canonici, quali ad esempio scanner piani. L’idea centrale della mostra è di presentare al pubblico opere scelte dal 2010 ad oggi, così da far comprendere al visitatore l’evoluzione dell’artista, che si concentra sull’uso della tecnologia associato alla sua prima formazione pittorica, addentrandosi nella post-fotografia, in cui la luce ed il colore sono gli elementi cardine della sua ricerca.
Verranno esposti in mostra lavori recenti della serie Scanning Light, nella quale si uniscono chiaroscuri generati da mascherature ed interazioni con la luce, doppie esposizioni che vengono poi virate nelle cromie tramite “errori” di bilanciamento dei bianchi e dei toni, ingrandimenti e ritagli, sovrapposizioni di immagini, o meglio di particolari, che portano alla luce il substrato delle immagini.
A queste opere vengono accostate quelle della serie Procedimenti meccanici, in bilico tra fotografia, pittura ed elaborazione digitale, il cui titolo allude ad un ciclo di lezioni tenute da Fussli presso la Royal Academy of Arts di Londra sulla relazione tra pittura e nuovi procedimenti fotosensibili.
La luce è elemento centrale anche nell’opera della serie Stratificazioni, che comprende fogli di acetato dipinti con pigmenti interferenti che vengono soprapposti e stratificati tra coppie di vetro. A seconda dell’incidenza della luce varia la trasparenza del supporto e la percezione dei colori, facendo apparire le forme come epifanie che coinvolgono il visitatore e la sua esperienza sensoriale e memoriale. A Fabbris piace collegare così quei procedimenti che dalla luce portano alla pittura e che talvolta la rendono inafferrabile.
Legata al primo momento dell’artista segue l’installazione pittorica Lineamenti di una analisi, del ciclo Sintassi Aperta che indaga sulla pittura aniconica e la possibilità dell’apertura a nuove narrazioni attraverso i movimenti dei singoli elementi.
In ultimo verrà presentata un’opera tessile della serie Glitch, in cui i colori, catturati tramite scansioni e fotografie di gelatine colorate usate nell’illuminotecnica e successivamente stampati su tessuti semi trasparenti, possono cambiare la loro consistenza e il loro timbro in relazione alle fonti luminose dello spazio in cui vengono posti.
Fabbris “reimposta aggiornata al giorno d’oggi, e, soprattutto, al lume della sua sensibilità, più di una traccia tipica della ricerca astratta italiana degli anni ’60 e ’70 (…) come testimonia l’uso di una tecnica mista dove a pastelli e pigmenti vari si integrano reperti oggettuali ed un accorto e limitato uso della tecnologia digitale” (Edoardo Di Mauro, catalogo BAM 2020).

Biografia
Alessandro Fabbris (Torino, 1977) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino e successivamente ha conseguito un Master in Fotografia all’Accademia di Brera.
Vive tra Torino e Genova, dove è docente all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.

THE PHAIR 2022
2022-05-19 08:00 - 17:00 UTC
CRAG Gallery is pleased to partecipate again to The Phair 2022 dedicated to photography, with the artworks by Alessandro Fabbris, Filippo Bosso, Enrico Smerilli and Elisabetta Mariuzzo.

Ilaria Simeoni - Hortus Conclusus
2022-02-10 08:00 - 2022-03-26 17:00 (Europe/Rome)
HORTUS CONCLUSUS
Solo show of ILARIA SIMEONI
10 February – 26 March 2022
Inauguration 10 and 11 February 2022 at 15-20
The artist will be present
Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Hortus Conclusus, the first solo show of the young artist Ilaria Simeoni (Montebelluna, 1995) from 10 February to 26 March 2022.
Assignee of the prestigious Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Foundation in Venice and winner of the first prize of the 103rd Young Artists Collective Exhibition of the homonymous Foundation, Ilaria in her research devotes herself to the study of the relationship between spirituality and nature, focusing on language with the which to express this relationship.
In her practice, her thought merges with the painting and the natural element of the “closed” garden is the medium.
Thus was born the title Hortus Conclusus which, in addition to the better known definition of closed garden present in medieval monasteries and convents, is also to be considered as a place of the spirit. The garden or Hortus, real or figurative, accompanies this well-being in the various phases of the life of each individual; it is movement and transformation, of the world and of nature itself in their concrete sense of generating, producing, flourishing.
The artist’s investigation is characterized by visions that oscillate between reality and the imaginary: on the one hand she exercises her thoughts and on the other she tells the ideal places that surround her. For Ilaria Simeoni “the experience of transforming a simple leaf into a vision aimed at telling the reality” of cultivated nature, taught me to transfer an ideal place that is generated between the mind and the brush that flows on the canvas into the pictorial elaboration, in this way I express an inner impulse that has led me, over time, to see the nature of the garden as a philosophy of thought “.
The canvases represent the aesthetics of nature and the exaltation of its expressive and emotional values. The artist places the viewer at times in a condition of contemplation in front of a natural setting and at times pushes him towards the interior of the work and invites him to her spiritual exercise. The Hortus is not bordered by walls but is an interior place. Everything that happens in the “green space” is for the individual an experience of himself and of the world and the painting thus becomes his “Hortus Conclusus” in an imagery suggested by large oil paintings on canvas and small-format works .
For years, CRAG Gallery has been dedicated to deepening the theme of the landscape, made even more interesting in the last two years by a new approach and sensitivity of people and artists with the rediscovery of the natural environment that surrounds us and its energy and indispensable following the pandemic.
Biography
(Montebelluna, 1995) In the A.Y. 2017/2018 he obtained the “First Level Academic Diploma” in Painting-Visual Arts at the Academy of Fine Arts in Venice. In the A.Y. 2019/2020 she graduated from the “Second level of Painting-Visual Arts”, at the same Academy with prof. By Raco.
She was the assignee of the Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Academy and has obtained national awards in painting and engraving.

HORTUS CONCLUSUS
Mostra personale di ILARIA SIMEONI
10 febbraio – 26 marzo 2022
Inaugurazione 10 e 11 febbraio 2022 ore 15-20
L’artista sarà presente

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Hortus Conclusus, la prima mostra personale della giovane artista Ilaria Simeoni (Montebelluna, 1995) dal 10 di febbraio al 26 marzo 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
Assegnataria del prestigioso Atelier 2021/2022 della Fondazione Bevilaqua La Masa di Venezia e vincitrice del primo premio della 103ma Mostra Collettiva Giovani Artisti dell’omonima Fondazione, Ilaria nella sua ricerca si dedica allo studio del rapporto tra spiritualità e natura, concentrandosi sul linguaggio con il quale esprimere tale relazione. Nella pratica il suo pensiero si fonde con la pittura e l’elemento naturale del giardino “chiuso” ne è il tramite.
Nasce così il titolo Hortus Conclusus che, oltre alla più nota definizione di giardino chiuso presente nei monasteri e nei conventi medievali, è da considerarsi anche come luogo dello spirito. Il giardino o Hortus, reale o figurativo, accompagna questo star bene nelle varie fasi della vita di ogni individuo; è movimento e trasformazione, del mondo e della natura stessa nel loro senso concreto di generare, produrre, fiorire.
L’indagine dell’artista è caratterizzata da visioni che oscillano tra la realtà e l’immaginario: da una parte esercita il pensiero e dall’altra racconta i luoghi ideali che la circondano. Per Ilaria Simeoni “l’esperienza di trasformare una semplice foglia in una visione volta a raccontare la realtà̀ della natura coltivata, mi ha insegnato a trasferire nell’elaborato pittorico un luogo ideale che si genera tra la mente ed il pennello che scorre sulla tela, in questo modo esprimo un impulso interiore che mi ha portata, nel tempo, a vedere la natura del giardino come una filosofia di pensiero”.
Le tele rappresentano l’estetica della natura e l’esaltazione dei suoi valori espressivi ed emozionali. L’artista pone lo spettatore a tratti in una condizione di contemplazione di fronte ad una scenografia naturale ed a tratti lo spinge verso l’interno dell’opera e lo invita al suo esercizio spirituale. L’Hortus non è delimitato da mura ma è un luogo interiore. Tutto ciò che accade nello “spazio verde” è per l’individuo esperienza di sé e del mondo e la pittura diventa, dunque, il suo “Hortus Conclusus” in un immaginario suggerito dalle grandi pitture ad olio su tela e da opere di piccolo formato.
CRAG Gallery da anni si dedica all’approfondimento della tematica del paesaggio, resa ancor più interessante negli ultimi due anni da un approccio e da una sensibilità nuovi delle persone e degli artisti con la riscoperta dell’ambiente naturale che ci circonda e della sua energia ed indispensabilità a seguito della pandemia.

Biografia
(Montebelluna, 1995) Nell’A.A. 2017/2018 ha conseguito il “Diploma Accademico di Primo Livello” in Pittura-Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Nell’A.A. 2019/2020 si è diplomata al “Secondo livello di Pittura-Arti Visive”, presso la stessa Accademia con il prof. Di Raco.
E’ stata assegnataria dell’Atelier 2021/2022 dell’Accademia Bevilaqua La Masa ed ha ottenuto riconoscimenti a premi nazionali di pittura ed incisione.

per visionare le opere https://cragallery.com/artists/ilaria-simeoni/
