Le beatitudini - Laura Omacini
2023-03-02 08:00 - 2023-04-01 17:00 (Europe/Rome)
LE BEATITUDINI
Solo show of Laura Omacini
March 2 – April 1, 2023
Crag Gallery is pleased to present “Le beatitudes”, a solo exhibition by the artist Laura Omacini (Venice, 1991) in the new gallery location in via Parma 66D, from 2 March to 1 April 2023.
Le beatitudes is the title that brings together the latest series of works by Laura Omacini, presented for the first time in the Project Room of the Ca’ Pesaro Museum in Venice on the occasion of the eighteenth edition of the Contemporary Art Day, and collected on this occasion at the new headquarters of the CRAG gallery in Turin, already promoter of the lagoon exhibition in collaboration with AMACI and ArtVerona.
The new series of works develops around a theme deeply linked to the city of Venice, but which opens up to a reflection that can be extended to the panorama of all historic cities, focused on the relationship between living and preserving, between public and private space, between sacred places and profane, embracing a material that touches existential and identity issues.
The subject of the series are in fact the scaffolding that climbs around the buildings being restored: constructions of an impermanent nature, but which take the form of constant elements of the urban landscape, especially where a large number of ancient buildings are concentrated.
The entire corpus of works is developed through a complex technique, obtained through a slow overlapping of transparent glazes spread over collages formed by fragments of photos taken from newspapers. The result is compositions characterized by a continuous interference between the different planes of representation, where the structures of innocent pipes frame the images of an elusive present, while the gaze pursues the rising of the large protective sheets, which seem to mend and contain the split between material on which they themselves rely.
The series fits perfectly within the path of the artist, whose work is characterized by diaphanous and rarefied atmospheres, in which the description of border places and environments without stable references identifies a symbolic space in which to simulate the encounter between landscape interior and circumstantial reality, generating images that are both dreamlike and realistic.
LAURA OMACINI
Laura Omacini was born in Venice in 1991, she studied at the Academy of Fine Arts in Venice and at the École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne in Rennes. In 2018 she was the winner of the Contemporary Art Prize organized by the Rotary Clubs of Bonn, Novara and Strasbourg. Between 2019 and 2020 you obtained the assignment of an atelier at the Bevilacqua La Masa Foundation Institution in Venice. In 2020 she presented her first solo exhibition at the CRAG gallery in Turin and in 2021 she took part in the artist residency program at the MEVE (Veneto memorial of the Great War of Montebelluna). As a result of winning the Level 0 award, achieved together with the CRAG gallery in Turin at the 16th edition of ArtVerona, in 2022 she presented her solo exhibition Le beatitudes in the Ca ‘Pesaro Museum in Venice.
link to the artworks / link alle opere https://cragallery.com/artists/laura-omacini/

LE BEATITUDINI
Mostra personale di Laura Omacini
2 marzo – 1° aprile 2023

Crag Gallery è lieta di presentare “Le beatitudini”, mostra personale dell’artista Laura Omacini (Venezia, 1991) nella nuova sede della galleria in via Parma 66D, dal 2 marzo al 1° aprile 2023.
Le beatitudini è il titolo che riunisce l’ultima serie di opere di Laura Omacini, presentate per la prima volta nella Project Room del Museo di Ca’ Pesaro a Venezia in occasione della diciottesima edizione della Giornata del Contemporaneo, e raccolta in questa occasione presso la nuova sede della galleria CRAG di Torino, già promotrice della mostra lagunare in collaborazione con AMACI e ArtVerona.
La nuova serie di opere si sviluppa intorno ad un tema profondamente legato alla città di Venezia, ma che apre a una riflessione estendibile al panorama di tutte le città storiche, incentrato sul rapporto tra abitare e conservare, tra spazio pubblico e privato, tra luogo sacro e profano, abbracciando una materia che tocca nodi esistenziali ed identitari.
Soggetto della serie sono infatti le impalcature che si arrampicano intorno agli edifici in restauro: costruzioni di natura impermanente, ma che si configurano come elementi costanti del paesaggio urbano, tanto più là dove si concentri un gran numero di fabbricati antichi.
L’intero corpus di opere è sviluppato attraverso una tecnica complessa, ottenuta per tramite di una lenta sovrapposizione di velature trasparenti stese su collages formati da frammenti di foto estrapolate dai giornali. Ne risultano composizioni caratterizzate da una continua interferenza tra i diversi piani della rappresentazione, dove le strutture di tubi innocenti incorniciano le immagini di un presente inafferrabile, mentre lo sguardo insegue l’innalzarsi dei grandi teli di protezione, che sembrano ricucire e contenere la scissione della materia su cui essi stessi appoggiano.
La serie si inserisce perfettamente all’interno del percorso dell’artista, il cui lavoro è caratterizzato da atmosfere diafane e rarefatte, in cui la descrizione di luoghi di confine e ambienti privi di riferimenti stabili identifica uno spazio simbolico dove simulare l’incontro tra paesaggio interiore e realtà circostanziale, generando immagini al contempo oniriche e realistiche.
LAURA OMACINI
Laura Omacini è nata a Venezia nel 1991, ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne di Rennes. Nel 2018 è stata vincitrice del Contemporary Art Prize indetto dai Rotary Club di Bonn, Novara e Strasburgo. Tra il 2019 e il 2020 ha ottenuto l’assegnazione di un atelier presso l’Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia. Nel 2020 ha presentato la sua prima personale presso la galleria CRAG di Torino e nel 2021 ha preso parte al programma di residenza d’artista presso il MEVE (memoriale veneto della Grande Guerra di Montebelluna). Conseguentemente alla vincita del premio Level 0, conseguito insieme alla galleria CRAG di Torino alla 16ma edizione di ArtVerona, nel 2022 ha presentato la personale Le beatitudini nel Museo di Ca’ Pesaro a Venezia.

Ascolta Piove - Lorenzo Gnata
2023-03-18 11:00 - 2023-04-15 17:00
ASCOLTA PIOVE
solo show – Lorenzo Gnata
March 18 – April 15, 2023
opening Saturday 18 March at 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin
As part of Novissimi+, the first edition of the To.Be call dedicated to the professional growth of emerging artists, coming from a training course at the Accademia Albertina in Turin, the Ghёddo Association and CRAG – Chiono Reisova Art Gallery present Listen. It’s raining, personal exhibition of Lorenzo Gnata.
The exhibition proposal, curated by the Ghёddo Association and CRAG Gallery is part of a wider program of exhibitions, curated by the Ghёddo Association, which provides for the collaboration between artists and contemporary art spaces in the Turin area. The entire project is carried out with the support and patronage of the Accademia Albertina of Turin and the City of Turin and with the support of the Venesio Foundation.
Listen. It’s raining – the title of which draws inspiration from Gabriele D’Annunzio’s famous poem Rain in the Pine Grove – is a project specially conceived by Lorenzo Gnata for CRAG Gallery. «Those of the “poet poet” are verses full of panic sensations, in which the rain, like an invisible veil, without distinction, covers and envelops everything, making everything a single pulsation of nature» – says the artist.
Thus, conceived as an aesthetic homage to Nature and to the places where human feeling and the plant world interpenetrate, the exhibition narrates, through sculptures and environmental installations, the ineffable delicacy of emotions.
The exhibition will be open every day by appointment
Artist biography
Lorenzo Gnata [1997] born in Biella, lives and works in Turin. In 2022 he obtained a second level diploma in painting at the Accademia Albertina in Turin. His artistic research focuses on the existential themes of contemporary man, showing all his fragility through actions with a strong poetic impact. The artist’s works have been exhibited at: Tate Britain (London), Reggia di Venaria – Giardini (Turin), La Triennale (Milan), Fondazione Treccani (Naples), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venice), Artissima (Turin) and they are part of important public and private collections.
Ghёddo Association biography
Ghëddo is a cultural association active in Turin since 2021 with the aim of organizing cultural projects to enhance and promote young emerging art. The association aims to create a dynamic network between artists, galleries and independent spaces in the area, promoting cooperation experiences in order to build a supportive bond and generate dynamics of human, ethical and artistic exchange. Ghëddo is: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.
Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

ASCOLTA. PIOVE
mostra personale di Lorenzo Gnata
18 marzo – 15 aprile 2023

inaugurazione sabato 18 marzo ore 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Torino
Nell’ambito di Novissimi+, la prima edizione del bando To.Be dedicato alla crescita professionale di artisti emergenti, provenienti da un percorso di formazione presso l’Accademia Albertina di Torino, l’Associazione Ghёddo e CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presentano Ascolta. Piove, mostra personale di Lorenzo Gnata.
La proposta espositiva, curata da Associazione Ghёddo e CRAG Gallery si inserisce in un programma più ampio di mostre, a cura di Associazione Ghёddo, che prevede la collaborazione tra artisti e spazi d’arte contemporanea del territorio torinese. L’intero progetto è realizzato con il supporto e il patrocinio dell’Accademia Albertina di Torino e della Città di Torino e con il sostegno della Fondazione Venesio.
Ascolta. Piove – il cui titolo trae ispirazione dalla celebre poesia di Gabriele D’annunzio La pioggia nel pineto – è un progetto appositamente ideato da Lorenzo Gnata per CRAG Gallery. «Quelli del “poeta vate” sono versi carichi di sensazioni paniche, nei quali la pioggia, come un velo invisibile, senza distinzioni, copre e avvolge ogni cosa, rendendo il tutto un’unica pulsazione della natura» – afferma l’artista.
Così, concepita come un omaggio estetico alla Natura e ai luoghi di compenetrazione tra sentimento umano e mondo vegetale, la mostra racconta, attraverso sculture e installazioni ambientali, l’ineffabile delicatezza delle emozioni.
La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento

Biografia artista
Lorenzo Gnata [1997] nato a Biella, vive e lavora a Torino. Nel 2022 consegue il diploma di secondo livello in pittura presso l’Accademia Albertina di Torino. La sua ricerca artistica si concentra attorno ai temi esistenziali dell’uomo contemporaneo, mostrandone, attraverso azioni dal forte impatto poetico, tutte le fragilità. Le opere dell’artista sono state esposte presso: Tate Britain (Londra), Reggia di Venaria – Giardini (Torino), La Triennale (Milano), Fondazione Treccani (Napoli), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venezia), Artissima (Torino) e fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private.

Biografia Associazione Ghёddo
Ghëddo è un’associazione culturale attiva a Torino dal 2021 con l’obiettivo di organizzare progetti culturali per valorizzare e promuovere la giovane arte emergente. L’associazione mira a creare una rete dinamica tra artistə, gallerie e spazi indipendenti del territorio, favorendo esperienze di cooperazione al fine di costruire un legame solidale e generare dinamiche di scambio umano, etico, artistico. Ghëddo è: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.

Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

Matteo Negri - Interrogare lo spazio per trovare il tempo
2023-05-18 08:00 - 2023-06-30 17:00
QUERY THE SPACE
to find the time
Solo show of Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
18 May – 30 June 2023
The CRAG Gallery, in the new headquarters in via Parma 66D in Turin, inaugurates the exhibition of the Milanese artist Matteo Negri (1982) from 18 May to 30 June 2023.
QUESTIONING THE SPACE to find time is the title of the solo exhibition which includes a selection of the latest works from the Meanwhile series made on steel and aluminium, works on paper and an unprecedented installation that welcomes the visitor to the gallery. The artist, trained in sculpture at the Brera Academy, has developed over the last ten years a research which, starting from elementary shapes and colors, investigates the changing relationship between matter and the perception that our senses have of it.
The fulcrum of this Turin project are the works of the Meanwhile series: reflective and colored sheets with which the artist makes the visitor an integral part of the work through interaction with it.
The realization of the works is long and complex and involves several phases. It starts from the drawings on paper, on which the artist intervenes with acrylic sprays and chalks: they are the study of plane geometries that overlap and create formal and chromatic balances.
Subsequently, these geometries are reported on aluminum bases and painted with spray backgrounds. It is in this phase that the use of iridescent adhesive films begins, which are chosen according to the gradation and tonality, applied creating different levels of color saturation and mirroring surfaces. At this point the transparent dichroic film is applied, a material capable of changing color based on the angle at which the light arrives from the environment. The last finishing level is the hot painting with glossy transparent epoxy paint, which creates a homogeneous and uniform mirror surface.
The result is unexpected, seductive and unsettling: the colors of the backgrounds vary according to the position from which the visitor observes the works. Thus a dialogue is created between object and observer, in which the latter is dragged into the space dilated by the artist, into his pieces of this world. The titles of these works indicate the time and date in which Negri made a visual note (a photograph taken with his cell phone) of a particular situation in which shapes and lights interacted in a significant way. Skies, mountains, rivers and landscapes in general. The individual works try to evoke the poetry of those moments, proposing them to the viewer months or years later in a different spatial context. Thus the geometries and chromatic variations that take place in the gallery space relate memory and the passage of time.
Finally, in this exhibition, Negri uses the language of flags for the first time. Banners that, instead of representing nations or regions, reproduce the typical geometries of his language. The installation reproduces a sort of entrance to a diplomatic office, where flags of imaginary countries are displayed, of which one can become free citizens thanks to the imagination. Once again the artist invites us to be part of his work.

INTERROGARE LO SPAZIO
per trovare il tempo
Mostra personale di Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Torino
18 maggio – 30 giugno 2023

La Galleria CRAG, nella nuova sede di via Parma 66D a Torino, inaugura la mostra dell’artista milanese Matteo Negri (1982) dal 18 maggio al 30 giugno 2023.
INTERROGARE LO SPAZIO per trovare il tempo è il titolo della personale che comprende una selezione degli ultimi lavori della serie Meanwhile realizzati su acciaio e alluminio, opere su carta ed un’inedita installazione che accoglie il visitatore in galleria. L’artista, formatosi in scultura all’Accademia di Brera, ha sviluppato negli ultimi dieci anni una ricerca che, a partire da forme e colori elementari, indaga il rapporto cangiante tra la materia e la percezione che di essa hanno i nostri sensi.
Fulcro di questo progetto torinese sono le opere della serie Meanwhile: lamiere specchianti e colorate con le quali l’artista rende il visitatore parte integrante dell’opera attraverso l’interazione con essa.
La realizzazione delle opere è lunga e complessa e comporta più fasi. Si parte dai disegni su carta, sui quali l’artista interviene con spray acrilico e gessetti: sono lo studio di geometrie di piani che si sovrappongono e vanno a creare equilibri formali e cromatici.
Successivamente, queste geometrie vengono riportate su basi di alluminio e dipinte con campiture spray. È in questa fase che inizia l’uso di pellicole adesive cangianti, che vengono scelte a seconda della gradazione e della tonalità, applicate creando diversi livelli di saturazione di colore e di superfici specchianti. A questo punto viene applicata la pellicola dicroica trasparente, materiale in grado di mutare colore in base all’angolazione con cui la luce arriva dall’ambiente. Ultimo livello di finitura è la verniciatura a caldo con vernice epossidica trasparente lucida, che crea una superficie specchiante omogenea ed uniforme.
Il risultato è inatteso, seducente e spiazzante: i colori delle campiture variano a seconda della posizione da cui il visitatore osserva le opere. Si va a creare così un dialogo tra oggetto e osservatore, nel quale quest’ultimo viene trascinato dentro lo spazio dilatato dall’artista, nei suoi pezzi di questo mondo. I titoli di queste opere indicano l’ora e la data in cui Negri ha preso un appunto visivo (una fotografia scattata con il cellulare) di una situazione particolare in cui forme e luci interagivano in modo significativo. Cieli, montagne, fiumi e paesaggi in generale. Le singole opere cercano di evocare la poesia di quegli istanti, riproponendoli allo spettatore a distanza di mesi o anni in un contesto spaziale differente. Così le geometrie e le variazioni cromatiche che si attuano nello spazio della galleria mettono in relazione la memoria e lo scorrere del tempo.
In questa mostra, infine, Negri usa per la prima volta il linguaggio delle bandiere. Vessilli che, anziché rappresentare nazioni o regioni, riproducono le geometrie tipiche del suo linguaggio. L’installazione riproduce una sorta di ingresso di una sede diplomatica, dove sono esposte bandiere di paesi di fantasia, dei quali si può diventare liberi cittadini grazie all’immaginazione. Ancora una volta l’artista ci invita a fare parte della sua opera.

ph. Bruno Barbero

Roma Arte In Nuvola 2023
2023-07-03 08:00 - 17:00
CRAG is pleased to announce the participation at the Roma Arte in Nuvola Fair from November 23rd to the 26th with a solo show of the artist Roger Coll (https://cragallery.com/artists/roger-coll/)
for more info https://romaarteinnuvola.eu/

CHEN LI - RESPIRO
2023-09-13 08:00 - 17:00
RESPIRO
Mostra personale di Chen Li

14 settembre – 20 ottobre 2023
Inaugurazione 14 settembre ore 18/23
In occasione di Ouverture – TAG Torino Art Galleries

RESPIRO è il titolo della mostra personale della giovane pittrice Chen Li (Pechino, 1988) che CRAG Gallery presenterà dal 14 settembre al 20 ottobre 2023 nella sede di via Parma 66D, in continuità con il programma di promozione di giovani artisti.
In mostra un nuovo ciclo di opere e a far da protagonisti saranno una selezione di dittici, realizzati in un lungo periodo di ricerca e di isolamento. E’ il risultato di un percorso, di un’intensa introspezione in un momento fondamentale della sua vita e della crescita come artista.
All’interno di sé Chen Li ha ricercato la chiave per realizzare le opere e, di riflesso, nei propri lavori ha ritrovato se stessa. Non è una circostanza scontata, ma risultato di uno sforzo che si divincola tra concentrazione, entusiasmo, sfida, sperimentazione, sofferenza e rinascita.
Chen ha iniziato un nuovo respiro in cui energia e positività sfociano in opere con un focus sul rapporto con la natura, un ritorno alla vita che è al tempo stesso speranza e promessa. La dimensione più paesaggistica e figurativa della rappresentazione dipende essenzialmente dalla necessità dell’artista di riconnettere la sua interiorità a ciò che la circonda, mentre quella più astratta è legata al suo mondo interiore.
Si compenetrano elementi antropomorfi, vegetali e floreali, tipici della cifra stilistica dell’artista. Ogni dettaglio della composizione corrisponde ad un elemento che l’artista ha fotografato, visto realmente o immaginato, in una rielaborazione che non lascia spazio alla casualità, nonostante l’apparente atmosfera fluttuante e misteriosa.
Dipingere diventa quindi oscillare continuamente in direzione di questi due poli, alla ricerca di un equilibrio, di una dicotomia necessaria.
In una costante sollecitazione da parte del mondo esterno, in particolare attraverso i social, il lavoro di Chen Li ed il suo rigore rappresentano invece la ricerca dell’arcano, quell’entrare viscerale senza distrazione per fluttuare tra spazi decontestualizzati.
La molteplicità di circostanze diventa avvolgente anche per l’osservatore, che gradualmente unisce il ritmo del proprio respiro a quello delle rappresentazioni di Chen Li, entrando così in sintonia con l’artista.

link alle opere https://cragallery.com/artists/chen-li/

BREATH
Chen Li’s solo exhibition
(Beijing, 1988)
14 September – 20 October 2023
Inauguration 14 September at 6pm/11pm
On the occasion of Overture – TAG Torino Art Galleries
CRAG GALLERY
VIA PARMA 66D – TURIN
RESPIRO is the title of the solo exhibition by the young painter Chen Li (Beijing, 1988) that CRAG Gallery will present from 14 September to 20 October 2023 at its headquarters in via Parma 66D, in continuity with the program of promoting young artists.
A new cycle of works will be on display and the protagonists will be a selection of diptychs, created during a long period of research and isolation. It is the result of a journey, of intense introspection in a fundamental moment of her life and of her growth as an artist.
Chen Li searched within himself for the key to creating her works and, consequently, in her own works she found herself. It is not an obvious circumstance, but the result of an effort that wriggles between concentration, enthusiasm, challenge, experimentation, suffering and rebirth.
Chen has begun a new breath in which energy and positivity flow into works with a focus on the relationship with nature, a return to life that is both hope and promise. The more landscape and figurative dimension of the representation essentially depends on the artist’s need to reconnect her interiority to what surrounds her, while the more abstract one is linked to her inner world.
Anthropomorphic, vegetal and floral elements interpenetrate, typical of the artist’s stylistic signature. Every detail of the composition corresponds to an element that the artist photographed, actually saw or imagined, in a reworking that leaves no room for randomness, despite the apparent fluctuating and mysterious atmosphere.
Painting therefore becomes continually oscillating in the direction of these two poles, in search of a balance, of a necessary dichotomy.
In constant solicitation from the outside world, particularly through social media, Chen Li’s work and her rigor instead represent the search for the arcane, that visceral entry without distraction to float between decontextualized spaces.
The multiplicity of circumstances also becomes enveloping for the observer, who gradually unites the rhythm of his own breathing with that of Chen Li’s representations, thus entering into harmony with the artist.

ART VERONA 2023
2023-10-12 08:00 - 17:00
CRAG GALLERY is pleased to partecipate at ARTVERONA 2023 with the artist Luca Coser, Roger Coll and Giacomo Modolo.
You’ll find us at Pavillion 12 – Stand L4.

Autocensura - Artist Residencies Show 23
2023-10-26 08:00 - 2023-12-02 17:00
Autocensura
Residenze d’artista 2023 – Mostra conclusiva
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 ottobre – 2 dicembre 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TORINO
Mostra aperta ogni giorno su appuntamento
Dopo le residenze di luglio ed agosto, in occasione delle quali Crag si è trasformata in atelier, la galleria è ora lieta di presentare al pubblico dal 27 ottobre al 2 dicembre, ed in particolare in occasione dell’Art week torinese, le opere realizzate dagli artisti Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova e Giacomo Modolo.
Gli artisti sono stati invitati a riflettere sul tema dell’AUTOCENSURA, a partire dal dialogo con Alessandro Chetta, giornalista, poliedrico creativo e autore del libro “Non sia mai detto! Discorso sull’autocensura (arte, politica, maternità)” edito da Aras Edizioni.
La Galleria ha posto l’urgenza della riflessione sul tema e gli artisti si sono espressi attraverso la pittura, il cucito, l’installazione, confrontandosi tra di loro ed interagendo e contaminandosi. Ognuno ha approfondito la tematica dell’autocensura in relazione al proprio lavoro, alla propria identità ed alla percezione personale del ruolo dell’artista nel sistema dell’arte.
“Le residenze d’artista sono un’occasione importante per gli artisti: da una parte ci sono motivazioni pratiche come la possibilità per artisti molto giovani come Elisabetta Mariuzzo e Lucia Kralikova di confrontarsi con altri artisti emergenti, Giacomo Modolo e Oscar Rojas Contreras, ma con quasi dieci anni di esperienza in più, e dall’altra attraverso la residenza è possibile anche uno scambio culturale tra nazionalità diverse.”
Alessandro Chetta “Dalla cancel culture, il movimento di opinione che vorrebbe rimodulare temi classici, la cultura della cancellazione per rispondere a nuovi dettami morali, si passa all’auto cancel culture. Con questo termine si indica il comportamento di chi viene convinto dagli influencer, per esempio, a fare o a dire qualcosa che non si vuole realmente fare o dire. In una dimensione di convivenza civile l’auto censura è una forma di buon senso, ma quando colpisce la creazione artistica non è accettabile. Nel Novecento e nei secoli precedenti colui che veniva definito eretico andava contro lo Stato o la religione: un esempio può essere Pierpaolo Pasolini. Mentre nel passato, quindi, qualsiasi cosa poteva creare scandalo, ai giorni nostri il nemico é impalpabile. Ora il laicismo ha molta presa sul mondo rispetto alla religione, sui social si dibatte di temi sociali, quali il razzismo o la questione LGBT, e ciò fa sì che l’autocensura sia ovunque e ovunque si può fare del male a qualcuno. Per quanto riguarda la figura dell’artista, egli, autocensurandosi, momentaneamente può ottenere successo, ma in seguito non avrà la possibilità di eternarsi.”
La Galleria anch’essa prende posizione e non si autocensura ma decide di sostenere artisti giovani e giovanissimi, in un complesso e costante lavoro di incoraggiamento e formazione.
Il lavoro di Lucia Kralikova (Rep.Ceca, 1998) è influenzato dalla esperienza pregressa della famiglia essendo cresciuta con i genitori che hanno sofferto la censura assoluta e l’impossibilità di esprimersi liberamente durante il regime del comunismo: Lucia vuole al contrario ritenersi libera da qualsiasi forma di limitazione. Attraverso il cucito e la pittura esprime la sua libertà, toccando in particolare il tema della nudità e della sessualità.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) si autocensura dipingendo in particolare sopra ad opere realizzate negli anni passati e che non gli appartengono più: affronta il tema dei disagi legati alla autocensura sia con riferimento all’individualità ma anche rispetto al rapporto con la collettività, alla educazione ed alla reale conoscenza nella trattazione di determinate tematiche. Giacomo costantemente riporta immagini ambigue e non dichiarate, come fosse un osservatore del mondo.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) ha realizzato opere secondo una nuova chiave stilistica, fortemente personali e legate alla figura umana. L’artista seppur giovane, è dotata di un forte senso critico, legato al proprio lavoro ed al sistema dell’arte, e riflettendo sul rapporto artista e pubblico, parla di un “senso etico che andrebbe condiviso” portando avanti una ricerca sentita, senza aderire ad una tendenza per essere accettati.
In ultimo Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) da sempre porta avanti una sua personale ricerca nella quale le immagini della spiritualità messicana e dell’arte antica dei grandi maestri si mescolano dando vita ad una sua nuova visione, fuori dagli schemi, molto personale, ancor prima delle mode.

La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento.
3-4-5 novembre ore 10/12 Colazioni con l’arte TAG COFFEE BREAKFAST organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in collaborazione con Lavazza

Sabato 4 novembre ore 18/23 Notte Bianca delle Arti Contemporanee organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in Fondazione CRT per l’Arte

Sabato 11 novembre ore 10 colazione in galleria e talk con il giornalista Alessandro Chetta

Autocensura
Artist residencies 2023 – Final show
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 October – 2 December 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TURIN
Exhibition open every day by appointment
After the residencies in July and August, during which Crag was transformed into an atelier, the gallery is now pleased to present to the public from 27 October to 2 December, and in particular on the occasion of the Turin Art Week, the works created by artists Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova and Giacomo Modolo.
The artists were invited to reflect on the theme of SELF-CENSORSHIP, starting from the dialogue with Alessandro Chetta, journalist, creative polymath and author of the book “Never say it! Discourse on self-censorship (art, politics, motherhood)” published by Aras Edizioni.
The Gallery placed the urgency of reflection on the theme and the artists expressed themselves through painting, sewing, installation, comparing themselves with each other and interacting and contaminating each other. Everyone explored the topic of self-censorship in relation to their work, their identity and their personal perception of the artist’s role in the art system.
“Artist residencies are an important opportunity for artists: on the one hand there are practical reasons such as the possibility for very young artists such as Elisabetta Mariuzzo and Lucia Kralikova to compare themselves with other emerging artists, Giacomo Modolo and Oscar Rojas Contreras, but with almost ten more years of experience, and on the other hand, through residency, a cultural exchange between different nationalities is also possible.”
Alessandro Chetta “From cancel culture, the movement of opinion that would like to reshape classic themes, the culture of cancellation to respond to new moral dictates, we move on to auto cancel culture. This term indicates the behavior of those who are convinced by influencers, for example, to do or say something that they don’t really want to do or say. In a dimension of civil coexistence, self-censorship is a form of common sense, but when it affects artistic creation it is not acceptable. In the twentieth century and in previous centuries, anyone who was defined as a heretic went against the State or religion: an example would be Pierpaolo Pasolini. While in the past, therefore, anything could create scandal, nowadays the enemy is impalpable. Now secularism has a greater grip on the world than religion, social issues are debated on social media, such as racism or the LGBT issue, and this means that self-censorship is everywhere and wherever someone can be harmed. As regards the figure of the artist, he, by self-censoring, can temporarily obtain success, but subsequently will not have the possibility of eternalizing himself.”
The Gallery also takes a position and does not censor itself but decides to support young and very young artists, in a complex and constant work of encouragement and training.
The work of Lucia Kralikova (Czech Republic, 1998) is influenced by the family’s previous experience having grown up with parents who suffered absolute censorship and the impossibility of expressing themselves freely during the communist regime: Lucia, on the contrary, wants to consider herself free from any form of limitation. Through sewing and painting she expresses her freedom, touching in particular on the theme of nudity and sexuality.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) censors himself by painting in particular over works created in past years and which no longer belong to him: he addresses the theme of the inconveniences linked to self-censorship both with reference to individuality but also with respect to the relationship with the community, to education and real knowledge in the treatment of certain topics. Giacomo constantly reports ambiguous and unstated images, as if he were an observer of the world.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) has created works according to a new stylistic key, highly personal and linked to the human figure. The artist, although young, is endowed with a strong critical sense, linked to her work and the art system, and reflecting on the relationship between artist and public, she speaks of an “ethical sense that should be shared” by carrying out heartfelt research, without join a trend to be accepted.
Lastly, Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) has always carried out his personal research in which the images of Mexican spirituality and the ancient art of the great masters mix, giving life to his new vision, outside the box, very personal , even before fashions.
– The exhibition will be open every day by appointment.
– 3-4-5 November 10/12 am Breakfasts with art TAG COFFEE BREAKFAST organized by
TAG – Torino Art Galleries in collaboration with Lavazza
– Saturday 4 November 6pm/11pm White Night of Contemporary Arts organized by
TAG – Torino Art Galleries in the CRT Foundation for Art
– Saturday 11 November at 10am breakfast in the gallery and talk with the journalist Alessandro Chetta

DIALOGUES
2024-02-24 08:00 - 17:00
Crag Gallery, via Parma 66/D, Torino 29 febbraio – 8 marzo 2024
Dialogues – Una mostra collettiva della community IAAD. a cura di Lucrezia Nardi

“Dialogues” è la prima mostra collettiva degli artisti provenienti dalla community IAAD. selezionati attraverso un processo di open call all’interno dell’Istituto, organizzata da IAAD. – Istituto d’Arte Applicata e Design, in collaborazione con CRAG – Chiono Reisova Art Gallery e curata da Lucrezia Nardi.
Ogni anno, IAAD. sceglie un valore specifico come catalizzatore per opere e progetti artistici. Quest’anno, la tematica proposta è il dialogo, diventando così una esplorazione condivisa da parte degli artisti emergenti che hanno lavorato nell’interstizio tra arte e design, proponendo una lettura personale e innovativa della tematica attraverso installazioni, video e progetti fotografici. Partendo dal loro background come designer, gli artisti escono dal contesto tradizionale per immergersi in quello dell’arte contemporanea.
Gli artisti selezionati sono: Chiara Vivalda (2002), che presenta la video proiezione “Connessioni – Small Talks”, un dialogo intimo con una grammatica visiva di tagli e sovrapposizioni, campi lunghi e immagini quotidiane che evocano la poesia delle chiacchiere estemporanee tra amiche. Claudia Nobile (2002) propone un progetto installativo dialettico ed ironico chiamato “Pensavo Tipo”, una descrizione leggera ma attenta dei dubbi di un certo stadio dell’esistenza, quello dei momenti di passaggio. Alessandro Gioia (2000), che ha tradotto il tema del dialogo in un’esplorazione sulla censura e la società dell’immagine con “Censored”, dove i pixel della censura nascondono la facile reperibilità delle stesse immagini nel nostro tempo digitale. Nicolò Ricci (2001), espone tre scatti del progetto “Breccia”, ingranditi e stressati attraverso un processo di stampa scultorea per enfatizzare il dialogo estetico tra le costruzioni architettoniche e il naturale costituito dal cielo. A seguito delle valutazioni della giuria e dell’alta qualità dei progetti, CRAG Gallery ha voluto attribuire due menzioni speciali ai seguenti artisti: Marta Maiolo (2001) con

il progetto di mixed media – collage e fotografia – “I stand perfectly still to avoid detection”, un lavoro sul tema dell’io e dell’altro, esplorando l’ipotesi di un dialogo che è, di fatto, un incontro. Giovanni Migliorucci (2002), con la video installazione interattiva “Stage”, che unisce la tecnologia del touch design a una restituzione tramite un tubo catodico, mostrando un ecosistema che si modifica attraverso l’interazione esterna.
Il processo di selezione dei 6 artisti è stato supportato e condiviso dai membri della giuria di valutazione composta da Alessandro Colombo, direttore generale AD Education Italia; Marco Rainò, direttore artistico e direttore strategico Dipartimento Interior Design IAAD.; Elisabetta Chiono e Karin Reisova, direttrici di Crag Gallery.

Chiara Vivalda – video frame
immagine in copertina Nicolo’ Ricci

Dialogues – A collective exhibition of the IAAD community. edited by Lucrezia Nardi
“Dialogues” is the first collective exhibition of artists from the IAAD community. selected through an open call process within the Institute, organized by IAAD. – Institute of Applied Art and Design, in collaboration with CRAG – Chiono Reisova Art Gallery and curated by Lucrezia Nardi.
Every year, IAAD. chooses a specific value as a catalyst for artistic works and projects. This year, the proposed theme is dialogue, thus becoming a shared exploration by emerging artists who have worked in the interstice between art and design, proposing a personal and innovative reading of the theme through installations, videos and photographic projects. Starting from their background as designers, the artists leave the traditional context to immerse themselves in that of contemporary art.
The selected artists are: Chiara Vivalda (2002), who presents the video projection “Connessioni – Small Talks”, an intimate dialogue with a visual grammar of cuts and superpositions, long shots and everyday images that evoke the poetry of impromptu chats between friends. Claudia Nobile (2002) proposes a dialectical and ironic installation project called ” Penso Tipo “, a light but careful description of the doubts of a certain stage of existence, that of moments of transition. Alessandro Gioia (2000), who translated the theme of dialogue into an exploration of censorship and the society of images with “Censored”, where the pixels of censorship hide the easy availability of the same images in our digital time. Nicolò Ricci (2001), exhibits three shots of the “Breccia” project, enlarged and stressed through a sculptural printing process to emphasize the aesthetic dialogue between the architectural constructions and the natural world constituted by the sky. Following the jury’s evaluations and the high quality of the projects, CRAG Gallery wanted to award two special mentions to the following artists: Marta Maiolo (2001) with
the mixed media project – collage and photography – “I stand perfectly still to avoid detection”, a work on the theme of the self and the other, exploring the hypothesis of a dialogue which is, in fact, an encounter. Giovanni Migliorucci (2002), with the interactive video installation “Stage”, which combines touch design technology with restitution via a cathode ray tube, showing an ecosystem that changes through external interaction.
The selection process of the 6 artists was supported and shared by the members of the evaluation jury composed of Alessandro Colombo, general director of AD Education Italia; Marco Rainò, artistic director and strategic director of the IAAD Interior Design Department; Elisabetta Chiono and Karin Reisova, directors of Crag Gallery.

Jiri Hauschka - Postcard from Infinity
2024-03-14 08:00 - 17:00
POSTCARD FROM INFINITY
Mostra personale di Jiri Hauschka
Testo di Martin Dostal
14 marzo – 20 aprile 2024
Inaugurazione giovedì 14 marzo h. 17/21
L’artista sarà presente
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra personale “Postcard from Infinity” dell’artista Jiri Hauschka (Rep.Ceca, 1965) in occasione della quale verrà presentato un nuovo ciclo pittorico dal 14 marzo al 20 aprile nella sede di via Parma 66D.
Il percorso artistico di Hauschka vede negli anni un costante sguardo rivolto ai grandi pittori della contemporaneità, come Peter Doig e Daniel Richter, ai quali si ispira con la propria narrazione pittorica e sensibilità collegando la tradizione della pittura ceca, dell’espressionismo dell’Europa Centrale profondamente radicata nei dipinti della Germania, Austria e Repubblica Ceca già all’inizio del 20° secolo, con il contesto artistico internazionale. Il suo stile è stato profondamente influenzato dall’esperienza londinese degli anni 2005-6 dalla quale è derivata la sua appartenenza al movimento Stuckist e nel 2020 l’editore Thames and Hudson nella pubblicazione World of art series – Movements in Art since 1945, ha inserito Hauschka come artista rappresentativo della scena dell’arte internazionale.
La sua ricerca è caratterizzata dalla presenza costante di una natura selvaggia delle foreste del centro Europa e in particolare della Moravia. La rappresentazione che ne scaturisce, attraverso l’uso del colore, è tesa al limite tra la pittura astratta e figurativa. Ciò che lo circonda viene rappresentato in forme astratte pulsanti con una carica interna intensa e la sua pittura così intrisa di energia esprime in modo tangibile gli stati d’animo lontani e intoccabili delle figure.
In questa mostra, Hauschka ha esplorato nuovi paesaggi, a seguito di una residenza invernale nel sud della Francia, luogo d’ispirazione dei grandi maestri. L’artista è entrato in contatto con inaspettati e incessanti nuovi colori, profumi, luoghi, persone e incontri. Ciò che caratterizza i suoi dipinti resta: i colori simbolici, la forma fluida delle figure, i contorni chiari e il senso della composizione.
Come scrive Martin Dostal, autore del testo di accompagnamento della mostra, “Ogni pittore si entusiasma per qualcosa di diverso, qualcosa di proprio. Jiri Hauschka era affascinato dalle rocce rosso-arancio, che crollano nell’oscurità del mare azzurro, quando la luce è intangibile, strana, neutra, indeterminata. Ogni pittore è alla ricerca di qualcosa di proprio, soprattutto la luce. Nessuno è irreprensibile e siamo tutti innocenti. Basta aprirsi alle situazioni, per quanto inaspettate, strane, bizzarre, inusuali; situazioni in cui le scene diventano storie, storie possibili che non si possono raccontare, si possono solo dipingere. I dipinti di Jiri Hauschka sono una raccolta di sentori di storie possibili nell’infinito del sole, dei colori e della terra a cui nessuno, quasi nessuno, può resistere. L’artista ha dipinto una presenza vissuta e viva, una mescolanza meravigliosamente inquieta di sentimenti e suggestioni, quando già era catturato e intrappolato dalla pittura nel suo infinito ritorno, che si apre all’infinito della pittura“.
La Galleria è entusiasta di inaugurare questa mostra, credendo fortemente nella autenticità della ricerca di Jiri Hauschka, che è in grado di unire nelle sue tele la propria forte sensibilità verso l’esistenza, verso ciò che circonda l’essere umano, e la capacità di trasmettere questa sua visione “alta” allo spettatore, con una resa potente e genuina al tempo stesso.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

POSTCARD FROM INFINITY
Solo show by Jiri Hauschka
Text by Martin Dostal
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
14 March – 20 April 2024
Opening Thursday 14 March h. 17/21
The artist will be present
CRAG Gallery is pleased to open the solo show “Postcard from Infinity” by the artist Jiri Hauschka (Czech Republic, 1965) on the occasion of which a new pictorial cycle will be presented from 14 March to 20 April.
Over the years, Hauschka’s artistic career has seen a constant look towards the great contemporary painters, such as Peter Doig and Daniel Richter, from whom he draws inspiration with his own pictorial narrative and sensitivity, connecting the tradition of Czech painting and Central European expressionism. He was deeply rooted in the paintings of Germany, Austria and the Czech Republic already at the beginning of the 20th century, with the international artistic context. His style was profoundly influenced by the London experience of the years 2005-6 from which his belonging to the Stuckist movement derived and in 2020 the publisher Thames and Hudson in the publication World of art series – Movements in Art since 1945, included Hauschka as a representative artist of the international art scene.
His research is characterized by the constant presence of the wild nature of the forests of central Europe and in particular of Moravia. The resulting representation, through the use of color, is aimed at the limit between abstract and figurative painting. What surrounds him is represented in pulsating abstract forms with an intense internal charge and his painting, so imbued with energy, tangibly expresses the distant and untouchable moods of the figures.
In this exhibition, Hauschka explored new landscapes, following a winter residency in the south of France, a place of inspiration for the great masters. The artist came into contact with unexpected and incessant new colours, scents, places, people and encounters. What characterizes his paintings remains: the symbolic colors, the fluid shape of the figures, the clear contours and the sense of composition.
As Martin Dostal, author of the text accompanying the exhibition, writes, “Every painter gets excited about something different, something of his own. Jiri Hauschka was fascinated by the red-orange rocks, which collapse into the darkness of the blue sea, when the light is intangible, strange, neutral, indeterminate. Every painter is looking for something of his own, especially light. No one is blameless and we are all innocent. Just open yourself up to situations, however unexpected, strange, bizarre, unusual; situations in which scenes become stories, possible stories that cannot be told, they can only be painted. Jiri Hauschka’s paintings are a collection of hints of possible stories in the infinity of the sun, colors and earth that no one, almost no one, can resist. The artist painted a lived and living presence, a wonderfully restless mixture of feelings and suggestions, when he was already captured and trapped by painting in his infinite return, which opens up to the infinity of painting.”
The Gallery is enthusiastic to inaugurate this exhibition, strongly believing in the authenticity of Jiri Hauschka’s research, who is able to combine in his canvases his strong sensitivity towards existence, towards what surrounds the human being, and the ability to transmit this “high” vision of his to the spectator, with a powerful and genuine rendering at the same time.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

THE PHAIR 2024
2024-05-01 08:00 - 17:00

KALEIDO_SKOPIO - Alessandro FABBRIS & ROGER COLL
2024-05-07 08:00 - 2024-06-14 17:00
MOSTRA PROROGATA AL 14 GIUGNO

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
9 maggio – 14 giugno 2024
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra “Kaleido_Skopio”, bipersonale degli artisti Alessandro Fabbris (Torino, 1977) e Roger Coll (Vic, 1979) in occasione del mese della fotografia torinese.
La Galleria accoglie da una parte le fotografie del torinese Fabbris, con la presentazione di due nuovi cicli di opere realizzati dal 2023 ad oggi e anticipati alla fiera The Phair – 2024, in dialogo con le delicate sculture dello spagnolo Roger Coll.
La mostra Kaleido_Skopio risulta infatti essere una multiforme e multicolore intesa tra le opere in esposizione che, come ci suggerisce il titolo stesso, unisce bellezza, forma e osservazione in continuo cambiamento, favorendo l’immaginazione dell’osservatore.
In mostra si alternano le fotografie della serie Superfici, composta da fotografie di superfici colorate sulle quali vengono proiettate luci con temperatura e colore diversa ed ove l’oggetto viene fotografato più volte sullo stesso fotogramma digitale, utilizzando tempi lunghi di esposizione e movimenti ortogonali, quasi a simulare una scansione (che richiama i precedenti lavori dell’artista.) In altre opere delle serie quali light #01,light #02, light #03 il soggetto catturato è la luce stessa proiettata direttamente sulla superficie dello scanner piano tramite mascherature e riflessi. Ne derivano opere che risultano stare al limite tra il fotografico ed il pittorico.In ultimo troviamo la nuova serie Riempimento generativo che parte dalla elaborazione digitale di foto di still Life e l’uso dell’I.A. Estrapolando dallo scatto originale alcuni riflessi di luce sulla superficie dell’acqua o sulle ombre proiettate sul piano d’appoggio è stato chiesto al software di elaborazione dell’immagine di generare un riempimento delle parti mancanti basandosi sulla I.A. La costituzione dell’opera come trittico è la risultante delle tre opzioni generative che la I.A. ha fornito.
Tra le immagini fotografiche troviamo a cadenza le opere dello scultore spagnolo Roger Coll, già presentato al pubblico torinese nella sua mostra personale dello scorso anno. Nuove sculture in ceramica, in continuità con la precedente ricerca, dialogano con le fotografie, emergendo in tutta la loro delicata forma, risultato di una sapiente tecnica nella realizzazione. Roger Coll con le sue sculture dà vita a una narrazione di forme e colori che dialogano con lo spazio e con le immagini fotografiche e conferiscono una fluidità percettibile di energia e suggestione.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
9 May – 14 June 2024
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the exhibition “Kaleido_Skopio”, a bi personale exhibition by artists Alessandro Fabbris (Turin, 1977) and Roger Coll (Vic, 1979) on the occasion of Turin photography month.
The Gallery welcomes on one hand the photographs of the Turin-based Fabbris, with the presentation of two new cycles of works created from 2023 to today and anticipated at The Phair – 2024 fair, in dialogue with the delicate sculptures of the Spanish Roger Coll.
The Kaleido_Skopio exhibition is in fact a multifaceted and multicolored understanding of the works on display which, as the title itself suggests, combines beauty, form and constantly changing observation, encouraging the imagination of the observer.
The exhibition alternates with photographs from the Superfici series, composed of photographs of colored surfaces on which lights with different temperatures and colors are projected and where the object is photographed several times on the same digital frame, using long exposure times and orthogonal movements, almost to simulate a scan (which recalls the artist’s previous works.) In other works from the series such as light #01, light #02, light #03 the captured subject is the light itself projected directly onto the surface of the flatbed scanner through masking and reflections . The result is works that appear to be on the border between the photographic and the pictorial. Lastly we find the new series Generative Filling which starts from the digital processing of still life photos and the use of AI. By extrapolating from the original shot some light reflections on the surface of the water or on the shadows projected on the support surface, the image processing software was asked to generate a filling of the missing parts based on the AI. The constitution of the work as a triptych is the result of the three generative options that the I.A. It has provided.
Among the photographic images we periodically find the works of the Spanish sculptor Roger Coll, already presented to the Turin public in his personal exhibition last year. New ceramic sculptures, in continuity with previous research, dialogue with the photographs, emerging in all their delicate form, the result of a skilful technique in their creation. Roger Coll with his sculptures gives life to a narrative of shapes and colors that dialogue with space and photographic images and confer a perceptible fluidity of energy and suggestion.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

STAR ROSE
2024-05-28 08:00 - 2024-06-30 17:00
STAR/ROSE
Mostra collettiva
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

Mostra realizzata a
Casa Toesca
Via Ivrea 42
Rivarolo C.se (Torino)

1 giugno – 30 giugno 2024
Inaugurazione sabato 1 giugno h. 16/20

STAR ROSE
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra collettiva “STAR/ROSE” nello spazio di Casa Toesca a Rivarolo Canavese, dal 1 al 30 giugno 2024.
Maggio è dedicato alle rose. Le giornate si allungano, il clima è più caldo, è il momento della rifioritura, per noi che torniamo a passeggiare nei parchi, per l’arte che riaccoglie la spinta ottimistica della “bella stagione” e per le rose che raggiungono il loro massimo splendore in questo periodo dell’anno.
Gli artisti Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll e Giuliano Sale dialogano attraverso la loro poetica sui simbolismi, allegorie, miti e significati che ruotano attorno alla rosa, nella storia dell’arte ma non solo. Sono artisti con origini diverse che hanno declinato questo tema con la sensibilità e background personale di ognuno di essi – quest’ultima è una tematica molto a cuore per CRAG Gallery, che da anni si impegna a instaurare dialoghi tra diversi paesi, dando opportunità ad artisti emergenti e più affermati di confrontarsi.
La rosa, nella sua storia secolare e nell’arte, ha sempre avuto una simbologia complessa poiché racchiude in sé semantiche totalmente contrastanti. È simbolo di amore, perfezione, purezza, passione, vita e morte e assume significati differenti a seconda del contesto, del colore e delle spine.
La rosa rossa la vediamo nascere dal sangue e dalle lacrime dell’inconsolabile Afrodite di fronte alla morte dell’amato Adone. Mito in cui la rosa assume il significato dell’amore passionale, sofferto, tanto potente da vincere la morte. La troviamo in molte fiabe come simbolo della stessa vita umana, quella terrena che dallo splendore arriva al decadimento, e quella successiva in cui è portatrice di nuova vita e resurrezione come nuova opportunità per amare. Nella fiaba de La Bella e La Bestia – che non a caso nasce dal racconto di Amore e Psiche – la rosa sembra svolgere il ruolo di un orologio vitale che sta per scadere e che, di nuovo, può sfidare la morte e la maledizione solo con la forza del vero amore.
Da sempre accompagna il gesto d’amore del dono: si porge una rosa per donare il proprio amore. Tuttavia, in passato, è stata anche simbolo di segretezza, quando, sotto forma di sigillo, veniva inserita in dettagli di chiese, confessionali, congregazioni; la locuzione latina sub–rosa significava appunto una confidenza fatta in assoluta segretezza. Nella tradizione e nelle icone cristiane è spesso allegoria di paradiso, purezza, di un grembo fertile ma puro, della stessa Vergine Maria, ma al tempo stesso la ritroviamo come corona dei martiri, portatrice di dolore e simbolo dei sacrifici fatti in nome della fede. Per i marinai, invece, è la guida verso nuove mete, l’avventura, la scoperta – che a sua volta è il movimento verso la conoscenza, il viaggio di Colombo, l’età moderna – ma anche la bussola che li riaccompagna verso il porto sicuro di casa. La ritroviamo, dunque, in tutta la storia dell’arte, la letteratura, la poesia, in questo eterno discorso emozionale che lega arte e vita, arte e amore, il godimento emotivo dell’atto artistico che fa bene, a volta male, al cuore. Continua ad essere portatrice di questi valori anche nell’arte contemporanea.
Pensiamo alla famosa performance di Gina Pane in cui, usando il suo corpo come catalizzatore delle esperienze della vita, assegna alla rosa il compito di infliggere dolore al corpo di donna costretta nel suo stereotipato ruolo di moglie, mamma, casalinga, quindi rimettendo in scena una sorta di martirio personale e al tempo stesso condiviso, o pensiamo alla forza dirompente del fiore usato come arma per distruggere i vetri delle macchine, e simbolicamente come arma femminista, in Ever is over all dell’artista Pipilotti Rist.
E’ infine, con un semplice pensiero tratto da Il Piccolo Principe sull’importanza di questo fiore “È il tempo che hai perduto per la tua rosa che ha fatto la tua rosa così importante” – di Antoine de Saint-Exupéry, che lasciamo alle opere in mostra il compito di toccare le corde sensibili.

La mostra è realizzata con la partnership di “Palazzo Rosa – Le stanze della Cosmetica”.

Orari di mostra:
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

STAR ROSE
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the collective exhibition “STAR/ROSE” in the Casa Toesca space in Rivarolo Canavese, from 1 to 30 June 2024.
May is dedicated to roses. The days are getting longer, the climate is warmer, it’s time for flowering again, for us who go back to walking in the parks, for the art that welcomes back the optimistic push of the “good season” and for the roses that reach their maximum splendor this time of year.
The artists Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll and Giuliano Sale dialogue through their poetics on the symbolisms, allegories, myths and meanings that revolve around the rose, in the history of art but not only. They are artists with different origins who have expressed this theme with the sensitivity and personal background of each of them – the latter is a topic very close to the heart of CRAG Gallery, which for years has been committed to establishing dialogues between different countries, giving opportunities to artists emerging and more established to compete.
The rose, in its centuries-old history and in art, has always had a complex symbolism as it embodies totally contrasting semantics. It is a symbol of love, perfection, purity, passion, life and death and takes on different meanings depending on the context, color and thorns.
We see the red rose born from the blood and tears of the inconsolable Aphrodite faced with the death of her beloved Adonis. Myth in which the rose takes on the meaning of passionate, suffered love, so powerful as to conquer death. We find it in many fairy tales as a symbol of human life itself, the earthly one that goes from splendor to decay, and the subsequent one in which it is the bearer of new life and resurrection as a new opportunity to love. In the fairy tale of Beauty and the Beast – which not surprisingly originates from the story of Cupid and Psyche – the rose seems to play the role of a vital clock that is about to expire and which, again, can challenge death and the curse only with the strength of true love.
It has always accompanied the loving gesture of giving: you offer a rose to give your love. However, in the past, it was also a symbol of secrecy, when, in the form of a seal, it was inserted into details of churches, confessionals, congregations; the Latin phrase sub-rosa meant a confidence made in absolute secrecy. In Christian tradition and icons it is often an allegory of paradise, purity, of a fertile but pure womb, of the Virgin Mary herself, but at the same time we find her as the crown of the martyrs, bearer of pain and symbol of the sacrifices made in the name of faith. For sailors, however, it is the guide towards new destinations, adventure, discovery – which in turn is the movement towards knowledge, Columbus’ voyage, the modern age – but also the compass that accompanies them back towards the safe haven of home. We find it, therefore, throughout the history of art, literature, poetry, in this eternal emotional discourse that links art and life, art and love, the emotional enjoyment of the artistic act that is good, sometimes bad, for Heart. She continues to be the bearer of these values ​​also in contemporary art.
Let us think of Gina Pane’s famous performance in which, using her body as a catalyst for life’s experiences, she assigns the rose the task of inflicting pain on the body of a woman forced into her stereotyped role as wife, mother, housewife, therefore re-enacting a a sort of personal and at the same time shared martyrdom, or we think of the explosive force of the flower used as a weapon to destroy car windows, and symbolically as a feminist weapon, in Ever is over all by the artist Pipilotti Rist.
It is finally, with a simple thought taken from The Little Prince on the importance of this flower “It is the time you have lost for your rose that has made your rose so important” – by Antoine de Saint-Exupéry, that we leave to works on display have the task of touching sensitive chords.
The exhibition is organized with the partnership of “Palazzo Rosa – Le Stanze della Cosmetica”.
Exhibition times:
Saturday and Sunday all day by appointment
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GIACOMO MODOLO - THE LIGHTS OF SINNERS
2024-09-17 08:00 - 17:00
THE LIGHTS OF SINNERS
Mostra personale di Giacomo Modolo

19 settembre – 18 ottobre 2024
Inaugurazione 19 settembre ore 16/23
CRAG GALLERY – VIA PARMA 66D – TORINO
Crag Gallery apre la stagione autunnale della sua sede di via Parma 66D a Torino, con la mostra personale di Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) dal titolo “The Lights of Sinners”, dal 19 settembre al 18 ottobre 2024.
Il nuovo ciclo di dipinti definisce un vero e proprio racconto che nasce da immagini fotografiche scattate in parte dall’artista, altre di repertorio e archiviate, tra cui copertine di dischi, internet, riviste, talvolta anche unite, per poi essere successivamente reinterpretate e rese proprie attraverso la pittura. A partire dall’opera guida “Shaman”, l’oracolo, il discorso dell’artista si ricompone rispetto ai precedenti lavori, con una nuova ma riconoscibile ricerca, legata al suo recente passato che si ripercuote sul presente, in una continua tensione ed interpretazione del “crudo vedere e sentire”.
Cosa sono queste luci? “Sono i bagliori che si consumano all’alba, sono energie latenti di emozioni che si sono sprigionate e che diventano sempre più fioche al limite dell’oblio” come scrive il curatore Domenico Russo nel testo che accompagna la mostra “La superfice del quadro su cui avviene il racconto da sempre un po’ sofferto è il canale tra il pensiero e le persone, e si realizza nella parola pittorica che avvicina e unisce”. Per spiegare il lavoro di Giacomo Modolo è calzante il riferimento al pensiero di Mark Fisher per il quale la soggettività e l’intimità sono frammentate di fronte alla vita sociale. Non vi è gerarchia nelle immagini, le figure sembra si stacchino da una dimensione massmediale, con l’urgenza posta dall’artista sulla necessità di una condotta di vita più profonda e consapevole, dove l’ansia innescata dalla saturazione visiva e dal digitale possa essere ridotta. “Nella misura in cui Modolo mette in rapporto sé stesso con i fenomeni sociali, egli è un artista della corrente l’Altra Individualità” scrive Domenico Russo citando la corrente di pittura figurativa italiana.
Il lavoro di Giacomo Modolo con i suoi colori, il tratto del disegno che limita le scene raffigurate in frame dentro a cui calarsi in fretta per cogliere l’attimo della sensazione prima che ci scappi, è stato proposto dalla Galleria sin dalla sua apertura nelle mostre precedenti dell’artista. Ritornano ora nuovi lavori con con storie più mature tra i gialli fluo acidi, i blu e i verdi contrapposti ai colori della terra.
La mostra sarà il momento per generare nuove vibrazioni e confermare le emozioni e le immagini attese dal pubblico che segue il lavoro di Giacomo Modolo da anni.
L’inaugurazione sarà in occasione di OUVERTURE, apertura coordinata delle gallerie associate a TAG – Associazione Torino Art Galleries, giovedì 19 settembre dalle ore 16/23.
link to the artworks

Giacomo Modolo

THE LIGHTS OF SINNERS
Giacomo Modolo
solo show
September 19th – October 18th, 2024
Opening: September 19, 4/11 pm
CRAG GALLERY – VIA PARMA 66D – TURIN
Crag Gallery opens the autumn season with the solo show by Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) entitled “The Lights of Sinners”, from September 19th to October 18th, 2024.
The new cycle of paintings defines a real story that arises from photographic images taken in part by the artist, others from archives, including album covers, internet, magazines, sometimes even joined together, to then be subsequently reinterpreted and made his own through painting. Starting from the guiding artwork “Shaman”, the oracle, the artist’s discourse is recomposed compared to previous works, with a new but recognizable research, linked to his recent past that has repercussions on the present, in a continuous tension and interpretation of the “raw seeing and feeling”.
What are these lights? “They are the flashes that are consumed at dawn, they are latent energies of emotions that have been released and that become increasingly dimmer to the limit of oblivion” as the curator Domenico Russo writes in the text that accompanies the exhibition. “The surface of the painting on which the story, always a bit painful, takes place is the channel between thought and people, and is realized in the pictorial word that brings together and unites”. To explain Giacomo Modolo’s work, the reference to Mark Fisher’s thought is fitting, according to which subjectivity and intimacy are fragmented in the face of social life. There is no hierarchy in the images, the figures seem to detach themselves from a mass media dimension, with the urgency placed by the artist on the need for a deeper and more conscious conduct of life, where the anxiety triggered by visual saturation and digital can be reduced. “To the extent that Modolo relates himself to social phenomena, he is an artist of the Other Individuality movement” writes Domenico Russo citing the current of Italian figurative painting.
The work of Giacomo Modolo with his colors, the line of the drawing that limits the scenes depicted in frames within which to quickly dive to capture the moment of sensation before it escapes, has been proposed by the Gallery since its opening in the artist’s previous exhibitions. New works are now returning with more mature stories between acid fluorescent yellows, blues and greens contrasted with the colors of the earth.
The exhibition will be the moment to generate new vibrations and confirm the emotions and images expected by the public who have followed Giacomo Modolo’s work for years.
The opening will be on the occasion of OUVERTURE, coordinated opening of the galleries associated with TAG – Associazione Torino Art Galleries, Thursday 19 September from 4pm to 11pm.

Bea Sarrias - Dipingere lo spazio. Omaggio a Gio Ponti
2024-10-24 08:00 - 2024-11-28 17:00
DIPINGERE LO SPAZIO.
OMAGGIO A GIO PONTI
Mostra personale di Bea Sarrias
24 ottobre – 28 novembre 2024

Inaugurazione 24 ottobre ore 17/21
CRAG Gallery è lieta di presentare la prima mostra personale in Italia dell’artista spagnola Bea Sarrias (Barcellona, 1979) in occasione della Art Week Torinese con inaugurazione il 24 ottobre in via Parma 66D, Torino.
L’artista, interessata alla figurazione legata alla architettura moderna e contemporanea, esplora in questa mostra un filone dedicato alla figura dell’architetto Gio Ponti.
Gli spazi architettonici e la poetica del grande Architetto rivivono nei dipinti attraverso lo sguardo e l’interpretazione dell’artista. Il suo lavoro è concentrato sul catturare le luci e le atmosfere delle architetture.
E’ proprio la luce l’elemento chiave ci permette di “sentire” l’architettura, interpretandola emotivamente. Nei dipinti diventa infatti personaggio silenzioso che dà vita alle linee pure e moderne dell’architettura pontiana, catturando anche momenti effimeri. Troviamo la luce che sfiora una parete o il calore del pavimento illuminato dal sole pomeridiano o ancora la luce che dà movimento alla facciata esterna di una villa. Nei dipinti di Sarrias la luce non solo illumina, ma racconta una storia, la stessa storia che Ponti tratteggiava nei suoi edifici: una celebrazione della bellezza, della semplicità e della chiarezza. «Mi interessano la prospettiva, la composizione e, soprattutto, la luce. Per me l’architettura è uno strumento con cui dipingere la luce. La luce modella gli spazi e crea presenza. Con la luce cerco di catturare l’anima stessa degli spazi che dipingo.
Sarrias non dipinge edifici, ma crea piuttosto ritratti di spazi. Il suo lavoro è antropologico e consiste in ricerca, fotografia e persino video per documentare il passato e il presente degli edifici, suggerendo sottilmente la presenza, e talvolta l’assenza, dei loro abitanti. Le figure umane, infatti, non compaiono nei dipinti, se non raramente, ma Bea Sarrias riesce ad evocare le tracce delle presenze di chi ha creato e abitato i luoghi, crea inoltre una tensione tra gli interni e gli esterni.
L’artista trova nell’opera di Ponti forte stimolo per la realizzazione dei suoi dipinti, facendoci respirare tutta l’ecletticità e la sensibilità del maestro, pioniere dell’architettura moderna, conferendo ai quadri la matericità dell’architettura e la poetica della luce che la trasforma.
Gli iconici edifici di Gio Ponti, come Villa Planchart a Caracas e il famoso grattacielo Pirelli a Milano, sono progettati per interagire con la luce in modo dinamico, creando ombre e riflessi che trasformano gli spazi.
In sintesi, Bea Sarrias trova nel lavoro di Giò Ponti una risonanza artistica che va oltre la struttura e il design.
Una serie di opere in mostra è poi ispirata al pavimento Giallo Fantastico disegnato da Giò Ponti nel 1958 per il Museo Richard-Ginori e inserito nel Pirellone, composto da piastrelle nei toni del giallo e del nero che generano un disegno ondulato, creando un effetto visivo che simula il movimento dell’acqua. Ponti ha concepito questi pavimenti non solo come superficie funzionale, ma come un’opera d’arte all’interno dell’ambiente architettonico, giocando con la geometria per creare una sensazione di movimento e dinamismo sotto i piedi.
Bea Sarrias ha catturato con il suo pennello l’eleganza e l’ingegnosità di questi pavimenti geometrici, facendoli ulteriormente interagire con la luce e le ombre, rafforzando la profondità spaziale e l’atmosfera dell’ambiente. L’artista coglie la complessità delle forme e dei colori ideati da Ponti, ma lo fa da una prospettiva che mette in risalto la sua interazione con la luce. Attraverso la sua interpretazione, Sarrias non solo rende omaggio alla meticolosità del design di Ponti, ma mette in risalto anche la sua capacità di utilizzare la luce come risorsa espressiva. Nei suoi dipinti il ​​pavimento del palazzo Pirelli diventa parte essenziale del dialogo tra architettura, spazio e luce.
L’allestimento di mostra sarà inoltre arricchito proprio dal pavimento Giallo Fantastico con pattern che riproduce fedelmente l’originale, presentato da Rezina nel 2023 al Salone del Mobile.
Bea Sarrias ha esposto a New York, Oslo, Malmö (Svezia) e Bruxelles, ed è presente in varie collezioni come la Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
In occasione della mostra sarà presente l’artista e alcune sue opere saranno esposte durante la settimana di Artissima a The Others, nella nuova sede fieristica nell’ONU center di Torino.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promuove artisti emergenti e di metà carriera, in particolare pittori e scultori, sia italiani che stranieri, con attenzione alla ricerca figurativa. La Galleria ha sede nel centro di Torino dal 2016 ed è guidata da Elisabetta Chiono e Karin Reisovà. Elisabetta, avvocato specializzato in diritto dell’arte, ha deciso insieme a Karin di aprire la galleria per condividere il suo personale approccio e passione per l’arte e il collezionismo, in particolare per scoprire giovani artisti. Collabora come contributor con la rivista Exibart ed è Presidente di TAG-Torino Art Galleries, associazione delle gallerie di arte contemporanea di Torino. Karin, architetto, condivide la direzione artistica e l’evoluzione della galleria, con particolare esperienza nel campo della progettazione culturale. Il focus della galleria è lo scouting di giovani artisti e il sostegno degli artisti di metà carriera. Nella nostra visione la galleria è anche uno spazio per progetti sperimentali e curatoriali. Siamo assolutamente convinti dell’importanza di scelte altamente personali per gestire una galleria, al di là delle mode, concentrandosi sulla qualità della ricerca artistica, consentendo agli artisti di sviluppare riconoscimento e crescita.
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

VIA PARMA 66D – TORINO
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Orari di visita
Me-gio-ve: 15/19
Altri giorni o orari su appuntamento

PAINTING THE SPACE.
TRIBUTE TO GIO PONTI
Bea Sarrias solo exhibition
October 24 – November 28, 2024
Opening October 24, 5/9 pm
Via Parma 66D – Turin
CRAG Gallery is pleased to present the first solo exhibition in Italy of the Spanish artist Bea Sarrias (Barcelona, ​​1979) on the occasion of the Turin Art Week with opening on October 24 in via Parma 66D, Turin.
The artist, interested in figuration linked to modern and contemporary architecture, explores in this exhibition a thread dedicated to the figure of the architect Gio Ponti.
The architectural spaces and the poetics of the great Architect come to life in the paintings through the artist’s gaze and interpretation. Her work is focused on capturing the lights and atmospheres of architecture.
It is precisely light that is the key element that allows us to “feel” architecture, interpreting it emotionally. In his paintings, it becomes a silent character that gives life to the pure and modern lines of Ponti’s architecture, also capturing ephemeral moments. We find the light that touches a wall or the warmth of the floor illuminated by the afternoon sun or the light that gives movement to the external facade of a villa. In Sarrias’ paintings, light not only illuminates, but tells a story, the same story that Ponti outlined in his buildings: a celebration of beauty, simplicity and clarity. «I am interested in perspective, composition and, above all, light. For me, architecture is a tool with which to paint light. Light shapes spaces and creates presence. With light I try to capture the very soul of the spaces I paint. Sarrias does not paint buildings, but rather creates portraits of spaces. His work is anthropological and consists of research, photography and even video to document the past and present of buildings, subtly suggesting the presence, and sometimes the absence, of their inhabitants. Human figures, in fact, rarely appear in the paintings, but Bea Sarrias manages to evoke the traces of the presence of those who created and inhabited the places, and also creates a tension between the interiors and the exteriors.
The artist finds in Ponti’s work a strong stimulus for the creation of her paintings, making us breathe all the eclecticism and sensitivity of the master, a pioneer of modern architecture, giving the paintings the materiality of architecture and the poetics of light that transforms it.
Gio Ponti’s iconic buildings, such as Villa Planchart in Caracas and the famous Pirelli skyscraper in Milan, are designed to interact with light in a dynamic way, creating shadows and reflections that transform spaces.
In short, Bea Sarrias finds in Giò Ponti’s work an artistic resonance that goes beyond structure and design.
A series of works on display is inspired by the Giallo Fantastico floor designed by Giò Ponti in 1958 for the Richard-Ginori Museum and inserted in the Pirellone, composed of tiles in shades of yellow and black that generate a wavy design, creating a visual effect that simulates the movement of water. Ponti conceived these floors not only as a functional surface, but as a work of art within the architectural environment, playing with geometry to create a sensation of movement and dynamism underfoot.
Bea Sarrias has captured the elegance and ingenuity of these geometric floors with her brush, making them interact further with light and shadow, reinforcing the spatial depth and atmosphere of the environment. The artist captures the complexity of the shapes and colors conceived by Ponti, but does so from a perspective that highlights his interaction with light. Through her interpretation, Sarrias not only pays homage to the meticulousness of Ponti’s design, but also highlights his ability to use light as an expressive resource. In her paintings, the floor of the Pirelli building becomes an essential part of the dialogue between architecture, space and light.
The exhibition will also be enriched by the Giallo Fantastico floor with a pattern that faithfully reproduces the original, presented by Rezina in 2023 at the Salone del Mobile.
Bea Sarrias has exhibited in New York, Oslo, Malmö (Sweden) and Brussels, and is present in various collections such as the Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
The artist will be present at the exhibition and some of her works will be exhibited during the Artissima week at The Others, in the new fair venue in the ONU center in Turin.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promotes emerging and mid-career artists, especially painters and sculptors, both Italian and foreign, with a focus on figurative research. The Gallery has been based in the center of Turin since 2016 and is led by Elisabetta Chiono and Karin Reisovà. Elisabetta, a lawyer specialized in art law, decided together
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DOMA - GROUP SHOW
2024-10-29 08:00 - 17:00

LUCA COSER - FLANEUR
2025-02-19 08:00 - 2025-04-18 17:00
Portfolio artworks on display Portfolio Coser Flaneur

FLANEUR
LUCA COSER’S SOLO SHOW
February 19 – April 18, 2025
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the first exhibition of the year 2025 with the solo exhibition of the artist Luca Coser (Trento, 1965) hosted again in the gallery.
Drawing teacher at the Brera Academy and established artist in the painting scene of our country, Luca Coser offers with this exhibition, once again, an ironic, conscious and romantic cue with respect to his vision of the world (and of art).
Exhibition title: flaneur. For Baudelaire he was the gentleman who wandered idly through the city streets or also called “a botanist of the pavement”, the one who observes the changes in the metropolitan landscape, the people, the situations. He pushes through the city with awareness, but without a destination.
In the same way Luca Coser, an insatiable observer of discovery, recalls the figure of the Flaneur. He is a cultured spectator, sometimes nostalgic, but never markedly melancholic. His paintings are instinctive because the artist abandons himself to painting but this feeds on the baggage of his favorite books, films, the flash of a photograph and returns them to the public. This is how his canvases hide between a bit of mystery, between signs and pencil drawings. Between the stains of color and glazes, almost always white, a hint emerges, thrown out from the deep soul of the artist, influenced by some pages of Thomas Bernhard or Bohumil Hrabal, his beloved Central European authors.
“The observer is a prince who enjoys his incognito everywhere. […] He can also be compared to an immense mirror like this crowd; to a kaleidoscope endowed with consciousness that, with each of its movements, represents the multiple life and the mobile grace of all the elements of life. It is an insatiable self of the non-self, which at every moment renders and expresses it in images more vivid than life itself, which is always unstable and fleeting” (CB).
We like to think that a double path is created: on the one hand that of the artist, of his awareness and restitution, on the other that of the visitor who can walk inside the paintings, without necessarily a destination, waiting for everything to reveal itself, because this is what happens in Coser’s works, slowly.

Luca Coser and his love for the cinema
https://share.artshell.eu/s/events/67cabb483775e71b5ce7e4f3

SONGS OF THE WALE' - PATRICK WILLOCQ
2025-05-07 08:00 - 2025-07-31 17:00
SONGS OF THE WALÉS
Selection of photographs by Patrick Willocq
May 7 – July 31, 2025
Gebbia Bortolotto Penalisti Associati Law Firm
Corso Vittorio Emanuele II, 68 – Turin
In the splendid setting of the Gebbia Bortolotto Penalisti Associati Law Firm (Turin, Milan, Rome) Crag Gallery in collaboration with the VisionQuest4Rosso gallery of Genoa are pleased to inaugurate the exhibition Songs of the Wales presenting a selection of photographs by Patrick Willocq on the occasion of the Turin photography month.
Patrick Wiillocq, represented in Italy by the VisionQuest4Rosso gallery, was born in Strasbourg (France) and lives and works between Congo (DRC) and France. Raised in the Democratic Republic of Congo, since 2009 he has undertaken various trips deep into the African equatorial forest, immersed in the territory of the Ekonda pygmies, to learn about their fascinating rituals and ways of life.
The photographs are evidence of the photographer’s deep bond with the Congolese land, in a relationship of respect and trust with the population and of restitution of rituals, traditions, awareness of changes towards contemporaneity and comparison in this sense. “I have always been fascinated by indigenous tribes because I feel that they are the custodians of a form of wealth that is irremediably lost to us. The Walè ritual is a wonderful tribute to motherhood, fertility and femininity. For this reason I proposed to the Walè women that I have known for years to participate in a sort of staging capable of testifying to a part of their personal history. Each image visually represents the song sung by the Walè woman during the most important day of her life: that of returning to the village.” – Patrick Willocq.
Very interesting, with almost pop traits, is the series Songs of the Wales (2013-2016), which returns real mise en scene, co-created with the Walé. The photographs of the series have been exhibited in art fairs and international museums, as well as nominated finalists and winners in prestigious international awards (including Rencontres d’Arles DA, Prix HSBC, Sony WPA and Leica OBA).
The core is the initiation rite of the young Ekonda woman called Walé (“first-time mother”) at the birth of her first child when she returns to her parents to remain secluded for two to five years. Respecting various taboos, especially sexual ones, makes her acquire a status similar to that of a patriarch until the end of her isolation, characterized by highly codified ritual dances and songs, which are each time a unique creation for each Walé.
The Walé ritual is highly competitive and is based on gaining more prestige and power than the opponents and increasing the honor of the family. When a young mother becomes a Walé she acquires a nickname that differentiates her from her rivals and positions her in the eyes of the community. Every day the young woman prepares for an elaborate toilette made especially to focus everyone’s attention on her, preparing a mixture of red ngola wood powder with palm oil, which she spreads on her body. The sophisticated hairstyles, made of mud like a paste, a mixture of ash, bopokoloko leaves and palm oil, are yet another way for the Walé women to show off their uniqueness.
All these fascinating rites are told by Willocq’s photographs, with delicacy and sometimes irony, in symbiosis with the people photographed and those who, together with him, create with months of work the scenography made with local material assembled in splendid settings. Women who transform into sparrowhawks, leopards and other animals, with sophisticated hairstyles made of earth, Bopokoloko leaf ash, palm oil and found objects, are another way to show off their uniqueness, which we also find in the series of portraits of young women.
The red mixture of Ngola wood powder which also has medical properties, protects against scabies and other skin problems. Furthermore, according to their beliefs, the blood color instills fear, helps to drive away evil and enhance their beauty. Furthermore, red is the royal color and as such highlights their prominent place within the community.
The Tableaux Vivants also tell us about social problems and development needs, the choice between evolving or remaining strongly tied to one’s traditions, in a moment of social change and contamination, but always in a representation full of dignity and simplicity.
The SUPERWALÉS series follows where Willocq with an avant-garde and futuristic thought, proposes the young first-time mothers Walé projected into a hypothetical future that depicts them as super women, super heroines, super mothers, through fantastic scenarios and landscapes. This vision also includes the landscapes of the Democratic Republic of Congo (DRC) forest that he found.

SONGS OF THE WALÉS
Selezione di fotografie di Patrick Willocq
7 maggio – 31 luglio 2025
Studio Legale Gebbia Bortolotto Penalisti Associati
Corso Vittorio Emanuele II, 68 – Torino
Nella splendida cornice dello Studio Legale Gebbia Bortolotto Penalisti Associati (Torino, Milano, Roma) Crag Gallery in collaborazione con la galleria VisionQuest4Rosso di Genova sono liete di inaugurare la mostra Songs of the Wales presentando una selezione di fotografie di Patrick Willocq in occasione del mese della fotografia torinese.
Patrick Wiillocq, rappresentato in Italia dalla galleria VisionQuest4Rosso, nasce a Strasburgo (Francia) e vive e lavora fra il Congo (DRC) e la Francia. Cresciuto nella Repubblica Democratica del Congo, dal 2009 intraprende vari viaggi nel profondo della foresta equatoriale africana, immerso nel territorio dei pigmei Ekonda, per conoscere i loro affascinanti rituali e modi di vivere.
Le fotografie sono testimonianza del profondo legame del fotografo con la terra congolese, in una relazione di rispetto e fiducia con la popolazione e di restituzione di rituali, tradizioni, presa di coscienza dei cambiamenti verso la contemporaneità e confronto in tal senso. “Sono sempre stato affascinato dalle tribù indigene perché sento che esse sono custodi di una forma di ricchezza per noi irrimediabilmente persa. Il rituale del Walè è un meraviglioso tributo alla maternità, la fertilità e femminilità. Per questo motivo ho proposto alle donne Walè che conosco da anni di partecipare a una sorta di messa in scena in grado di testimoniare una parte della loro storia personale. Ogni immagine rappresenta in chiave visiva la canzone cantata dalla donna Walè durante il giorno più importante della propria vita: quello del ritorno al villaggio.”- Patrick Willocq.
Interessantissima, dai tratti quasi pop, è la serie Songs of the Wales (2013-2016), che restituisce vere e proprie mise en scene, co-create con le Walé. La fotografie della serie sono state esposte in fiere d’arte e musei internazionali, oltre che nominate finaliste e vincitrici in prestigiosi premi internazionali (tra cui Rencontres d’Arles DA, Prix HSBC, Sony WPA e Leica OBA).
ll fulcro è il rito d’iniziazione della giovane donna Ekonda chiamata Walé (“madre primipara”) alla nascita del suo primo figlio quando ritorna dai suoi genitori per rimanere reclusa da due a cinque anni. Il rispettare vari tabù, soprattutto sessuali, le fa acquisire uno status simile a quello di un patriarca sino alla fine del suo isolamento, caratterizzato da danze e canti rituali altamente codificati, che sono di volta in volta una creazione unica per ogni Walé.
Il rituale Walé è altamente competitivo e si basa sull’acquisire maggior prestigio e potere rispetto agli avversari e aumentare l’onore della famiglia. Quando una giovane madre diventa una Walé acquisisce un soprannome che la differenzia dalle sue rivali e la posiziona agli occhi della comunità. Ogni giorno la giovane donna si prepara a un’elaborata toilette fatta apposta per focalizzare l’attenzione di tutti su di lei, preparando una miscela di polvere rossa di legno ngola con olio di palma, che spalma sul proprio corpo. Le acconciature sofisticate, fatte di fango come una pasta, una miscela di cenere, foglie bopokoloko e olio di palma, sono ancora un altro modo per le donne Walé di ostentare la loro unicità.
Tutti questi affascinanti riti sono raccontati dalla fotografie di Willocq, con delicatezza e talvolta ironia, in simbiosi con le persone fotografate e quelle che insieme a lui creano con mesi di lavoro le scenografie realizzati con materiale locale assemblato in splendidi scenari. Donne che si trasformano in sparvieri, leopardi e altri animali, con acconciature sofisticate fatte di terra, cenere di foglie Bopokoloko, olio di palma e oggetti trova, sono un modo ulteriore per sfoggiare la propria unicità, che ritroviamo anche nella serie di ritratti delle giovani donne.
La miscela rossa di polvere di legno Ngola che ha anche delle proprietà mediche, protegge dalla scabbia e altri problemi della pelle. Inoltre, secondo le loro convinzioni, il colore sanguigno incute paura, aiuta a scacciare il male e ad esaltare la loro bellezza. In più il rosso è il colore reale e come tale risalta il loro posto di rilievo all’interno della comunità.
I Tableaux Vivants ci raccontano anche di problemi sociali e esigenze di sviluppo, la scelta tra l’evolversi o il rimanere fortemente legati alle proprie tradizioni, in un momento di cambiamento sociale e contaminazione, ma sempre in una rappresentazione pregna di dignità e semplicità.
Segue la serie SUPERWALÉS dove Willocq con un pensiero avant-garde e futurista, propone le giovani madri primipare Walé proiettate in un ipotetico futuro che le raffigura come super donne, super eroine, super mamme, attraverso scenari e paesaggi fantastici. Questa visione include anche i paesaggi della foresta Repubblica Democratica del Congo (DRC) che ha ritrovato stabilità, benessere e pace duratura. Entriamo nell’immaginario dell’artista che fascia l’habitat delle Walé, di rosso, il colore che per loro rappresenta la maternità, la vita, la regalità: nastri che fluttuano sugli alberi, capanne interamente ricoperte di teloni, strisce di seta sospese sull’acqua e interi sentieri della foresta equatoriale ricoperti di teli.
La glorificazione non solo di queste giovani madri diventate matriarche, forti, potenti, orgogliose e capaci di far crescere la loro comunità, ma anche di un percorso e di una visione che porta ad un futuro migliore passando dal rispetto del paesaggio che le circonda.

THE PHAIR 2025
2025-05-08 08:00 - 2025-05-11 17:00
CRAG Gallery is pleased to partecipate to the PHAIR 2025 with the artists
ALESSANDRO FABBRIS
NICOLO’ RICCI
DANI GHERCA
CHIARA FERRANDO

LOOKING AHEAD - NICOLO' RICCI & GIULIO DI ROBILANT
2025-05-10 08:00 - 2025-06-01 17:00
LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
Curated by Carla Testore
May 10 – June 1, 2025
For the month of photography in Turin, Crag gallery presents the bipersonal exhibition “Looking ahead” by two very young photographers under 30, Nicolò Ricci and Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), graduated from IAAD, Institute of Applied Arts and Design in Turin, focuses on architectural photography, with the aim of transmitting to his observers an intersectional vision of buildings, a different way of appreciating and understanding the role of architecture in the aesthetics of cities and its impact on society and the environment, experimenting with relief and original printing techniques.
Giulio di Robilant (Turin, 2004) has cultivated art since he was a child, drawing and painting like many in the history of his family. After a cycle of studies in Italy and abroad (Cambridge – classical studies and philosophy), in 2019 he approached photography by winning the SoNYT Photojournalism Challenge and the related publication of the winning photograph in the New York Times.
Looking Ahead is the message of two under-30 artist photographers who invite the public to look ahead. As Carla Testore, curator of the exhibition, writes, it is “certainly a forward in time, towards a future that is near or more distant, but at the same time also a forward/beyond thanks to the reinterpretation of a tangible reality that in the photographic shot leaves a more emotional freedom of interpretation”.
The comparison between the two young photographers sees on the one hand Giulio di Robilant’s research based on the simplicity of forms, on the control of the boundaries of the view on the observed subject, merging the mathematical orders of architecture with the aesthetics of artistic choice. Some images are glimpses of landscapes glimpsed through windows or openings in walls (Alpine Window 1 and 2), others seem to capture moments of the daily life of young figures who do not know they are in front of a lens (Brisa, VV1). Also singular is the self-portrait Red Audience that shows how often a subtle aesthetic irony occurs in his works. Giulio di Robilant states “Photography is the process through which I consciously compose my external space, impressing my understanding of the experience through aesthetics”.
On the other hand, Nicolò Ricci with his almost cinematic black and white offers a selection of shots, including tributes to Turin with the Reale Mutua skyscraper (Skyscraper Reale Mutua) which, with the same angular composition of the Alcazaba, recalls its pyramidal shape and also in the detail of the vaults of the Porta Nuova station (Porta Nuova station) that seem to intertwine like the passages of a labyrinth. Preferring black and white, he almost always uses vertical shots because this, as he himself says, “allows us to linger between architecture and sky”. From the many countries he has visited, he brings back images of ancient or contemporary structures that sometimes remain unidentified because the photographer chooses only glimpses of them, abstracting them from their original location, as in the case of The Palm Grove of surprises in Lisbon and South Southeast Station in Malaga, or characterizing them with a different shape from the original, as in the case of the Alcazaba Castle, which seems to represent a pyramid.

LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
A cura di Carla Testore
10 maggio – 1 giugno 2025
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
via Parma 66D – TORINO

Crag gallery per il mese della fotografia torinese propone la mostra bipersonale “Looking ahead” di due giovanissimi fotografi under 30, Nicolò Ricci e Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), laureato allo IAAD, Istituto d’Arte applicata e design di Torino, si concentra sulla fotografia di architettura, con l’intento di trasmettere ai suoi osservatori una visione intersezionale delle costruzioni, un modo diverso di apprezzare e comprendere il ruolo dell’architettura nell’estetica delle città e il suo impatto sulla società e sull’ambiente, sperimentando tecniche di stampa in rilievo e originali.
Giulio di Robilant (Torino, 2004) ha coltivato l’arte fin da bambino, disegnando e dipingendo come tanti nella storia della sua famiglia. Dopo un ciclo di studi in Italia e all’estero (Cambridge – studi classici e filosofia), nel 2019 si è avvicinato alla fotografia vincendo la SoNYT Photojournalism Challenge e relativa pubblicazione della fotografia vincitrice sul New York Times.
Looking Ahead è il messaggio di due artisti fotografi under 30 che invitano il pubblico a portare lo sguardo avanti. Come scrive Carla Testore, curatrice della mostra, è “sicuramente un avanti nel tempo, verso un futuro che sia prossimo o più lontano, ma allo stesso tempo anche un avanti/oltre grazie alla reinterpretazione di una realtà tangibile che nello scatto fotografico lascia una libertà di interpretazione più emozionale”.
Il confronto tra i due giovani fotografi vede da una parte la ricerca di Giulio di Robilant improntata alla semplicità delle forme, al controllo dei confini della vista sul soggetto osservato, fondendo gli ordini matematici dell’architettura con l’estetica della scelta artistica. Alcune immagini sono scorci di paesaggio intravisti attraverso finestre o aperture nei muri (Alpine Window 1 e 2), altre sembrano cogliere istanti della quotidianità di giovani figure che non sanno di essere davanti ad un obiettivo (Brisa, VV1). Singolare anche l’autoscatto Red Audience che mostra come spesso avviene nelle sue opere una sottile ironia estetica. Giulio di Robilant afferma “La fotografia è il processo attraverso il quale compongo consciamente il mio spazio esterno, imprimendo la mia comprensione dell’esperienza attraverso l’estetica”.
Dall’altra parte Nicolò Ricci con il bianco e nero quasi cinematografico propone una selezione di scatti, tra i quale anche omaggi a Torino con il grattacielo della Reale Mutua (Skyscraper Reale Mutua) che, con la stessa composizione ad angolo dell’Alcazaba, ne richiama la forma piramidale ed anche nel dettaglio delle volte della stazione di Porta Nuova (Porta Nuova station) che sembrano intrecciarsi come i passaggi di un labirinto. Prediligendo il bianco e nero, usa quasi sempre lo scatto in verticale perché questo, come dice lui stesso, “permette di soffermarci tra architettura e cielo”. Dai molti paesi visitati riporta immagini di strutture antiche o contemporanee che talvolta restano da identificare perché il fotografo ne sceglie solo degli scorci astraendoli dalla loro collocazione originale, come nel caso di The Palm Grove of surprises di Lisbona e di South Southeast Station di Malaga, oppure caratterizzandoli con una forma diversa dall’originale come nel caso del Castello Alcazaba che sembra rappresentare una piramide.

Silent Sun Splatter - Louis Braddock Clarke
2025-09-05 08:00 - 2025-10-18 17:00
SILENT SUN SPLATTER
Selection of photographs and videos by Louis Braddock Clarke
In collaboration with the Recontemporary Foundation of Turin, the CRAG – Chiono Reisova Art Gallery is pleased to host a selection of works by photographer and videomaker Louis Braddock Clarke on Friday, 5 September 2025, at its headquarters in Via Parma 66D, Turin.
Braddock’s work was presented by Recontemporary last February in the artist’s first solo exhibition in Italy, entitled Tomorrow Will Be Louder, in collaboration with SEEYOUSOUND and curated by Alessandro Maccarone, after his debut at the 2023 Venice Biennale and numerous international exhibitions. The exhibition imagines a space where we can become intimate with our sound ecology, visualising new terrestrial scenarios through sounds and images.
Louis Braddock Clarke, a young and talented British artist and researcher, creates his works with an interest in art, geography, physics, geology and esoteric philosophy, strongly influenced by the places of his youth in Cornwall, a context where nature and human intervention are in stark contrast between peat bogs, tin mines, underground energy tangles and transatlantic cables.
The CRAG Gallery will host works from the SILENT SUN SPLATTER series, photographs taken in analogue format within a volcanic network of the Triple Junction in the Atlantic. This intersection of deep geological time moves in three directions: 40° North 22.9 mm/year, 38° North 19.8 mm/year, East 2.2 mm/year. Between these plates extend a series of mobile tubes that descend into the Earth’s mantle, markers of time, listening sites for the outside world and areas of chemical reactions. Through a combination of metals, bacteria, calcium water, human contamination and humidity, the tubes are illuminated by a “biological film” and these hidden places become new and incredible landscapes.
Using a mixture of “Bio-Film” and metals from the depths of the Earth, medium-format negatives are exposed to these earthly “delights”. Each negative is immersed in different time scales of chemical formulas, all dictated and produced by the action and movement of the Earth.
Colours, exposure, shutter speed, development time and composition are elements produced analogically by geological matter at -544 metres below the triple junction.
The film UNDER BOOM, made in the same volcano that becomes a geological ear, will also be shown in the exhibition. In it, we can hear infrasounds coming from the movements of ice, the songs of cetaceans, air strikes and other natural or artificial interactions that occur on Earth.
The CRAG Gallery enthusiastically hosts this project, delighted with Recontemporary’s collaborative proposal, inviting visitors to let themselves be transported into this world that is seemingly so imperceptible, yet so close to us, which will be better described during the talk with the artist at the opening (Friday 5 September at 6 pm).
Louis Clarke Braddock.
A lecturer at the Royal Academy of Arts in The Hague, he has won numerous awards for his projects: Waag Technology Award 2019, Dutch Talent Award in 2020, Landscape Research Award 2021, Gouden Kalf in 2022. His works and installations have been exhibited internationally in major galleries and festivals, including: Rencontres Internationales, Venice Biennale, NTMoFA, Sonic Acts, Rewire, Sounds of Silence, Netherlands Film Festival, FILE Brazil, Digital Arts Taipei, Centre Wallonie Bruxelles, Macau Design Museum, MU Hybrid Art House, W139, OT301, Loods6 Quartair, Stroom, Museum of Mines and Metal Brazil, WEST Museum, Noorderlicht, Het Hem, and reviewed by magazines such as CLOT, WIRE, DAMN, AQNB.

SILENT SUN SPLATTER
Selezione di fotografie e video di Louis Braddock Clarke
Opening venerdì 5 settembre ore 17/21
In collaborazione con la Fondazione Recontemporary di Torino, la Galleria CRAG – Chiono Reisova Art Gallery è lieta di ospitare una selezione di opere del fotografo e videomaker Louis Braddock Clarke venerdì 5 settembre 2025 nella sua sede di via Parma 66D di Torino.
Il lavoro di Braddock è stato presentato da Recontemporary lo scorso febbraio nella prima mostra personale dell’artista in Italia, intitolata Tomorrow Will Be Louder, in collaborazione con SEEYOUSOUND e curata da Alessandro Maccarone, dopo l’esordio alla Biennale di Venezia 2023 e numerose esposizioni internazionali. Nella mostra viene immaginato uno spazio in cui possiamo entrare in intimità con la nostra ecologia sonora, visualizzando nuovi scenari terrestri attraverso i suoni e le immagini.
Louis Braddock Clarke, giovane e talentuoso artista e ricercatore britannico, realizza i suoi lavori con interesse rivolto all’arte, alla geografia, alla fisica, alla geologia e filosofia esoterica, fortemente influenzato dai luoghi della sua gioventù in Cornovaglia, contesto dove natura e intervento dell’uomo sono in stretto contrasto tra torbiere, miniere di stagno, grovigli energetici sotterranei e cavi transatlantici.
La Galleria CRAG ospiterà opere della serie SILENT SUN SPLATTER, fotografie scattate in formato analogico all’interno di una rete vulcanica della Tripla Giunzione nell’Atlantico. Questa intersezione del tempo geologico profondo si muove in 3 direzioni: 40° Nord 22,9 mm/anno, 38° Nord 19,8 mm/anno, Est 2,2 mm/anno. Tra queste placche si estendono una serie di tubi mobili che scendono nel mantello terrestre, marcatori del tempo, siti di ascolto del mondo esterno e zone di reazioni chimiche. Attraverso una combinazione di metalli, batteri, acqua calcica, contaminazione umana e umidità, i tubi sono illuminati da una “pellicola biologica” e questi luoghi così nascosti diventano nuovi e incredibili paesaggi.
Utilizzando una miscela di “Bio-Film” e metalli delle profondità terrestri, i negativi di medio formato vengono esposti a queste “delizie” terrene. Ogni negativo è immerso in diverse scale temporali di formule chimiche, tutte dettate e prodotte dall’azione e dal movimento della Terra.
Colori, esposizione, velocità di otturazione, tempo di sviluppo e composizione sono elementi prodotti analogicamente dalla materia geologica a -544 metri sotto la tripla giunzione.
Verrà riproposto in mostra anche il film UNDER BOOM, realizzato nello stesso vulcano che diventa orecchio geologico, nel quale possiamo sentire infrasuoni che arrivano dai movimenti dei ghiacci, canti dei cetacei, attacchi aerei e altre interazioni naturali o artificiali che intervengono sulla Terra.
La Galleria CRAG ospita con entusiasmo questo progetto, lieta della proposta collaborativa di Recontemporary, con l’invito a lasciarsi trasportare in questo mondo apparentemente così impercettibile, ma di fatto così vicino a noi, che meglio ci verrà descritto in occasione del talk con l’artista, durante l’opening (venerdì 5 settembre ore 18).
Louis Clarke Braddock.
Docente presso la Royal Academy of Arts dell’Aia, è stato pluripremiato peri suoi progetti: Waag Technology Award 2019, Dutch Talent Award nel 2020, Landscape Research Award 2021, Gouden Kalf nel 2022.Le sue opere e installazioni sono state esposte a livello internazionale in importanti gallerie e festival, tra cui: Rencontres Internationales, Biennale di Venezia, NTMoFA, Sonic Acts, Rewire, Sounds of Silence, Netherlands Film Festival, FILE Brazil, Digital Arts Taipei, Centre Wallonie Bruxelles, Macau Design Museum, MU Hybrid Art House, W139, OT301, Loods6 Quartair, Stroom, Museum of Mines and Metal Brazil, WEST Museum, Noorderlicht, Het Hem, e recensito da riviste come CLOT, WIRE, DAMN, AQNB.

Giacomo Modolo - To Snatch
2025-09-08 08:00 - 17:00
CRAG is delighted to take part once again in
GERMINALE – Monferrato Art Fest
with a solo exhibition by
GIACOMO MODOLO
OPENING SATURDAY 13 SEPTEMBER AT 4.30 PM
HOSTED by QUASI FONDAZIONE CARLO GLORIA
via Roma 1, Rinco (AT)
GERMINALE – Monferrato Art Fest
An art festival that transforms the hills of Lower Monferrato into a widespread museum, where contemporary art, history, tradition and natural beauty come together in a sensory journey to discover the territory.
(*the complete programme of activities will be sent at the beginning of September)

DOMA - II EDITION
2025-10-28 08:00 - 2025-11-23 17:00
DOMA 2025
Group exhibition
From October 28 to November 23, 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Turin
curated by Karin Reisova
For the second year running, during Turin Art Week, coinciding with Artissima, Crag Gallery is presenting the DOMA exhibition at its Home Gallery in Via Maria Vittoria, right in the city center.
This edition will feature works by Italian and Czech artists, consolidating the cultural bridge that has always characterized Crag’s work.
This year’s theme is IL GIOCO/THE GAME, and the selected artists interpret it from different points of view. Play has a fundamental importance in our society because it indicates a free and spontaneous activity, essential for the intellectual development of children and important for adults because it represents a moment of escape from daily responsibilities. As early as 1926, philosopher Jurgen Moltmann believed that play had a suspensive function from normal activity and a relaxing function from everyday tensions.Art and play intertwine in life, from playing in love, to video games, to the depiction of moments from childhood.
With precious Bohemian crystal inlays, Radoslav Bigos exhibits in Italy for the first time and intervenes on paintings depicting the male nude revealed in intriguing playing cards.
Jiri Hauschka’s work, which balances between abstract painting and realism, incorporates personal stories of games immersed in the nature of the Bohemian Forest.
The appeal to a sense of belonging is the basis of a quest that questions the ideological fragility of the contemporary world, and often the appeal to alignment takes on the traits of stadium fans, and the flag, a theme dear to Giacomo Modolo, becomes the object of play between parties, in the continuous and obsessive search for an identity, that of a new flag for a nation that does not exist, an ideal nation, a flag to imagine a better world. The work is a collaboration with graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, an Italian artist based in Frankfurt, exhibits a sandbox with the player, the object, and the landscape to be reached, which is characterized by landmarks, markers, as in the levels of a video game. His work is a combination of refined painting and parts of a video game, all set in a Nordic atmosphere. Paolo Pibi revisits a late 19th-century puppet theater, a game that is certainly no longer in vogue but which is still present in our collective memory. The title of his painting is Piccoli Brividi (Goosebumps), a book series famous for his generation. Ondřej Roubik also tackles the theme of virtual reality in his painting: his works are stories in which the subjects play in a real and omnipresent dimension, isolated and unaware that the world of virtual reality influences them and slows down their intuitive behavior.
In the series of photographs “Coriandoli” (Confetti), Enrico Smerilli focuses on the image of confetti lying at the bottom of a fountain and observed through the rippled surface of the water. The optical distortions generated by the water transform the subject into an unstable visual composition that opens up a restrained narrative, poised between a moment of childlike innocence and a suspension of perception. For Karel Štědrý, art is a fun game, infinite variations on what already exists, in which new possibilities open up, with humor and incessant curiosity. In the case of works inspired by the Czech game invented in the 1920s, the Merkur Kit, he is interested, in addition to aesthetics, in how each of the pieces can be a separate object and how thought can be shifted from the world of play to the world of art.
The exhibition is organized by Crag Gallery in collaboration with the Czech Center in Milan and the Consulate General of the Czech Republic in Milan, as part of the TAG Torino Art Galleries initiatives.
Exhibition opening Tuesday, October 28, 6-8 p.m.
Special openings during Art Week Torino:
Night of the Arts on Saturday, November 1, from 6 to 11 p.m.
Breakfast in the gallery on Friday, October 31, Saturday, November 1, and Sunday, November 2, from 10 a.m. to 12 p.m.
Duration: November 1–23 by appointment
Location: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin

DOMA 2025
Mostra collettiva
Dal 28 ottobre al 23 novembre 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Torino
curata da Karin Reisova
Per il secondo anno Crag Gallery propone durante la settimana dell’Art Week torinese, in concomitanza ad Artissima, la mostra DOMA nella Home Gallery di via Maria Vittoria in pieno centro della città.
In questa edizione esporranno le loro opere artisti italiani e artisti della Repubblica Ceca a consolidare un ponte culturale che caratterizza il lavoro di Crag da sempre.
Il tema di quest’anno è IL GIOCO/THE GAME e gli artisti scelti lo interpretano secondo diversi punti di vista. Il gioco ha un’importanza fondamentale nella nostra società perché indica un’attività libera e spontanea, essenziale per lo sviluppo intellettuale dei bambini e importante per gli adulti perché rappresenta un momento di evasione dalle responsabilità quotidiane. Già nel 1926, il filosofo Jurgen Moltmann riteneva che il gioco assumesse una funzione sospensiva dalla normale attività e distensiva dalle tensioni quotidiane. L’arte e il gioco si intrecciano nella vita, dal gioco nell’amore, ai videogiochi, alla raffigurazione di momenti della fanciullezza.
Con preziosi intarsi in cristalli di Boemia, Radoslav Bigos per la prima volta espone in Italia e interviene su pitture raffiguranti il nudo maschile svelato in intriganti carte da gioco.
Jiri Hauschka nel suo lavoro in bilico tra pittura astratta e realismo inserisce storie personali di giochi immersi nella natura della Bohemian Forest.
Il richiamo al senso di appartenenza è la base di una ricerca che mette in discussione la fragilità ideologica del contemporaneo e spesso il richiamo allo schieramento assume i tratti della tifoseria da stadio e la bandiera, tema caro a Giacomo Modolo, diventa oggetto del gioco tra parti, nella continua e ossessiva ricerca di un’identità, quello di una nuova bandiera di una nazione che non esiste, una nazione ideale, una bandiera per immaginare un mondo migliore. L’opera è realizzata a due mani in collaborazione con il graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, artista italiano di base a Francoforte, espone un sandbox con il giocatore, l’oggetto e il paesaggio da raggiungere che è caratterizzato da dei landmarks, i marcatori, come nei livelli di un videogioco. Il suo lavoro è combinazione tra una pittura raffinata e le parti di un videogioco, il tutto calato in un’atmosfera nordica.
Paolo Pibi riprende un teatrino delle marionette di fine Ottocento, un gioco sicuramente non più in voga ma che è comunque presente nella nostra memoria collettiva e il titolo del suo dipinto è Piccoli Brividi, una collana di libri celebre per la sua generazione.
Anche Ondřej Roubik affronta con la pittura il tema della realtà virtuale: le sue opere sono racconti nei quali i soggetti giocano in una dimensione reale e onnipresente, sono isolati e non si rendono conto che il mondo della realtà virtuale li influenza e ne rallenta il comportamento intuitivo.
Nella serie di fotografie “Coriandoli”, Enrico Smerilli si concentra sull’immagine di coriandoli posati sul fondo di una fontana e osservati attraverso la superficie increspata dell’acqua. Le distorsioni ottiche generate dall’acqua trasformano il soggetto in una composizione visiva instabile che apre una narrazione trattenuta, in bilico tra un momento di innocenza infantile e una sospensione percettiva.
Per Karel Štědrý, l’arte è un gioco divertente, infinite variazioni su ciò che già esiste, in cui si aprono nuove possibilità, con umorismo e incessante curiosità. Nel caso delle opere ispirate al gioco ceco inventato negli anni ’20, il Kit Merkur, egli è interessato, oltre all’estetica, a come ognuno dei pezzi possa essere un oggetto separato e a come il pensiero possa essere spostato dal mondo del gioco verso il mondo dell’arte.
La mostra è realizzata da Crag Gallery in collaborazione con il Centro Ceco di Milano e il Consolato Generale della Repubblica Ceca a Milano e nell’ambito delle iniziative di TAG Torino Art Galleries.
Apertura della mostra martedì 28 ottobre ore 18-20
Aperture straordinarie in occasione della Art Week Torino:
Notte delle Arti sabato 1° novembre dalle 18 alle 23
Colazioni in galleria venerdì 31 ottobre, sabato 1 e domenica 2 novembre dalle 10 alle 12
Durata: 1 – 23 novembre su appuntamento
Sede: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45 Torino

Curatela: Karin Reisova’
Artisti:
Radoslav Bigos (1987) Praga
Jiri Hauschka (1965) Praga
Giacomo Modolo (1988) Vicenza
Mattia Noal (1984) Francoforte
Paolo Pibi (1987) Torino
Ondřej Roubik (1988) Praga
Enrico Smerilli (1978) Vercelli
Karel Štědrý (1985) Praga

Panorama in Blu - Joan Bonnemaison and Nicolò Baraggioli
2025-10-29 08:00 - 2025-11-28 17:00
OPERE IN MOSTRA – ARTWORKS ON DISPLAY

PANORAMA IN BLU
NICOLO’ BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaboration with Galeria Xavier Fiol
Opening Saturday, November 1, 2025, 5–11 p.m.
(Contemporary Arts Night)
On the occasion of the initiative “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani,” which promotes exchange and dialogue between the two gallery associations, CRAG Gallery is hosting the Majorcan gallery Xavier Fiol during Turin Art Week 2025, with the exhibition opening on October 29 and running until November 18, 2025.
The CRAG spaces enthusiastically welcome “Panorama in Blue,” a double solo exhibition by Nicolò Baraggioli and Joan Bonnemaison, artists represented by the Xavier Fiol gallery. The exhibition presents the chromatic and conceptual dialogue between the work of the two artists, in which color also plays a semantic role. The works interact, creating a path that combines geometric rigor, evocative chromaticism, and tension between object and space.
Together, the works offer a meditative and engaging interpretation, where blue becomes the bearer of history, materiality, conceptuality, and a long symbolic history. Its perception, which varies according to time and language, makes the color itself an object of reflection: what we see is never just what appears, and the observer is called upon to question their own perception.
Nicolò Baraggioli (Genoa, 1985) works on the manipulation of matter through the use of industrial and residual materials, which he reassembles into minimalist and rigorous compositions. His work stems from a desire for emotional detachment, for anti-subjectivity, with particular attention to the object and its physicality. The work does not represent, but exists: it is defined by its structure, surfaces, materials, thicknesses, angles, and colors. The dialogue between forms, light, and space generates an optical-perceptual message that replaces traditional expressiveness, creating a direct relationship between the object and the observer. Repetition, as Zen thought suggests, does not bore: it opens up a deeper understanding, transforming what seems simple into an intense and meditative experience.
His works explore the boundary between natural and artificial, between waste and beauty, raising questions about the aesthetic value of the object and the very concept of artistic production.
Joan Bonnemaison (Mallorca, 2001), a very young and promising painter, after graduating in Art from the UOC, is now attending a Master’s degree in Antwerp. His work mainly explores the link between human beings and the places that surround them and in which they live, with a profound existential approach. Although young, his research is constantly focused on questions, and for him, the fascination of life lies not in finding answers, but in the perpetual search for them. Even the objects in his depictions, such as ancient artifacts, embody the silent weight of stories, inviting viewers to decode the narratives contained in the artist’s brushstrokes.
The exhibition “Panorama in Blue” thus becomes an opportunity for international openness, sharing, and new visions, promoting the expansion of the cultural and artistic network.

Joan Bonnemaison

Nicolò Baraggioli

PANORAMA IN BLU
NICOLO BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaborazione con la Galeria Xavier Fiol

Opening sabato 1 novembre 2025 ore 17/23
(Notte delle Arti contemporanee)
In occasione dell’iniziativa “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani” che vede lo scambio e dialogo tra le due associazioni di gallerie, CRAG Gallery ospita la galleria maiorchina Xavier Fiol in occasione della settimana dell’arte torinese 2025, con apertura della mostra il 29 ottobre sino al 18 novembre 2025.
Gli spazi di CRAG accolgono con entusiasmo “Panorama in blu”, doppia personale di Nicolò Baraggioli e Joan Bonnemaison, artisti rappresentati dalla galleria Xavier Fiol. In mostra viene presentato il dialogo cromatico e concettuale tra il lavoro dei due artisti, in cui il colore fa da protagonista anche semantico. Le opere dialogano creando un percorso che coniuga rigore geometrico, cromatismo evocativo e tensione tra oggetto e spazio. Insieme, le opere offrono una lettura meditativa e coinvolgente, dove il blu diventa portatore di storia, materialità, concettualità e una lunga storia simbolica. La sua percezione, variabile secondo i tempi e le lingue, rende il colore stesso un oggetto di riflessione: ciò che vediamo non è mai solo ciò che appare, e chi osserva è chiamato a interrogarsi sulla propria percezione.
Nicolò Baraggioli (Genova, 1985) lavora sulla manipolazione della materia attraverso l’utilizzo di materiali industriali e residui, che riassembla in composizioni minimali e rigorose. Il suo lavoro nasce dal desiderio di distacco emotivo, all’antisoggettività, con attenzione particolare all’oggetto e alla sua fisicità. L’opera non rappresenta, ma esiste: è definita dalla struttura, dalle superfici, dai materiali, dagli spessori, dagli angoli e dal cromatismo. Il dialogo tra forme, luce e spazio genera un messaggio ottico-percettivo che sostituisce l’espressività tradizionale, creando un rapporto diretto tra l’oggetto e chi lo osserva. La ripetizione, come suggerisce il pensiero zen, non annoia: apre a una comprensione più profonda, trasformando ciò che sembra semplice in un’esperienza intensa e meditativa.
Le sue opere esplorano il confine tra naturale e artificiale, tra scarto e bellezza, ponendo interrogativi sul valore estetico dell’oggetto e sul concetto stesso di produzione artistica.
Joan Bonnemaison (Maiorca, 2001), giovanissimo e promettente pittore, dopo aver conseguito la laurea in Arte presso l’UOC, frequenta ora un Master di specializzazione ad Anversa. Il suo lavoro esplora soprattutto il legame che intercorre tra l’essere umano e i luoghi che lo circonda e che vive, con un profondo approccio esistenziale. Seppur giovane, la sua ricerca è costantemente tesa alla ricerca di domande e per lui il fascino della vita non sta nel trovare risposte, ma nella ricerca perpetua delle stesse. Anche gli oggetti presenti nelle raffigurazioni come manufatti antichi, racchiudono il peso silenzioso delle storie, invitando gli spettatori a decodificare le narrazioni racchiuse nelle pennellate dell’artista.
La mostra “Panorama in blu” diventa così l’occasione di apertura internazionale, condivisione e nuove visioni, favorendo l’estensione della rete culturale e artistica.

ART COLOGNE PALMA 2026
2026-01-18 08:00 - 17:00
We are delighted to partecipate to ART COLOGNE PALMA 2026
https://www.artcologne.com/palma/galleries.php

Goats never fall - Sebastiano Pallavisini
2026-02-21 08:00 - 2026-03-27 17:00
Artist’s profile https://cragallery.com/artists/sebastiano-pallavisini/
Sebastiano PallavisiniGOATS NEVER FALL21 February – 27 March 2026
Opening Saturday 21 and Sunday 22 February, 11 am – 7 pm
Crag Gallery opens 2026 with the exhibition Goats Never Fall by Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), a very young artist whom the gallery is proud to present, inaugurating a series of exhibitions celebrating its 10th anniversary. Founded in 2016 with the aim of supporting emerging painters, CRAG now continues its research by exhibiting these artists alongside mid-career practitioners.
The exhibition will present large-scale paintings, bold ceramic works, and delicate watercolours. Pallavisini explores animal forms and the ways in which they are articulated, addressing the theme of the relationship between humans and nature with irony combined with an authentic sensitivity.
The artist describes his practice as “a chaotic process, made up of layers of images, construction and deconstruction of animal forms, trying to avoid the stereotypes associated with these subjects, in order to arrive at a final image rich in meaning, capable of encompassing the entire process, the second thoughts, and the events that have unfolded on the pictorial surface.”
The title of the exhibition, Goats Never Fall, metaphorically embodied by goats as animals that climb steep cliffs without falling, evokes alternation, a constant boundary with risk, and an active, dynamic relationship with the void. Various elements intertwine in the works, generating constant tension: the instability of form, the chaos of images, figuration, and the fluidity of animal movement. Instability is not understood as a limitation, but as a horizon—a condition generated by the complexity of contemporary reality, in which both humans and, more broadly, all living beings find themselves constantly immersed.
From this emerges one of the central themes of the artist’s research: coexistence and respect for our shared world, often considered by humans as their own prerogative, forgetting the obligation to protect the planet.
Balance does not exist as a definitive state, but as a continuous trial. Humans attempt to dominate reality; the goat, which manages to maintain its balance, acts in a similar way, yet faces its condition with stoic resistance and humility. It does not fall into the ravine, it does not fall from the tree, and with irony Sebastiano Pallavisini tells analogous stories in his paintings. Through painting, we move within indeterminacy, letting go and lingering in the fascination of waiting time and ambiguity—a space in which perception, vision, reality, and intellect are deeply connected and stimulated by the artistic experience.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)Sebastiano Pallavisini was trained at the Academy of Fine Arts in Venice, in a context where tradition and innovation intertwine. He belongs to a generation of young artists for whom the pictorial medium is neither simply reaffirmed nor abandoned, but becomes a field of negotiation between matter and image, memory and loss of meaning, control and surrender. This contemporary scene is distinguished by its acceptance of instability as an ontological condition of art, capable of inhabiting the complexity of the present without claiming to resolve it or offer a single, definitive interpretation.
For informationinfo@cragallery.com+39 347 342 0598
The exhibition can be visited every day by appointment.

Sebastiano Pallavisini
GOATS NEVER FALL
21 febbraio – 27 marzo 2026
Inaugurazione sabato 21 e Domenica 22 febbraio dalle 11 alle 19

Crag Gallery apre il 2026 con la mostra Goats Never Fall di Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), giovanissimo artista che la galleria presenta con entusiasmo, inaugurando una serie di mostre dedicate ai festeggiamento dei 10 anni di attività. Fondata nel 2016 con l’obiettivo di sostenere pittori emergenti, CRAG porta oggi avanti la propria ricerca affiancando a questi artisti a metà carriera.
In mostra saranno presentati dipinti di grandi dimensioni, grintose ceramiche e delicati acquerelli. Pallavisini indaga le forme animali e il modo in cui esse si articolano, affrontando il tema del rapporto tra uomo e natura, con ironia unita a una sensibilità autentica.
L’artista descrive la propria pratica come «un processo caotico, fatto di stratificazioni di immagini, costruzione e decostruzione di forme animali, cercando di evitare gli stereotipi legati a questi soggetti, per arrivare a un’immagine finale carica di significato, capace di racchiudere in sé l’intero processo, i ripensamenti e gli avvenimenti che si sono succeduti sulla superficie pittorica».
Il titolo della mostra Goats never fall, metaforicamente incarnato dalle capre come animali che si arrampicano sui dirupi senza cadere, richiama un’alternanza, un confine costante con il rischio, una relazione attiva e dinamica con il vuoto. Nelle opere si intrecciano diversi elementi che generano una tensione costante: l’instabilità della forma, il caos delle immagini, la figurazione e la liquidità del movimento animale. L’instabilità non è intesa come un limite, ma come un orizzonte, una condizione generata dalla complessità della realtà contemporanea, nella quale tanto l’uomo quanto, più in generale, tutti gli esseri viventi si trovano costantemente immersi.
Da qui emerge uno dei temi centrali della ricerca dell’artista: la convivenza e il rispetto per il mondo comune, spesso considerato dall’uomo come una propria prerogativa, dimenticando l’obbligo di tutela nei confronti del pianeta
L’equilibrio non esiste come stato definitivo, ma come una continua messa alla prova. L’uomo tenta di dominare la realtà; la capra, che riesce a mantenersi in equilibrio, agisce in modo analogo, ma con stoica resistenza e umiltà affronta la propria condizione. Non cade nel dirupo, non cade dall’albero, e con ironia Sebastiano Pallavisini racconta storie analoghe nei suoi quadri. Attraverso la pittura ci muoviamo nell’indeterminato, lasciandoci andare e sostando nel fascino del tempo dell’attesa e dell’ambiguità, uno spazio in cui percezione, visione, realtà e intelletto sono profondamente connessi e stimolati dall’esperienza artistica.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)
Sebastiano Pallavisini si è formato all’Accademia di Belle Arti di Venezia, in un contesto in cui tradizione e innovazione si intrecciano, facendo parte di una generazione di giovani artisti per i quali il medium pittorico non viene semplicemente riaffermato o abbandonato, ma diventa un campo di negoziazione tra materia e immagine, memoria e perdita di senso, controllo e abbandono. Questa scena contemporanea si distingue per l’accettazione dell’instabilità come condizione ontologica dell’arte, capace di abitare la complessità del presente senza pretendere di risolverla o di offrirne una lettura univoca.
Per info
info@cragallery.com +393473420598
La mostra è visitabile ogni giorno su appuntamento

MEGA ART FAIR - MILANO
2026-03-16 08:00 - 17:00
We are pleased to take part to MEGA ART FAIR IN MILANO with the artist GIACOMO MODOLO.
We will present the
Inside the Flag: 1.5 × 2 meter diptych stands as one of the most current expressions of the research of Giacomo Modolo, a Vicenza-born artist from the class of 1988. His painting—always figurative yet traversed by abstract contaminations and deeply influenced by historical and contemporary events—finds in this work a sort of manifesto: an investigation into the contemporary need to belong to something in order to feel part of history.
In the painting, the space that hosts the figures merges with the decorations of a hypothetical flag, cancelling depth and perspective. Any clear distinction between what belongs to the colored fabric and what is real disappears: the environment and the figures themselves are permeated by the same chromatic contamination. Within this carnivalesque scenario, a kind of ritual seems to unfold, punctuated by the presence of small fires that at times transform into vegetal elements.
Inside the Flag thus becomes an immersive experience: being the flag and, at the same time, being the environment that inhabits it, until every boundary between individual identity and collective symbol dissolves.

Beyond the portrait
2026-03-21 08:00 - 2026-04-21 17:00
Beyond the Portrait
21 March – 21 April 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
The exhibition Beyond the Portrait marks the beginning of a new dialogue between artistic communities in Italy and Spain, inaugurated at Xavier Fiol Gallery in Palma de Mallorca. Presented in the context of the exchange initiative between TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, the show brings together the works of Italian artists Alessandro Cardinale and Giacomo Modolo.
Moving beyond the traditional understanding of portraiture, the exhibition explores how identity, presence, and representation can be reimagined through contemporary artistic practices. Rather than focusing solely on the depiction of a face or figure, the works presented investigate the psychological, symbolic, and conceptual dimensions of portraiture. The portrait becomes a field of inquiry—an open space where the boundaries between subject and context, interiority and appearance, begin to dissolve.
Alessandro Cardinale’s practice examines the tension between representation and abstraction, using the human figure as a starting point for a broader reflection on perception and memory. His works evoke the presence of individuals while simultaneously fragmenting and reconfiguring their image, inviting viewers to question the stability of identity.
Giacomo Modolo approaches portraiture through a process that blends figuration with subtle distortions and layered surfaces. His works suggest narratives that remain partially concealed, where the portrait becomes a site of emotional resonance rather than a fixed likeness.
Together, the two artists open a space where portraiture expands beyond its historical limits, transforming into a reflection on how we see, remember, and construct the image of the other.
Beyond the Portrait is not only an exhibition but also a gesture of collaboration. By connecting the artistic ecosystems of Turin and Palma de Mallorca, the project fosters a shared platform for exchange, dialogue, and future partnerships between the two cities.
Through this initiative, TAG – Torino Art Galleries and Art Palma Contemporani reaffirm their commitment to supporting international mobility and creating new opportunities for artists and galleries to engage across cultural contexts.

Beyond the Portrait
21 marzo – 21 aprile 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
La mostra Beyond the Portrait segna l’inizio di un nuovo dialogo tra le comunità artistiche di Italia e Spagna, inaugurato presso la Galeria Xavier Fiol a Palma di Maiorca. Presentata nell’ambito dell’iniziativa di scambio TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, l’esposizione riunisce le opere degli artisti italiani Alessandro Cardinale e Giacomo Modolo.
Superando la concezione tradizionale del ritratto, la mostra esplora come identità, presenza e rappresentazione possano essere ripensate attraverso le pratiche artistiche contemporanee. Piuttosto che concentrarsi esclusivamente sulla raffigurazione di un volto o di una figura, le opere presentate indagano le dimensioni psicologiche, simboliche e concettuali del ritratto. Il ritratto diventa così un campo di ricerca — uno spazio aperto in cui i confini tra soggetto e contesto, interiorità e apparenza iniziano a dissolversi.
La pratica di Alessandro Cardinale esamina la tensione tra rappresentazione e astrazione, utilizzando la figura umana come punto di partenza per una riflessione più ampia sulla percezione e sulla memoria. Le sue opere evocano la presenza degli individui mentre al tempo stesso ne frammentano e riconfigurano l’immagine, invitando lo spettatore a interrogarsi sulla stabilità dell’identità.
Giacomo Modolo affronta il ritratto attraverso un processo che combina figurazione, sottili distorsioni e superfici stratificate. Le sue opere suggeriscono narrazioni che rimangono in parte celate, dove il ritratto diventa un luogo di risonanza emotiva più che una somiglianza definita.
Insieme, i due artisti aprono uno spazio in cui il ritratto si espande oltre i suoi limiti storici, trasformandosi in una riflessione su come vediamo, ricordiamo e costruiamo l’immagine dell’altro.
Beyond the Portrait non è solo una mostra, ma anche un gesto di collaborazione. Collegando gli ecosistemi artistici di Torino e Palma di Maiorca, il progetto crea una piattaforma condivisa di scambio, dialogo e future collaborazioni tra le due città.
Attraverso questa iniziativa, TAG – Torino Art Galleries e Art Palma Contemporani riaffermano il loro impegno nel sostenere la mobilità internazionale e nel creare nuove opportunità affinché artisti e gallerie possano confrontarsi attraverso contesti culturali differenti.

SEBASTIANO PALLAVISINI - SUPERLAB
2026-04-16 08:00 - 2026-06-26 17:00
PRESS RELEASESebastiano PallavisiniAbove SuspicionCurated by CRAG GalleryAt Superlab, MilanOpening: April 16, 2026, 6–8 PMDates: April 16 – June 26, 2026
On the occasion of Art Week and Milano Design Week, Superlab presents Above Suspicion, a solo exhibition by Sebastiano Pallavisini. The exhibition marks the beginning of a new collaborative path with CRAG Gallery and inaugurates a program dedicated to emerging artists, within a space conceived as a dynamic environment for research, promotion, and dialogue.
Pallavisini’s painting practice is rooted in his training at the Academy of Fine Arts in Venice, reflected in a careful construction of the image and a particular sensitivity to painterly material and the relationship between figure and space. Painting emerges as a layered language in which mark and color retain a strong expressive autonomy.
The works are inhabited by animal figures and hybrid presences, suspended between reality and imagination. While maintaining formal recognizability, these subjects adopt attitudes and dynamics that recall human behavior: they observe one another, brush past each other, isolate themselves, or confront each other. The result is a series of scenes that evoke shared relationships and fragilities, activating a subtle shift between animal and human in which the viewer is led to recognize elements of their own experience.
A distinctive feature of the work is a subtle, understated irony that runs through the images via deviations, unexpected juxtapositions, and slight dissonances. This register keeps the works balanced between immediacy and depth, avoiding a single, fixed interpretation.
The exhibition is conceived as an experience of discovery and direct interaction. The works require an active gaze and a willingness to engage: not passive viewing, but an encounter in which each piece is completed through the viewer’s interpretation. In June, a site-specific installation by the artist will also be created.
This participatory dimension reflects the very identity of Superlab, understood as a space where art is lived and shared, in constant dialogue with its audience.
Above Suspicion therefore represents not only an exhibition moment, but the beginning of a broader project: a place where contemporary art maintains a strong linguistic identity while opening up to new modes of relationship and experience.
InformationSuperlabViale Sarca 336/2, MilanApril 16 – June 26, 2026Monday – Friday, 8:00 AM – 4:00 PMFree admission

COMUNICATO STAMPA
Sebastiano Pallavisini
Al di sopra di ogni sospetto
A cura di CRAG Gallery
Presso Superlab, Milano
Inaugurazione: 16 aprile 2026 ore 18-20
Periodo: 16 aprile – 26 giugno 2026
In occasione della Art Week e della Milano Design Week, Superlab presenta Al di sopra di ogni sospetto, mostra personale di Sebastiano Pallavisini. L’esposizione segna l’avvio di un nuovo percorso di collaborazione con CRAG Gallery e inaugura una programmazione dedicata ai giovani artisti, all’interno di uno spazio concepito come luogo dinamico di ricerca, promozione e dialogo.
La pratica pittorica di Pallavisini affonda le proprie radici nella formazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, riflettendosi in un’attenta costruzione dell’immagine e in una particolare sensibilità verso la materia pittorica e la relazione tra figura e spazio. La pittura emerge come linguaggio stratificato, in cui segno e colore conservano una forte autonomia espressiva.
Le opere sono abitate da figure animali e presenze ibride, sospese tra realtà e immaginazione. Pur mantenendo una riconoscibilità formale, questi soggetti assumono atteggiamenti e dinamiche che richiamano il comportamento umano: si osservano, si sfiorano, si isolano o si confrontano. Ne derivano scene che evocano relazioni e fragilità condivise, attivando un sottile slittamento tra animale e umano in cui lo spettatore è portato a riconoscere elementi della propria esperienza.
Elemento distintivo del lavoro è una sottile ironia, mai dichiarata, che attraversa le immagini attraverso scarti, accostamenti inattesi e leggere dissonanze. Questo registro mantiene le opere in equilibrio tra immediatezza e profondità, evitando una lettura univoca.
La mostra si configura come un’esperienza di scoperta e di interazione diretta. Le opere richiedono uno sguardo attivo e una disponibilità alla relazione: non una fruizione passiva, ma un incontro in cui ogni lavoro si completa attraverso l’interpretazione dello spettatore. A giugno verrà poi creata una installazione site specific dall’artista.
Questa dimensione partecipativa riflette l’identità stessa di Superlab, inteso come spazio in cui l’arte è vissuta e condivisa, in costante dialogo con il pubblico.
Al di sopra di ogni sospetto rappresenta quindi non solo un momento espositivo, ma l’inizio di un progetto più ampio: un luogo in cui l’arte contemporanea mantiene una forte identità linguistica aprendosi a nuove modalità di relazione e fruizione.
Informazioni
Superlab
Viale Sarca 336/2, Milano
16 aprile – 26 giugno 2026
Lunedì – Venerdì, 8:00 – 16:00
Ingresso libero
