CRAG

THE PHAIR 2024
2024-05-01 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)

Jiri Hauschka - Postcard from Infinity
2024-03-14 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
POSTCARD FROM INFINITY
Mostra personale di Jiri Hauschka
Testo di Martin Dostal
14 marzo – 20 aprile 2024
Inaugurazione giovedì 14 marzo h. 17/21
L’artista sarà presente
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra personale “Postcard from Infinity” dell’artista Jiri Hauschka (Rep.Ceca, 1965) in occasione della quale verrà presentato un nuovo ciclo pittorico dal 14 marzo al 20 aprile nella sede di via Parma 66D.
Il percorso artistico di Hauschka vede negli anni un costante sguardo rivolto ai grandi pittori della contemporaneità, come Peter Doig e Daniel Richter, ai quali si ispira con la propria narrazione pittorica e sensibilità collegando la tradizione della pittura ceca, dell’espressionismo dell’Europa Centrale profondamente radicata nei dipinti della Germania, Austria e Repubblica Ceca già all’inizio del 20° secolo, con il contesto artistico internazionale. Il suo stile è stato profondamente influenzato dall’esperienza londinese degli anni 2005-6 dalla quale è derivata la sua appartenenza al movimento Stuckist e nel 2020 l’editore Thames and Hudson nella pubblicazione World of art series – Movements in Art since 1945, ha inserito Hauschka come artista rappresentativo della scena dell’arte internazionale.
La sua ricerca è caratterizzata dalla presenza costante di una natura selvaggia delle foreste del centro Europa e in particolare della Moravia. La rappresentazione che ne scaturisce, attraverso l’uso del colore, è tesa al limite tra la pittura astratta e figurativa. Ciò che lo circonda viene rappresentato in forme astratte pulsanti con una carica interna intensa e la sua pittura così intrisa di energia esprime in modo tangibile gli stati d’animo lontani e intoccabili delle figure.
In questa mostra, Hauschka ha esplorato nuovi paesaggi, a seguito di una residenza invernale nel sud della Francia, luogo d’ispirazione dei grandi maestri. L’artista è entrato in contatto con inaspettati e incessanti nuovi colori, profumi, luoghi, persone e incontri. Ciò che caratterizza i suoi dipinti resta: i colori simbolici, la forma fluida delle figure, i contorni chiari e il senso della composizione.
Come scrive Martin Dostal, autore del testo di accompagnamento della mostra, “Ogni pittore si entusiasma per qualcosa di diverso, qualcosa di proprio. Jiri Hauschka era affascinato dalle rocce rosso-arancio, che crollano nell’oscurità del mare azzurro, quando la luce è intangibile, strana, neutra, indeterminata. Ogni pittore è alla ricerca di qualcosa di proprio, soprattutto la luce. Nessuno è irreprensibile e siamo tutti innocenti. Basta aprirsi alle situazioni, per quanto inaspettate, strane, bizzarre, inusuali; situazioni in cui le scene diventano storie, storie possibili che non si possono raccontare, si possono solo dipingere. I dipinti di Jiri Hauschka sono una raccolta di sentori di storie possibili nell’infinito del sole, dei colori e della terra a cui nessuno, quasi nessuno, può resistere. L’artista ha dipinto una presenza vissuta e viva, una mescolanza meravigliosamente inquieta di sentimenti e suggestioni, quando già era catturato e intrappolato dalla pittura nel suo infinito ritorno, che si apre all’infinito della pittura“.
La Galleria è entusiasta di inaugurare questa mostra, credendo fortemente nella autenticità della ricerca di Jiri Hauschka, che è in grado di unire nelle sue tele la propria forte sensibilità verso l’esistenza, verso ciò che circonda l’essere umano, e la capacità di trasmettere questa sua visione “alta” allo spettatore, con una resa potente e genuina al tempo stesso.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

POSTCARD FROM INFINITY
Solo show by Jiri Hauschka
Text by Martin Dostal
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
14 March – 20 April 2024
Opening Thursday 14 March h. 17/21
The artist will be present
CRAG Gallery is pleased to open the solo show “Postcard from Infinity” by the artist Jiri Hauschka (Czech Republic, 1965) on the occasion of which a new pictorial cycle will be presented from 14 March to 20 April.
Over the years, Hauschka’s artistic career has seen a constant look towards the great contemporary painters, such as Peter Doig and Daniel Richter, from whom he draws inspiration with his own pictorial narrative and sensitivity, connecting the tradition of Czech painting and Central European expressionism. He was deeply rooted in the paintings of Germany, Austria and the Czech Republic already at the beginning of the 20th century, with the international artistic context. His style was profoundly influenced by the London experience of the years 2005-6 from which his belonging to the Stuckist movement derived and in 2020 the publisher Thames and Hudson in the publication World of art series – Movements in Art since 1945, included Hauschka as a representative artist of the international art scene.
His research is characterized by the constant presence of the wild nature of the forests of central Europe and in particular of Moravia. The resulting representation, through the use of color, is aimed at the limit between abstract and figurative painting. What surrounds him is represented in pulsating abstract forms with an intense internal charge and his painting, so imbued with energy, tangibly expresses the distant and untouchable moods of the figures.
In this exhibition, Hauschka explored new landscapes, following a winter residency in the south of France, a place of inspiration for the great masters. The artist came into contact with unexpected and incessant new colours, scents, places, people and encounters. What characterizes his paintings remains: the symbolic colors, the fluid shape of the figures, the clear contours and the sense of composition.
As Martin Dostal, author of the text accompanying the exhibition, writes, “Every painter gets excited about something different, something of his own. Jiri Hauschka was fascinated by the red-orange rocks, which collapse into the darkness of the blue sea, when the light is intangible, strange, neutral, indeterminate. Every painter is looking for something of his own, especially light. No one is blameless and we are all innocent. Just open yourself up to situations, however unexpected, strange, bizarre, unusual; situations in which scenes become stories, possible stories that cannot be told, they can only be painted. Jiri Hauschka’s paintings are a collection of hints of possible stories in the infinity of the sun, colors and earth that no one, almost no one, can resist. The artist painted a lived and living presence, a wonderfully restless mixture of feelings and suggestions, when he was already captured and trapped by painting in his infinite return, which opens up to the infinity of painting.”
The Gallery is enthusiastic to inaugurate this exhibition, strongly believing in the authenticity of Jiri Hauschka’s research, who is able to combine in his canvases his strong sensitivity towards existence, towards what surrounds the human being, and the ability to transmit this “high” vision of his to the spectator, with a powerful and genuine rendering at the same time.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

DIALOGUES
2024-02-24 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
Crag Gallery, via Parma 66/D, Torino 29 febbraio – 8 marzo 2024
Dialogues – Una mostra collettiva della community IAAD. a cura di Lucrezia Nardi

“Dialogues” è la prima mostra collettiva degli artisti provenienti dalla community IAAD. selezionati attraverso un processo di open call all’interno dell’Istituto, organizzata da IAAD. – Istituto d’Arte Applicata e Design, in collaborazione con CRAG – Chiono Reisova Art Gallery e curata da Lucrezia Nardi.
Ogni anno, IAAD. sceglie un valore specifico come catalizzatore per opere e progetti artistici. Quest’anno, la tematica proposta è il dialogo, diventando così una esplorazione condivisa da parte degli artisti emergenti che hanno lavorato nell’interstizio tra arte e design, proponendo una lettura personale e innovativa della tematica attraverso installazioni, video e progetti fotografici. Partendo dal loro background come designer, gli artisti escono dal contesto tradizionale per immergersi in quello dell’arte contemporanea.
Gli artisti selezionati sono: Chiara Vivalda (2002), che presenta la video proiezione “Connessioni – Small Talks”, un dialogo intimo con una grammatica visiva di tagli e sovrapposizioni, campi lunghi e immagini quotidiane che evocano la poesia delle chiacchiere estemporanee tra amiche. Claudia Nobile (2002) propone un progetto installativo dialettico ed ironico chiamato “Pensavo Tipo”, una descrizione leggera ma attenta dei dubbi di un certo stadio dell’esistenza, quello dei momenti di passaggio. Alessandro Gioia (2000), che ha tradotto il tema del dialogo in un’esplorazione sulla censura e la società dell’immagine con “Censored”, dove i pixel della censura nascondono la facile reperibilità delle stesse immagini nel nostro tempo digitale. Nicolò Ricci (2001), espone tre scatti del progetto “Breccia”, ingranditi e stressati attraverso un processo di stampa scultorea per enfatizzare il dialogo estetico tra le costruzioni architettoniche e il naturale costituito dal cielo. A seguito delle valutazioni della giuria e dell’alta qualità dei progetti, CRAG Gallery ha voluto attribuire due menzioni speciali ai seguenti artisti: Marta Maiolo (2001) con

il progetto di mixed media – collage e fotografia – “I stand perfectly still to avoid detection”, un lavoro sul tema dell’io e dell’altro, esplorando l’ipotesi di un dialogo che è, di fatto, un incontro. Giovanni Migliorucci (2002), con la video installazione interattiva “Stage”, che unisce la tecnologia del touch design a una restituzione tramite un tubo catodico, mostrando un ecosistema che si modifica attraverso l’interazione esterna.
Il processo di selezione dei 6 artisti è stato supportato e condiviso dai membri della giuria di valutazione composta da Alessandro Colombo, direttore generale AD Education Italia; Marco Rainò, direttore artistico e direttore strategico Dipartimento Interior Design IAAD.; Elisabetta Chiono e Karin Reisova, direttrici di Crag Gallery.

Chiara Vivalda – video frame
immagine in copertina Nicolo’ Ricci

Dialogues – A collective exhibition of the IAAD community. edited by Lucrezia Nardi
“Dialogues” is the first collective exhibition of artists from the IAAD community. selected through an open call process within the Institute, organized by IAAD. – Institute of Applied Art and Design, in collaboration with CRAG – Chiono Reisova Art Gallery and curated by Lucrezia Nardi.
Every year, IAAD. chooses a specific value as a catalyst for artistic works and projects. This year, the proposed theme is dialogue, thus becoming a shared exploration by emerging artists who have worked in the interstice between art and design, proposing a personal and innovative reading of the theme through installations, videos and photographic projects. Starting from their background as designers, the artists leave the traditional context to immerse themselves in that of contemporary art.
The selected artists are: Chiara Vivalda (2002), who presents the video projection “Connessioni – Small Talks”, an intimate dialogue with a visual grammar of cuts and superpositions, long shots and everyday images that evoke the poetry of impromptu chats between friends. Claudia Nobile (2002) proposes a dialectical and ironic installation project called ” Penso Tipo “, a light but careful description of the doubts of a certain stage of existence, that of moments of transition. Alessandro Gioia (2000), who translated the theme of dialogue into an exploration of censorship and the society of images with “Censored”, where the pixels of censorship hide the easy availability of the same images in our digital time. Nicolò Ricci (2001), exhibits three shots of the “Breccia” project, enlarged and stressed through a sculptural printing process to emphasize the aesthetic dialogue between the architectural constructions and the natural world constituted by the sky. Following the jury’s evaluations and the high quality of the projects, CRAG Gallery wanted to award two special mentions to the following artists: Marta Maiolo (2001) with
the mixed media project – collage and photography – “I stand perfectly still to avoid detection”, a work on the theme of the self and the other, exploring the hypothesis of a dialogue which is, in fact, an encounter. Giovanni Migliorucci (2002), with the interactive video installation “Stage”, which combines touch design technology with restitution via a cathode ray tube, showing an ecosystem that changes through external interaction.
The selection process of the 6 artists was supported and shared by the members of the evaluation jury composed of Alessandro Colombo, general director of AD Education Italia; Marco Rainò, artistic director and strategic director of the IAAD Interior Design Department; Elisabetta Chiono and Karin Reisova, directors of Crag Gallery.

Autocensura - Artist Residencies Show 23
2023-10-26 08:00 - 2023-12-02 17:00 (Europe/Rome)
Autocensura
Residenze d’artista 2023 – Mostra conclusiva
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 ottobre – 2 dicembre 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TORINO
Mostra aperta ogni giorno su appuntamento
Dopo le residenze di luglio ed agosto, in occasione delle quali Crag si è trasformata in atelier, la galleria è ora lieta di presentare al pubblico dal 27 ottobre al 2 dicembre, ed in particolare in occasione dell’Art week torinese, le opere realizzate dagli artisti Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova e Giacomo Modolo.
Gli artisti sono stati invitati a riflettere sul tema dell’AUTOCENSURA, a partire dal dialogo con Alessandro Chetta, giornalista, poliedrico creativo e autore del libro “Non sia mai detto! Discorso sull’autocensura (arte, politica, maternità)” edito da Aras Edizioni.
La Galleria ha posto l’urgenza della riflessione sul tema e gli artisti si sono espressi attraverso la pittura, il cucito, l’installazione, confrontandosi tra di loro ed interagendo e contaminandosi. Ognuno ha approfondito la tematica dell’autocensura in relazione al proprio lavoro, alla propria identità ed alla percezione personale del ruolo dell’artista nel sistema dell’arte.
“Le residenze d’artista sono un’occasione importante per gli artisti: da una parte ci sono motivazioni pratiche come la possibilità per artisti molto giovani come Elisabetta Mariuzzo e Lucia Kralikova di confrontarsi con altri artisti emergenti, Giacomo Modolo e Oscar Rojas Contreras, ma con quasi dieci anni di esperienza in più, e dall’altra attraverso la residenza è possibile anche uno scambio culturale tra nazionalità diverse.”
Alessandro Chetta “Dalla cancel culture, il movimento di opinione che vorrebbe rimodulare temi classici, la cultura della cancellazione per rispondere a nuovi dettami morali, si passa all’auto cancel culture. Con questo termine si indica il comportamento di chi viene convinto dagli influencer, per esempio, a fare o a dire qualcosa che non si vuole realmente fare o dire. In una dimensione di convivenza civile l’auto censura è una forma di buon senso, ma quando colpisce la creazione artistica non è accettabile. Nel Novecento e nei secoli precedenti colui che veniva definito eretico andava contro lo Stato o la religione: un esempio può essere Pierpaolo Pasolini. Mentre nel passato, quindi, qualsiasi cosa poteva creare scandalo, ai giorni nostri il nemico é impalpabile. Ora il laicismo ha molta presa sul mondo rispetto alla religione, sui social si dibatte di temi sociali, quali il razzismo o la questione LGBT, e ciò fa sì che l’autocensura sia ovunque e ovunque si può fare del male a qualcuno. Per quanto riguarda la figura dell’artista, egli, autocensurandosi, momentaneamente può ottenere successo, ma in seguito non avrà la possibilità di eternarsi.”
La Galleria anch’essa prende posizione e non si autocensura ma decide di sostenere artisti giovani e giovanissimi, in un complesso e costante lavoro di incoraggiamento e formazione.
Il lavoro di Lucia Kralikova (Rep.Ceca, 1998) è influenzato dalla esperienza pregressa della famiglia essendo cresciuta con i genitori che hanno sofferto la censura assoluta e l’impossibilità di esprimersi liberamente durante il regime del comunismo: Lucia vuole al contrario ritenersi libera da qualsiasi forma di limitazione. Attraverso il cucito e la pittura esprime la sua libertà, toccando in particolare il tema della nudità e della sessualità.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) si autocensura dipingendo in particolare sopra ad opere realizzate negli anni passati e che non gli appartengono più: affronta il tema dei disagi legati alla autocensura sia con riferimento all’individualità ma anche rispetto al rapporto con la collettività, alla educazione ed alla reale conoscenza nella trattazione di determinate tematiche. Giacomo costantemente riporta immagini ambigue e non dichiarate, come fosse un osservatore del mondo.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) ha realizzato opere secondo una nuova chiave stilistica, fortemente personali e legate alla figura umana. L’artista seppur giovane, è dotata di un forte senso critico, legato al proprio lavoro ed al sistema dell’arte, e riflettendo sul rapporto artista e pubblico, parla di un “senso etico che andrebbe condiviso” portando avanti una ricerca sentita, senza aderire ad una tendenza per essere accettati.
In ultimo Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) da sempre porta avanti una sua personale ricerca nella quale le immagini della spiritualità messicana e dell’arte antica dei grandi maestri si mescolano dando vita ad una sua nuova visione, fuori dagli schemi, molto personale, ancor prima delle mode.

La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento.
3-4-5 novembre ore 10/12 Colazioni con l’arte TAG COFFEE BREAKFAST organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in collaborazione con Lavazza

Sabato 4 novembre ore 18/23 Notte Bianca delle Arti Contemporanee organizzate da

TAG – Torino Art Galleries in Fondazione CRT per l’Arte

Sabato 11 novembre ore 10 colazione in galleria e talk con il giornalista Alessandro Chetta

Autocensura
Artist residencies 2023 – Final show
Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova, Giacomo Modolo
27 October – 2 December 2023
CRAG GALLERY VIA PARMA 66D – TURIN
Exhibition open every day by appointment
After the residencies in July and August, during which Crag was transformed into an atelier, the gallery is now pleased to present to the public from 27 October to 2 December, and in particular on the occasion of the Turin Art Week, the works created by artists Elisabetta Mariuzzo, Oscar Rojas Contreras, Lucia Kralikova and Giacomo Modolo.
The artists were invited to reflect on the theme of SELF-CENSORSHIP, starting from the dialogue with Alessandro Chetta, journalist, creative polymath and author of the book “Never say it! Discourse on self-censorship (art, politics, motherhood)” published by Aras Edizioni.
The Gallery placed the urgency of reflection on the theme and the artists expressed themselves through painting, sewing, installation, comparing themselves with each other and interacting and contaminating each other. Everyone explored the topic of self-censorship in relation to their work, their identity and their personal perception of the artist’s role in the art system.
“Artist residencies are an important opportunity for artists: on the one hand there are practical reasons such as the possibility for very young artists such as Elisabetta Mariuzzo and Lucia Kralikova to compare themselves with other emerging artists, Giacomo Modolo and Oscar Rojas Contreras, but with almost ten more years of experience, and on the other hand, through residency, a cultural exchange between different nationalities is also possible.”
Alessandro Chetta “From cancel culture, the movement of opinion that would like to reshape classic themes, the culture of cancellation to respond to new moral dictates, we move on to auto cancel culture. This term indicates the behavior of those who are convinced by influencers, for example, to do or say something that they don’t really want to do or say. In a dimension of civil coexistence, self-censorship is a form of common sense, but when it affects artistic creation it is not acceptable. In the twentieth century and in previous centuries, anyone who was defined as a heretic went against the State or religion: an example would be Pierpaolo Pasolini. While in the past, therefore, anything could create scandal, nowadays the enemy is impalpable. Now secularism has a greater grip on the world than religion, social issues are debated on social media, such as racism or the LGBT issue, and this means that self-censorship is everywhere and wherever someone can be harmed. As regards the figure of the artist, he, by self-censoring, can temporarily obtain success, but subsequently will not have the possibility of eternalizing himself.”
The Gallery also takes a position and does not censor itself but decides to support young and very young artists, in a complex and constant work of encouragement and training.
The work of Lucia Kralikova (Czech Republic, 1998) is influenced by the family’s previous experience having grown up with parents who suffered absolute censorship and the impossibility of expressing themselves freely during the communist regime: Lucia, on the contrary, wants to consider herself free from any form of limitation. Through sewing and painting she expresses her freedom, touching in particular on the theme of nudity and sexuality.
Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) censors himself by painting in particular over works created in past years and which no longer belong to him: he addresses the theme of the inconveniences linked to self-censorship both with reference to individuality but also with respect to the relationship with the community, to education and real knowledge in the treatment of certain topics. Giacomo constantly reports ambiguous and unstated images, as if he were an observer of the world.
Elisabetta Mariuzzo (Treviso, 1996) has created works according to a new stylistic key, highly personal and linked to the human figure. The artist, although young, is endowed with a strong critical sense, linked to her work and the art system, and reflecting on the relationship between artist and public, she speaks of an “ethical sense that should be shared” by carrying out heartfelt research, without join a trend to be accepted.
Lastly, Oscar Contreras Rojas (Toluca Mexico, 1986) has always carried out his personal research in which the images of Mexican spirituality and the ancient art of the great masters mix, giving life to his new vision, outside the box, very personal , even before fashions.
– The exhibition will be open every day by appointment.
– 3-4-5 November 10/12 am Breakfasts with art TAG COFFEE BREAKFAST organized by
TAG – Torino Art Galleries in collaboration with Lavazza
– Saturday 4 November 6pm/11pm White Night of Contemporary Arts organized by
TAG – Torino Art Galleries in the CRT Foundation for Art
– Saturday 11 November at 10am breakfast in the gallery and talk with the journalist Alessandro Chetta

ART VERONA 2023
2023-10-12 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG GALLERY is pleased to partecipate at ARTVERONA 2023 with the artist Luca Coser, Roger Coll and Giacomo Modolo.
You’ll find us at Pavillion 12 – Stand L4.

CHEN LI - RESPIRO
2023-09-13 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
RESPIRO
Mostra personale di Chen Li

14 settembre – 20 ottobre 2023
Inaugurazione 14 settembre ore 18/23
In occasione di Ouverture – TAG Torino Art Galleries

RESPIRO è il titolo della mostra personale della giovane pittrice Chen Li (Pechino, 1988) che CRAG Gallery presenterà dal 14 settembre al 20 ottobre 2023 nella sede di via Parma 66D, in continuità con il programma di promozione di giovani artisti.
In mostra un nuovo ciclo di opere e a far da protagonisti saranno una selezione di dittici, realizzati in un lungo periodo di ricerca e di isolamento. E’ il risultato di un percorso, di un’intensa introspezione in un momento fondamentale della sua vita e della crescita come artista.
All’interno di sé Chen Li ha ricercato la chiave per realizzare le opere e, di riflesso, nei propri lavori ha ritrovato se stessa. Non è una circostanza scontata, ma risultato di uno sforzo che si divincola tra concentrazione, entusiasmo, sfida, sperimentazione, sofferenza e rinascita.
Chen ha iniziato un nuovo respiro in cui energia e positività sfociano in opere con un focus sul rapporto con la natura, un ritorno alla vita che è al tempo stesso speranza e promessa. La dimensione più paesaggistica e figurativa della rappresentazione dipende essenzialmente dalla necessità dell’artista di riconnettere la sua interiorità a ciò che la circonda, mentre quella più astratta è legata al suo mondo interiore.
Si compenetrano elementi antropomorfi, vegetali e floreali, tipici della cifra stilistica dell’artista. Ogni dettaglio della composizione corrisponde ad un elemento che l’artista ha fotografato, visto realmente o immaginato, in una rielaborazione che non lascia spazio alla casualità, nonostante l’apparente atmosfera fluttuante e misteriosa.
Dipingere diventa quindi oscillare continuamente in direzione di questi due poli, alla ricerca di un equilibrio, di una dicotomia necessaria.
In una costante sollecitazione da parte del mondo esterno, in particolare attraverso i social, il lavoro di Chen Li ed il suo rigore rappresentano invece la ricerca dell’arcano, quell’entrare viscerale senza distrazione per fluttuare tra spazi decontestualizzati.
La molteplicità di circostanze diventa avvolgente anche per l’osservatore, che gradualmente unisce il ritmo del proprio respiro a quello delle rappresentazioni di Chen Li, entrando così in sintonia con l’artista.

link alle opere https://cragallery.com/artists/chen-li/

BREATH
Chen Li’s solo exhibition
(Beijing, 1988)
14 September – 20 October 2023
Inauguration 14 September at 6pm/11pm
On the occasion of Overture – TAG Torino Art Galleries
CRAG GALLERY
VIA PARMA 66D – TURIN
RESPIRO is the title of the solo exhibition by the young painter Chen Li (Beijing, 1988) that CRAG Gallery will present from 14 September to 20 October 2023 at its headquarters in via Parma 66D, in continuity with the program of promoting young artists.
A new cycle of works will be on display and the protagonists will be a selection of diptychs, created during a long period of research and isolation. It is the result of a journey, of intense introspection in a fundamental moment of her life and of her growth as an artist.
Chen Li searched within himself for the key to creating her works and, consequently, in her own works she found herself. It is not an obvious circumstance, but the result of an effort that wriggles between concentration, enthusiasm, challenge, experimentation, suffering and rebirth.
Chen has begun a new breath in which energy and positivity flow into works with a focus on the relationship with nature, a return to life that is both hope and promise. The more landscape and figurative dimension of the representation essentially depends on the artist’s need to reconnect her interiority to what surrounds her, while the more abstract one is linked to her inner world.
Anthropomorphic, vegetal and floral elements interpenetrate, typical of the artist’s stylistic signature. Every detail of the composition corresponds to an element that the artist photographed, actually saw or imagined, in a reworking that leaves no room for randomness, despite the apparent fluctuating and mysterious atmosphere.
Painting therefore becomes continually oscillating in the direction of these two poles, in search of a balance, of a necessary dichotomy.
In constant solicitation from the outside world, particularly through social media, Chen Li’s work and her rigor instead represent the search for the arcane, that visceral entry without distraction to float between decontextualized spaces.
The multiplicity of circumstances also becomes enveloping for the observer, who gradually unites the rhythm of his own breathing with that of Chen Li’s representations, thus entering into harmony with the artist.

Roma Arte In Nuvola 2023
2023-07-03 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG is pleased to announce the participation at the Roma Arte in Nuvola Fair from November 23rd to the 26th with a solo show of the artist Roger Coll (https://cragallery.com/artists/roger-coll/)
for more info https://romaarteinnuvola.eu/

Matteo Negri - Interrogare lo spazio per trovare il tempo
2023-05-18 08:00 - 2023-06-30 17:00 (Europe/Rome)
QUERY THE SPACE
to find the time
Solo show of Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
18 May – 30 June 2023
The CRAG Gallery, in the new headquarters in via Parma 66D in Turin, inaugurates the exhibition of the Milanese artist Matteo Negri (1982) from 18 May to 30 June 2023.
QUESTIONING THE SPACE to find time is the title of the solo exhibition which includes a selection of the latest works from the Meanwhile series made on steel and aluminium, works on paper and an unprecedented installation that welcomes the visitor to the gallery. The artist, trained in sculpture at the Brera Academy, has developed over the last ten years a research which, starting from elementary shapes and colors, investigates the changing relationship between matter and the perception that our senses have of it.
The fulcrum of this Turin project are the works of the Meanwhile series: reflective and colored sheets with which the artist makes the visitor an integral part of the work through interaction with it.
The realization of the works is long and complex and involves several phases. It starts from the drawings on paper, on which the artist intervenes with acrylic sprays and chalks: they are the study of plane geometries that overlap and create formal and chromatic balances.
Subsequently, these geometries are reported on aluminum bases and painted with spray backgrounds. It is in this phase that the use of iridescent adhesive films begins, which are chosen according to the gradation and tonality, applied creating different levels of color saturation and mirroring surfaces. At this point the transparent dichroic film is applied, a material capable of changing color based on the angle at which the light arrives from the environment. The last finishing level is the hot painting with glossy transparent epoxy paint, which creates a homogeneous and uniform mirror surface.
The result is unexpected, seductive and unsettling: the colors of the backgrounds vary according to the position from which the visitor observes the works. Thus a dialogue is created between object and observer, in which the latter is dragged into the space dilated by the artist, into his pieces of this world. The titles of these works indicate the time and date in which Negri made a visual note (a photograph taken with his cell phone) of a particular situation in which shapes and lights interacted in a significant way. Skies, mountains, rivers and landscapes in general. The individual works try to evoke the poetry of those moments, proposing them to the viewer months or years later in a different spatial context. Thus the geometries and chromatic variations that take place in the gallery space relate memory and the passage of time.
Finally, in this exhibition, Negri uses the language of flags for the first time. Banners that, instead of representing nations or regions, reproduce the typical geometries of his language. The installation reproduces a sort of entrance to a diplomatic office, where flags of imaginary countries are displayed, of which one can become free citizens thanks to the imagination. Once again the artist invites us to be part of his work.

INTERROGARE LO SPAZIO
per trovare il tempo
Mostra personale di Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Torino
18 maggio – 30 giugno 2023

La Galleria CRAG, nella nuova sede di via Parma 66D a Torino, inaugura la mostra dell’artista milanese Matteo Negri (1982) dal 18 maggio al 30 giugno 2023.
INTERROGARE LO SPAZIO per trovare il tempo è il titolo della personale che comprende una selezione degli ultimi lavori della serie Meanwhile realizzati su acciaio e alluminio, opere su carta ed un’inedita installazione che accoglie il visitatore in galleria. L’artista, formatosi in scultura all’Accademia di Brera, ha sviluppato negli ultimi dieci anni una ricerca che, a partire da forme e colori elementari, indaga il rapporto cangiante tra la materia e la percezione che di essa hanno i nostri sensi.
Fulcro di questo progetto torinese sono le opere della serie Meanwhile: lamiere specchianti e colorate con le quali l’artista rende il visitatore parte integrante dell’opera attraverso l’interazione con essa.
La realizzazione delle opere è lunga e complessa e comporta più fasi. Si parte dai disegni su carta, sui quali l’artista interviene con spray acrilico e gessetti: sono lo studio di geometrie di piani che si sovrappongono e vanno a creare equilibri formali e cromatici.
Successivamente, queste geometrie vengono riportate su basi di alluminio e dipinte con campiture spray. È in questa fase che inizia l’uso di pellicole adesive cangianti, che vengono scelte a seconda della gradazione e della tonalità, applicate creando diversi livelli di saturazione di colore e di superfici specchianti. A questo punto viene applicata la pellicola dicroica trasparente, materiale in grado di mutare colore in base all’angolazione con cui la luce arriva dall’ambiente. Ultimo livello di finitura è la verniciatura a caldo con vernice epossidica trasparente lucida, che crea una superficie specchiante omogenea ed uniforme.
Il risultato è inatteso, seducente e spiazzante: i colori delle campiture variano a seconda della posizione da cui il visitatore osserva le opere. Si va a creare così un dialogo tra oggetto e osservatore, nel quale quest’ultimo viene trascinato dentro lo spazio dilatato dall’artista, nei suoi pezzi di questo mondo. I titoli di queste opere indicano l’ora e la data in cui Negri ha preso un appunto visivo (una fotografia scattata con il cellulare) di una situazione particolare in cui forme e luci interagivano in modo significativo. Cieli, montagne, fiumi e paesaggi in generale. Le singole opere cercano di evocare la poesia di quegli istanti, riproponendoli allo spettatore a distanza di mesi o anni in un contesto spaziale differente. Così le geometrie e le variazioni cromatiche che si attuano nello spazio della galleria mettono in relazione la memoria e lo scorrere del tempo.
In questa mostra, infine, Negri usa per la prima volta il linguaggio delle bandiere. Vessilli che, anziché rappresentare nazioni o regioni, riproducono le geometrie tipiche del suo linguaggio. L’installazione riproduce una sorta di ingresso di una sede diplomatica, dove sono esposte bandiere di paesi di fantasia, dei quali si può diventare liberi cittadini grazie all’immaginazione. Ancora una volta l’artista ci invita a fare parte della sua opera.

ph. Bruno Barbero

Ascolta Piove - Lorenzo Gnata
2023-03-18 11:00 - 2023-04-15 17:00 (Europe/Rome)
ASCOLTA PIOVE
solo show – Lorenzo Gnata
March 18 – April 15, 2023
opening Saturday 18 March at 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin
As part of Novissimi+, the first edition of the To.Be call dedicated to the professional growth of emerging artists, coming from a training course at the Accademia Albertina in Turin, the Ghёddo Association and CRAG – Chiono Reisova Art Gallery present Listen. It’s raining, personal exhibition of Lorenzo Gnata.
The exhibition proposal, curated by the Ghёddo Association and CRAG Gallery is part of a wider program of exhibitions, curated by the Ghёddo Association, which provides for the collaboration between artists and contemporary art spaces in the Turin area. The entire project is carried out with the support and patronage of the Accademia Albertina of Turin and the City of Turin and with the support of the Venesio Foundation.
Listen. It’s raining – the title of which draws inspiration from Gabriele D’Annunzio’s famous poem Rain in the Pine Grove – is a project specially conceived by Lorenzo Gnata for CRAG Gallery. «Those of the “poet poet” are verses full of panic sensations, in which the rain, like an invisible veil, without distinction, covers and envelops everything, making everything a single pulsation of nature» – says the artist.
Thus, conceived as an aesthetic homage to Nature and to the places where human feeling and the plant world interpenetrate, the exhibition narrates, through sculptures and environmental installations, the ineffable delicacy of emotions.
The exhibition will be open every day by appointment
Artist biography
Lorenzo Gnata [1997] born in Biella, lives and works in Turin. In 2022 he obtained a second level diploma in painting at the Accademia Albertina in Turin. His artistic research focuses on the existential themes of contemporary man, showing all his fragility through actions with a strong poetic impact. The artist’s works have been exhibited at: Tate Britain (London), Reggia di Venaria – Giardini (Turin), La Triennale (Milan), Fondazione Treccani (Naples), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venice), Artissima (Turin) and they are part of important public and private collections.
Ghёddo Association biography
Ghëddo is a cultural association active in Turin since 2021 with the aim of organizing cultural projects to enhance and promote young emerging art. The association aims to create a dynamic network between artists, galleries and independent spaces in the area, promoting cooperation experiences in order to build a supportive bond and generate dynamics of human, ethical and artistic exchange. Ghëddo is: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.
Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

ASCOLTA. PIOVE
mostra personale di Lorenzo Gnata
18 marzo – 15 aprile 2023

inaugurazione sabato 18 marzo ore 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Torino
Nell’ambito di Novissimi+, la prima edizione del bando To.Be dedicato alla crescita professionale di artisti emergenti, provenienti da un percorso di formazione presso l’Accademia Albertina di Torino, l’Associazione Ghёddo e CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presentano Ascolta. Piove, mostra personale di Lorenzo Gnata.
La proposta espositiva, curata da Associazione Ghёddo e CRAG Gallery si inserisce in un programma più ampio di mostre, a cura di Associazione Ghёddo, che prevede la collaborazione tra artisti e spazi d’arte contemporanea del territorio torinese. L’intero progetto è realizzato con il supporto e il patrocinio dell’Accademia Albertina di Torino e della Città di Torino e con il sostegno della Fondazione Venesio.
Ascolta. Piove – il cui titolo trae ispirazione dalla celebre poesia di Gabriele D’annunzio La pioggia nel pineto – è un progetto appositamente ideato da Lorenzo Gnata per CRAG Gallery. «Quelli del “poeta vate” sono versi carichi di sensazioni paniche, nei quali la pioggia, come un velo invisibile, senza distinzioni, copre e avvolge ogni cosa, rendendo il tutto un’unica pulsazione della natura» – afferma l’artista.
Così, concepita come un omaggio estetico alla Natura e ai luoghi di compenetrazione tra sentimento umano e mondo vegetale, la mostra racconta, attraverso sculture e installazioni ambientali, l’ineffabile delicatezza delle emozioni.
La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento

Biografia artista
Lorenzo Gnata [1997] nato a Biella, vive e lavora a Torino. Nel 2022 consegue il diploma di secondo livello in pittura presso l’Accademia Albertina di Torino. La sua ricerca artistica si concentra attorno ai temi esistenziali dell’uomo contemporaneo, mostrandone, attraverso azioni dal forte impatto poetico, tutte le fragilità. Le opere dell’artista sono state esposte presso: Tate Britain (Londra), Reggia di Venaria – Giardini (Torino), La Triennale (Milano), Fondazione Treccani (Napoli), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venezia), Artissima (Torino) e fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private.

Biografia Associazione Ghёddo
Ghëddo è un’associazione culturale attiva a Torino dal 2021 con l’obiettivo di organizzare progetti culturali per valorizzare e promuovere la giovane arte emergente. L’associazione mira a creare una rete dinamica tra artistə, gallerie e spazi indipendenti del territorio, favorendo esperienze di cooperazione al fine di costruire un legame solidale e generare dinamiche di scambio umano, etico, artistico. Ghëddo è: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.

Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

Le beatitudini - Laura Omacini
2023-03-02 08:00 - 2023-04-01 17:00 (Europe/Rome)
LE BEATITUDINI
Solo show of Laura Omacini
March 2 – April 1, 2023
Crag Gallery is pleased to present “Le beatitudes”, a solo exhibition by the artist Laura Omacini (Venice, 1991) in the new gallery location in via Parma 66D, from 2 March to 1 April 2023.
Le beatitudes is the title that brings together the latest series of works by Laura Omacini, presented for the first time in the Project Room of the Ca’ Pesaro Museum in Venice on the occasion of the eighteenth edition of the Contemporary Art Day, and collected on this occasion at the new headquarters of the CRAG gallery in Turin, already promoter of the lagoon exhibition in collaboration with AMACI and ArtVerona.
The new series of works develops around a theme deeply linked to the city of Venice, but which opens up to a reflection that can be extended to the panorama of all historic cities, focused on the relationship between living and preserving, between public and private space, between sacred places and profane, embracing a material that touches existential and identity issues.
The subject of the series are in fact the scaffolding that climbs around the buildings being restored: constructions of an impermanent nature, but which take the form of constant elements of the urban landscape, especially where a large number of ancient buildings are concentrated.
The entire corpus of works is developed through a complex technique, obtained through a slow overlapping of transparent glazes spread over collages formed by fragments of photos taken from newspapers. The result is compositions characterized by a continuous interference between the different planes of representation, where the structures of innocent pipes frame the images of an elusive present, while the gaze pursues the rising of the large protective sheets, which seem to mend and contain the split between material on which they themselves rely.
The series fits perfectly within the path of the artist, whose work is characterized by diaphanous and rarefied atmospheres, in which the description of border places and environments without stable references identifies a symbolic space in which to simulate the encounter between landscape interior and circumstantial reality, generating images that are both dreamlike and realistic.
LAURA OMACINI
Laura Omacini was born in Venice in 1991, she studied at the Academy of Fine Arts in Venice and at the École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne in Rennes. In 2018 she was the winner of the Contemporary Art Prize organized by the Rotary Clubs of Bonn, Novara and Strasbourg. Between 2019 and 2020 you obtained the assignment of an atelier at the Bevilacqua La Masa Foundation Institution in Venice. In 2020 she presented her first solo exhibition at the CRAG gallery in Turin and in 2021 she took part in the artist residency program at the MEVE (Veneto memorial of the Great War of Montebelluna). As a result of winning the Level 0 award, achieved together with the CRAG gallery in Turin at the 16th edition of ArtVerona, in 2022 she presented her solo exhibition Le beatitudes in the Ca ‘Pesaro Museum in Venice.
link to the artworks / link alle opere https://cragallery.com/artists/laura-omacini/

LE BEATITUDINI
Mostra personale di Laura Omacini
2 marzo – 1° aprile 2023

Crag Gallery è lieta di presentare “Le beatitudini”, mostra personale dell’artista Laura Omacini (Venezia, 1991) nella nuova sede della galleria in via Parma 66D, dal 2 marzo al 1° aprile 2023.
Le beatitudini è il titolo che riunisce l’ultima serie di opere di Laura Omacini, presentate per la prima volta nella Project Room del Museo di Ca’ Pesaro a Venezia in occasione della diciottesima edizione della Giornata del Contemporaneo, e raccolta in questa occasione presso la nuova sede della galleria CRAG di Torino, già promotrice della mostra lagunare in collaborazione con AMACI e ArtVerona.
La nuova serie di opere si sviluppa intorno ad un tema profondamente legato alla città di Venezia, ma che apre a una riflessione estendibile al panorama di tutte le città storiche, incentrato sul rapporto tra abitare e conservare, tra spazio pubblico e privato, tra luogo sacro e profano, abbracciando una materia che tocca nodi esistenziali ed identitari.
Soggetto della serie sono infatti le impalcature che si arrampicano intorno agli edifici in restauro: costruzioni di natura impermanente, ma che si configurano come elementi costanti del paesaggio urbano, tanto più là dove si concentri un gran numero di fabbricati antichi.
L’intero corpus di opere è sviluppato attraverso una tecnica complessa, ottenuta per tramite di una lenta sovrapposizione di velature trasparenti stese su collages formati da frammenti di foto estrapolate dai giornali. Ne risultano composizioni caratterizzate da una continua interferenza tra i diversi piani della rappresentazione, dove le strutture di tubi innocenti incorniciano le immagini di un presente inafferrabile, mentre lo sguardo insegue l’innalzarsi dei grandi teli di protezione, che sembrano ricucire e contenere la scissione della materia su cui essi stessi appoggiano.
La serie si inserisce perfettamente all’interno del percorso dell’artista, il cui lavoro è caratterizzato da atmosfere diafane e rarefatte, in cui la descrizione di luoghi di confine e ambienti privi di riferimenti stabili identifica uno spazio simbolico dove simulare l’incontro tra paesaggio interiore e realtà circostanziale, generando immagini al contempo oniriche e realistiche.
LAURA OMACINI
Laura Omacini è nata a Venezia nel 1991, ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne di Rennes. Nel 2018 è stata vincitrice del Contemporary Art Prize indetto dai Rotary Club di Bonn, Novara e Strasburgo. Tra il 2019 e il 2020 ha ottenuto l’assegnazione di un atelier presso l’Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia. Nel 2020 ha presentato la sua prima personale presso la galleria CRAG di Torino e nel 2021 ha preso parte al programma di residenza d’artista presso il MEVE (memoriale veneto della Grande Guerra di Montebelluna). Conseguentemente alla vincita del premio Level 0, conseguito insieme alla galleria CRAG di Torino alla 16ma edizione di ArtVerona, nel 2022 ha presentato la personale Le beatitudini nel Museo di Ca’ Pesaro a Venezia.

HSIANG HAN HSU - SELECTED DESIGN WORKS
2022-12-12 08:00 - 2023-01-14 17:00 (Europe/Rome)
HSIANG HAN DESIGN is a multi-disciplinary design studio based in Taipei & Milan, which gets inspired by nature and concentrates on exploring bionics to combine with technology. The design range covers lighting, furniture, tech products and even limited edition objects.
The studio is specialized in cooperation in different fields (plastic, 3D printer, glass, marble, ceramic, wood, electronic technology, …etc.), and dedicated in research of materials and production process in order to create further possibilities and value of products, craftsmanship and industry innovation.

AWARDS
2019 Golden Pin Design Award
​2018 A’Design Award
2015 BraunPrize
2015 IDEA
​2014 iF Design Award
​2012 Red Dot Design Award

EXHIBITIONS
2023 Crag Home Gallery
2020 Taiwan Design Museum
2019 SaloneSatellite
2018 Maison & Objet
2018 SaloneSatellite
​2012 Red Dot Design Museum
​2011 Taipei World Design Expo

Roger Coll - Simplicity. Beauty behind ceramics
2022-11-17 08:00 - 2023-01-14 17:00 (Europe/Rome)
SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Mostra personale di Roger Coll

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Torino
17 novembre 2022 – 14 gennaio 2023
Inaugurazione giovedì 17 novembre 16/21

Le sculture dell’artista spagnolo Roger Coll (Barcellona, 1979) sono presentate nella prima personale italiana dedicata all’artista nel nuovo spazio espositivo della Galleria CRAG, in via Parma 66/D dal 17 novembre 2022 al 14 gennaio 2023.
Roger Coll si è formato all’Università ETSA – Architettura Tecnica di Barcellona, successivamente ​​all’EASD di Barcellona, ​​EASD Pau Gargallo e EASD di Vic, dove vive e lavora.
La mostra dal titolo “Simplicity. The beauty behind ceramics” comprende un ciclo inedito di sculture in ceramica ispirate alla teoria della bellezza nella semplicità, intesa anche nelle singole parti che compongono il tutto. Plotino diceva che la bellezza consiste nell’unità virtuosa di tutte le forme: “la bellezza è nei molti quando i molti sono visti come uno”. La costruzione di Roger Coll avviene in elementi basilari che nella ripetizione creano qualcosa di più complesso e potente, che libera la sua creatività.
Ogni scultura ha un colore o una lavorazione finale diversa “ed è come una parola che aiuta a definirla. Se fossi bravo con le parole o il ritmo sarei uno scrittore o un musicista ma non lo sono, quindi uso un altro modo per esprimermi. In questo senso, se le opere sono come parole della mia lingua, termini come scala, consistenza o colore sono elementi che aiutano a stabilire il tono e a inviare il messaggio. Detto questo, l’uso del colore non è razionale ma intuitivo. A volte sento che un certo lavoro ha bisogno di quel colore e non di altro. Ma non so spiegare perché” (Roger Coll).
La formazione come architetto ha influenzato il lavoro dello scultore sia dal punto di vista dei materiali, nella forma e nelle caratteristiche, sia dal punto di vista costruttivo. Sin da ragazzo Coll ha avuto un forte interesse per tutti i tipi di materiali, quando nei cantieri della sua famiglia collezionava ogni sorta di piccoli oggetti, schiume, fili, tutto ciò che potesse sembrare scultoreo.
Le sue opere si muovono nello spazio, invadendolo con fluidità ed interagendo con lo spettatore ed i suoi sensi, invitando lo sguardo a percepirne il movimento.
mostra visitabile ogni giorno su appuntamento
per visionare le opere https://cragallery.com/artists/roger-coll/

SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Solo exhibition of Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Turin
17 November 2022 – 14 January 2023
Inauguration Thursday 17 November 16/21
The artist will be present
The sculptures of the Spanish artist Roger Coll (Barcelona, ​​1979) are presented in the first Italian solo exhibition dedicated to the artist in the new exhibition space of the CRAG Gallery, in via Parma 66/D from 17 November 2022 to 14 January 2023.
Roger Coll trained at the ETSA-Technical Architecture University of Barcelona, ​​then at EASD Barcelona, ​​EASD Pau Gargallo and EASD Vic, where he lives and works.
The exhibition entitled “Simplicity. The beauty behind ceramics” includes a new cycle of ceramic sculptures inspired by the theory of beauty in simplicity, also understood in the individual parts that make up the whole. Plotinus said that beauty consists in the virtuous unity of all forms: “beauty is in the many when the many are seen as one”. Roger Coll’s construction takes place in basic elements which in repetition create something more complex and powerful, which frees his creativity.
Each sculpture has a different color or final processing “and it is like a word that helps to define it. If I was good with words or rhythm I’d be a writer or a musician but I’m not so I use another way to express myself. In this sense, if the works are like words in my language, terms like scale, texture or color are elements that help set the tone and send the message. That said, the use of color is not rational but intuitive. Sometimes I feel that a certain job needs that color and nothing else. But I can’t explain why” (Roger Coll).
Training as an architect has influenced the sculptor’s work both from the point of view of materials, in the form and characteristics, and from the constructive point of view. Since he was a boy, Coll had a strong interest in all types of materials, when on his family’s construction sites he collected all sorts of small objects, foams, threads, anything that might seem sculptural.
His works move in space, invading it with fluidity and interacting with the viewer and his senses, inviting the gaze to perceive its movement.
exhibition can be visited every day by appointment

Giacomo Modolo - Blaze
2022-10-27 08:00 - 2022-11-26 17:00 UTC
PH Bruno Barbero
BLAZE
Mostra personale di Giacomo Modolo
Via Giolitti 51 – Torino
27 ottobre – 26 novembre 2022
Inaugurazione giovedì 27 ottobre 16/20
L’artista sarà presente
In occasione della settimana dell’arte torinese, CRAG Gallery presenta la mostra BLAZE, personale dell’artista Giacomo Modolo (Vicenza, 1988) dal 27 ottobre al 26 novembre 2022.
La mostra nasce da una nuova ricerca del giovane artista, realizzato in parte a Torino, dopo un lungo periodo di riflessione sulla sua pratica pittorica, interiore ed estetica, un rito purificatorio.
La scelta stilistica e contenutistica della ricerca di Giacomo Modolo mette in primo piano il discorso della Forma, in particolare attraverso la rappresentazione dei felini, protagonisti indiscussi delle nuove opere, sia da un punto di vista simbolico e sia per la loro anatomia appagante per l’artista.
A partire dalla Forma si evolvono i quadri, con una forte base decorativa che deriva dalla formazione accademica di Modolo, alternando piani più fluidi ad altri schematici, passando dall’aspetto illustrativo e narrativo ad una ricerca che ricorda il manifesto.
La pittura talvolta più gestuale viene alternata a soluzioni e campiture piatte, dando rilievo alle differenti fasi tra progettazione e realizzazione.
Gli animali, guardiani della composizione, si mescolano con il paesaggio astratto, che spesso si trasforma diventando fiamma (un falò depurativo) o bandiera (quale ricerca di una identità che già permaneva nelle opere precedenti).
Tra le fiamme e i fumi psichedelici le immagini bruciano e si rigenerano nel continuo ricambio di linee, volto a dare forma alla tessitura di una trama. Decorazione e gesto creano immaginari iconici, quasi manifesti grafici dalle fattezze fluide, teatrali e dichiaratamente illustrative.
Ed è in questo rituale che sono gettate nel fuoco le bandiere, gli animali feroci e le relazioni, ovvero tutto quello che si fa simbolo delle certezze quotidiane dell’artista come il senso di appartenenza a qualcosa o a qualcuno.
“Blaze, utilizzando termini musicali, a me più amichevoli, non si tratta di un album completo ma piuttosto di una “demo” di pochi brani: scritti nel mezzo di una carriera già avviata ed impegnati a tracciare una pagina, seppur sperimentale, di cambiamento (estetico e spirituale).”
mostra visitabile ma – sa 11/13 e 15.30/19 o su appuntamento

BLAZE
Personal exhibition of Giacomo Modolo
Via Giolitti 51 – Turin
27 October – 26 November 2022
Opening Thursday 27 October 16/20
The artist will be present
On the occasion of the Turin art week, CRAG Gallery presents the BLAZE exhibition, a personal exhibition by the artist Giacomo Modolo (Vicenza, 1988).
The exhibition was born from a new pictorial cycle of the young artist, realized in part in Turin, after a long period of reflection on his pictorial practice, and a crescendo of interior and aesthetic research, a purifying rite.
The stylistic and content choice of Giacomo Modolo’s research highlights the discourse of Form, in particular through the representation of felines, the undisputed protagonists of the new works, both from a symbolic point of view and for their satisfying anatomy for the artist.
The paintings therefore evolve starting from the Form, with a strong decorative base that derives from Modolo’s academic training, alternating more fluid planes with other schematic ones, passing from the illustrative and narrative aspect to a research that recalls the manifesto.
Sometimes more gestural painting is alternated with solutions and flat backgrounds, emphasizing the different phases between design and construction.
The animals, guardians of the composition, mingle with the abstract landscape, which often transforms itself into a flame (a purifying bonfire) or a flag (as a search for an identity that already persisted in previous works).
Between the flames and the psychedelic fumes the images burn and regenerate themselves in the continuous exchange of lines, aimed at giving shape to the weaving of a plot. Decoration and gesture create iconic imaginaries, almost graphic posters with fluid, theatrical and openly illustrative features.
And it is in this ritual that flags, ferocious animals and relationships are thrown into the fire, that is, everything that becomes a symbol of the artist’s daily certainties such as the sense of belonging to something or someone.
“Blaze is not a pictorial cycle. Using musical terms, more friendly to me, this is not a complete album but rather a “demo” of a few songs: written in the middle of a career already underway and committed to tracing a page, albeit experimental, of change (aesthetic and spiritual).”
exhibition open from 11 am to 1 pm and from 3.30 pm to 7 pm or by appointment

ARTVERONA 2022
2022-10-13 08:00 - 2022-10-16 17:00 UTC
CRAG GALLERY riconferma la partecipazione ad ARTVERONA 2022 con le artiste
Laura Omacini, Ilaria Simeoni ed Elisabetta Mariuzzo.

STAND 7 SEZIONE NEXT – PAD. 12

info su https://artverona.it/

Elisabetta Mariuzzo

Laura Omacini

Ilaria Simeoni

Laura Omacini - Le beatitudini - Museo Ca' Pesaro
2022-10-07 08:00 - 2022-11-06 17:00 (Europe/Rome)
Laura Omacini. Le beatitudini
Ca’ Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, 7.10 – 6.11.2022
A cura di / Curated by Elisabetta Barisoni
Selezionata nel 2021 da Ca’ Pesaro per il Premio Level 0 di ArtVerona, Laura Omacini ha voluto creare per la project room al piano terra del Museo una nuova serie di opere intorno a un soggetto profondamente legato alla città di Venezia, che da anni documenta attraverso fotografie, schizzi ed appunti.
Le impalcature, con il loro arrampicarsi intorno agli edifici, le loro velature e camuffamenti, sono trattate come un elemento caratteristico del paesaggio cittadino, il cui equilibrio necessita di continue cure e attenzioni. Presenze al contempo benefiche e invasive, costanti e impermanenti, queste costruzioni vengono estrapolate dal contesto urbano e riportate su collages che raccolgono frammenti di immagini tratte da riviste e quotidiani locali, trasformandosi in membrane contenitive di un racconto del presente, tra le cui increspature possiamo intravedere una serie di connessioni e rimandi simbolici.
La tensione tra lo spessore del collage e la superficie del film pittorico, insieme al contrasto tra l’opacità delle luci e la trasparenza delle ombre, ricrea un movimento acquatico che scompone e deforma la visione, unendo il fondale ai riflessi del cielo. Si originano così composizioni che richiamano simultaneamente l’intimità della casa, della cura, del gesto quotidiano, e l’alterità del mondo, la sua interferenza, il suo caos generativo, aprendo a una molteplicità di interpretazioni e letture diverse.
Il titolo della serie evoca un percorso verticale, invitando lo sguardo a scalare l’immagine attraverso i diversi piani della rappresentazione.
https://capesaro.visitmuve.it/it/mostre/mostre-in-corso/laura-omacini-le-beatitudini/2022/09/22090/laura-omacini/

Selected in 2021 by Ca ‘Pesaro for the Level 0 Award of ArtVerona, Laura Omacini wanted to create for the project room on the ground floor of the Museum a new series of works around a subject deeply linked to the city of Venice, which for years she has documented through photographs, sketches and notes.
The scaffolding, with their climbing around the buildings, their veils and camouflages, are treated as a characteristic element of the city landscape, whose balance requires continuous care and attention. Presences at the same time beneficial and invasive, constant and impermanent, these constructions are extrapolated from the urban context and reported on collages that collect fragments of images taken from local magazines and newspapers, transforming themselves into containing membranes of a story of the present, among whose ripples we can glimpse a series of connections and symbolic references.
The tension between the thickness of the collage and the surface of the pictorial film, together with the contrast between the opacity of the lights and the transparency of the shadows, recreates an aquatic movement that breaks down and deforms the vision, combining the backdrop with the reflections of the sky. Thus compositions arise that simultaneously recall the intimacy of the home, care, the daily gesture, and the otherness of the world, its interference, its generative chaos, opening up to a multiplicity of different interpretations and readings.
The title of the series evokes a vertical path, inviting the eye to scale the image through the different levels of representation.

Continuum - Tomas Tichy
2022-10-05 08:00 - 2022-11-12 17:00 UTC
ph Bruno Barbero

CONTINUUM
Mostra personale di Tomas Tichy
Via Parma 66 D – Torino
5 ottobre – 12 novembre 2022
Il 5 ottobre 2022 CRAG Gallery presenta il nuovo spazio espositivo con la mostra Continuum dell’artista Tomas Tichy (Praga, 1984) appartenente alla scena praghese della giovane pittura figurativa.
Il luminosissimo loft nel quartiere Regio Parco in via Parma 66D, che si affianca alla sede di via Giolitti 51, vuole diventare a partire dal 2023 uno spazio di scambio tra arte, design, ed esperienze, interessi, e visioni di menti creative. Il desiderio è di condividere progetti tra più generazioni e continuare il percorso della galleria alla ricerca di artisti emergenti.
Per questa preview dello spazio, CRAG Gallery ha scelto di presentare un ciclo tematico realizzato tra il 2020 ed il 2022, con fulcro l’osservazione dei cambiamenti dovuti alle tecnologie digitali e post-mediali che hanno influenzato ed influenzano la sensibilità dell’essere umano. A partire da immagini fotografiche in movimento, Tomas Tichy con il media pittorico ci restituisce opere che interagiscono con la nostra percezione.
In passato la pittura figurativa rappresentava prevalentemente la realtà per ciò che era: attraverso le opere di Tichy le raffigurazioni contemporanee riportano ad una realtà mistificata, fluida e cruda, ad un dualismo tra ciò che è e ciò che appare.
Le tematiche approfondite dall’artista sono molteplici, dalla moda, allo sport, alle tecnologie, agli idoli. I soggetti rappresentati nell’atto sportivo sono caratterizzati da una accelerazione quasi atemporale, a metafora della nostra costante esigenza o abitudine alla corsa e competitività nelle azioni quotidiane.
Dall’altro lato l’artista si concentra sui “paradisi artificiali” della moda, nei quali oggi più che mai il mondo del digitale ci presenta una realtà ideale e spesso effimera. Le immagini, in particolare delle modelle iconiche, vengono modificate pittoricamente come se fossero create meccanicamente dal trascinamento delle immagini su iPad. Viene ricreata una nuova dimensione di percezione del volto e della figura che restituisce il lato umano, reale, quasi malinconico, abbandonando quello statico e di “facciata”.
Nelle opere ritroviamo “piante digitali”, come analogia dell’intelligenza artificiale, “con una forma che allude allo stato naturale seppure quello che stiamo osservando sia solo una struttura surrogata, mimetizzata”” (Petr Vanous), che trasmette energia da un lato, ma alienazione dall’altro.
Questo costante dualismo critico nelle rappresentazioni, pregnante nelle scene di box o nell’interazione uomo-animale, è portato avanti da Tichy con convinzione dello strumento artistico come chiave di presa di coscienza ed invito a vedere le opere d’arte come specchio di riflessione e abbandono ad una dimensione umana da ritrovare.
Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

CONTINUUM
Solo exhibition of Tomas Tichy
New space preview
Via Parma 66 D – Turin
5 October – 12 November 2022
On 5 October 2022 CRAG Gallery presents the new exhibition space with the Continuum exhibition by the artist Tomas Tichy (Prague, 1984) belonging to the Prague scene of young figurative painting.
The bright loft in the Regio Parco district in via Parma 66D, which joins the headquarters in via Giolitti 51, wants to become, starting from 2023, a space for exchange between art, design, and experiences, interests, and visions of creative minds. The desire is to share projects between generations and continue the path of the gallery in search of emerging artists.
For this preview of the space, CRAG Gallery has chosen to present a thematic cycle created between 2020 and 2022, with the focus on observing the changes due to digital and post-media technologies that have influenced and influence the sensitivity of the human being. Starting from photographic images in motion, Tomas Tichy with the pictorial media gives us works that interact with our perception.
In the past, figurative painting mainly represented reality for what it was: through Tichy’s works, contemporary representations bring back to a mystified, fluid and raw reality, to a dualism between what is and what appears.
The themes explored by the artist are many, from fashion, to sport, to technologies, to idols. The subjects represented in the sporting act are characterized by an almost timeless acceleration, a metaphor of our constant need or habit of running and competitiveness in daily actions.
On the other hand, the artist focuses on the “artificial paradises” of fashion, in which today more than ever the digital world presents us with an ideal and often ephemeral reality. Images, especially of iconic models, are pictorially modified as if they were created mechanically by dragging the images onto the iPad. A new dimension of perception of the face and of the figure is recreated which returns the human, real, almost melancholic side, abandoning the static and “facade” side.
In the works we find “digital plants”, as an analogy of artificial intelligence, “with a form that alludes to the natural state even though what we are observing is only a surrogate, camouflaged structure” “(Petr Vanous), which transmits energy on the one hand, but alienation from the other.
This constant critical dualism in the representations, pregnant in the box scenes or in the human-animal interaction, is carried out by Tichy with conviction of the artistic instrument as a key to awareness and an invitation to see the works of art as a mirror of reflection and abandonment to a human dimension to be rediscovered.

Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

I cieli in una stanza - Federico Caputo
2022-09-15 08:00 - 2022-10-15 17:00 (Europe/Rome)
La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare I cieli in una stanza, mostra personale dell’artista Federico Caputo (Sanremo, 1995) dal 15 settembre al 15 ottobre 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
Questa mostra nasce dalla condivisione di una scoperta.
Tutto è iniziato con l’acquisto d’impulso di un album di fotografie contenente una raccolta di cartoline stampate durante il periodo del colonialismo dalla ditta “Fotocelere” di Torino. Le immagini erano tratte da scatti di Aldo Baratti che all’epoca viveva in Etiopia, dove aveva lo studio fotografico.
Il fascino delle fotografie di Baratti, che con lo sguardo occidentale aveva ritratto un’Africa da sogno, ci ha portati a riflettere su quale immaginario avessero suscitato queste cartoline distribuite tra il 1930 e il 1935 in Italia, e quanto siano interessanti ancora oggi.
photo di Davide D’Ambra
Le tematiche delle cartoline rimandano a differenti serie, tra cui i corpi con i seni scoperti delle ragazze bilene, chiamate “Veneri nere”: il nostro pensiero è andato al “madamato” e poi ancor oggi alle spose bambine. Altre serie raffigurano guerrieri in posa altera, scene di lavoro e di quotidianità, feste e cerimonie religiose. Tutto ciò spesso ripreso in mezzo ad una natura meravigliosa con sullo sfondo il gigante sicomoro e la fila di elefanti che incede passo dopo passo.
Le nostre conversazioni, stimolate dalle cartoline, s’incalzavano via via che si approfondiva l’appassionante ricerca intorno al tema Etiopia. Federico Caputo ha raccolto i pensieri, l’immaginario, le note storiche fino a realizzare le opere in mostra. Abbiamo avuto la consapevolezza di come spesso sia difficile ripensare alla storia se non per stereotipi, cosicché il nostro dialogo si è arricchito di un’ulteriore analisi grazie alla collaborazione di Nicola Imoli e di un testo di Michela Mivida Di Meo, antropologi.
Dopo questo periodo di ricerca e riflessione, Federico ha realizzato le sue opere intersecando liberamente le immagini delle cartoline con la sua pratica artistica, la sua storia personale e quella collettiva con richiami al mondo della canzone. Ricamo dopo ricamo, ha sovrapposto i suoi pensieri e le immagini fino a fissare con il filo e la lentezza del gesto una stratificazione tra il passato e la vita più recente. Le opere sono quadri ricamati a mano su stampe serigrafiche, talvolta racchiuse in teche fosforescenti, evidenziando così la barriera tra il passato e il presente, tra il gesto intimo e antico del cucire con lane e fili preziosi e i contenitori fluo come i colori della palette dell’artista. In questo modo Federico Caputo, in continuità con il suo lavoro, ha inserito i suoi temi cari, tra cui le figure iconiche degli anni ’60 che dominano la scena, rimanendo legato a quel senso di nostalgia che pervade le sue opere, non cadendo in questo modo in prevedibili soluzioni. È così che nasce l’opera guida della mostra, nella quale l’artista s’immagina seduto sotto al grande sicomoro a contemplare un cielo immenso ascoltando “il cielo in una stanza” di Gino Paoli, in una dimensione senza tempo.
“Quando sei qui con me, questa stanza non ha più pareti, ma alberi, alberi infiniti…”
Si ringraziano gli antropologi Nicola Imoli e Michela Mivida Di Meo per il testo a supporto della mostra e per il loro entusiasmo nella partecipazione al progetto.

Photo di Davide D’Ambra
Nicola Imoli (Vicenza, 1988)
Nicola Imoli dopo una laurea triennale in Lingue, letterature e culture del Mediterraneo (Arabo e Hindi) si è laureato in Antropologia culturale all’Università Ca’ Foscari di Venezia con una tesi sul paesaggio condiviso da pastori e miniere nel deserto del Gobi, in Mongolia meridionale. Si è interessato in particolare allo studio dei fenomeni di mutamento sociale tramite le lente offerte dall’antropologia del paesaggio e delle forme di abitazione. Attualmente è dottorando presso l’Università di Torino.
Michela Mivida Di Meo (Rodi, 1988)
Di madre greca-etiope e padre italo-etiope, Michela cresce ad Atene fino al trasferimento in Italia, a Desenzano del Garda, dove frequenta l‘intero ciclo scolastico fino a laurearsi in Filosofia, a Verona. Conseguita la specializzazione in Antropologia culturale, durante gli studi universitari si avvicina al pensiero della differenza sessuale. Attualmente abita a Padova. Le piace pensare alla scrittura come il respiro della vita. Il suo racconto, Ston afro, ston afro tis thalassa, ha vinto il Terzo Premio della XI edizione del Concorso letterario nazionale Lingua Madre.
Federico Caputo – Biografia
Federico Caputo (Sanremo, 1995) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino, dove vive e lavora.
La sua pratica artistica è caratterizzata da un forte interesse per l’estetica della fibra e delle arti tessili. Il giovane artista utilizza sia materiali naturali che sintetici, con il ricamo tradizionale e la sartoria italiana come suoi principali punti di riferimento. La ricerca formale viene unita a quella sostanziale, passando in particolare dalla cultura italiana degli anni’60 a figure e oggetti pop contemporanei.
per visionare le opere federico caputo works

Matteo Negri - Pezzi di questo mondo
2022-06-09 08:00 - 2022-07-29 17:00 UTC
MATTEO NEGRI
PIECES OF THIS WORLD
June 9th – July 29th 2022
Exhibition organised by CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51 / A – Turin
Hosted by STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO
C.so Vittorio Emanuele 68 – Turin
exhibition open by appointment only

Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present the work of the sculptor Matteo Negri (1982) to the Turin public in the exhibition Pieces of this world from 9 June to 29 July 2022, in the wonderful rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm in Corso Vittorio Emanuele. n. 68 in Turin.
The space where Matteo Negri’s exhibition is set up leads us, each time, to imagine new scenarios. It leads us to interact with beauty, the genius of those who designed it, the personality of those who live it, a different perspective of inserting the works of artists.
Matteo’s works are welcomed in the splendid rooms of the Gebbia Bortolotto Law Firm which offer a dialogue of colors, lights, materials, perfectly in line with his research since the early post-academic years and his vision of the sculptural system as a relationship with the space and with the visitor, in a game of continuous exchange, perception and introspection.
“The fabulous world of Teo”, as the title of a previous exhibition suggests, welcomes us among works belonging to different periods. In the Lego series Matteo Negri offers us an iconographic pop aesthetic, combined with careful attention to the material, its rigidity, the lightness of the image, the warmth of the material, made explosive and boundless in the Lego Silver series, the sculpture in the entrance . It is a search for origins, for essentiality: “in his hands the building brick is shaped, twisted, broken, knotted and undergoes those transformations that could only be imagined with a normal lego, and perhaps, they have always been sought when imposed forms were unable to satisfy the imagination; through the freedom given by art, all possible imagination is no longer sacrificed to the modular interlocking action “(Giancarlo Pedrazzini, L’Egoïsme).
The “Meanwhile” series transports us into a game of mirrors and pure forms which interacting with space allow us to explore new visual and interactive perspectives, as an element of reciprocity, even with ourselves. An image is created that is never quite real,
but not completely foreign to what we see and experience. We are enthusiastic about this exhibition, because it gives us a journey into a fabulous world and perhaps, as real as it may seem.
“I feel totally a sculptor. I am aware that sculpture lives in space and in all dimensions. But paradoxically there is a privileged point of view. Because as far as all perspectives can be considered, there is always an image with which the sculpture reveals itself at a certain point. It is at that point that even the most intense experience on the part of the beholder develops. I don’t even think that sculpture is an object to be touched. Sculpture for me is a point of view “.
Biography
Matteo Negri was born in San Donato Milanese (MI) in 1982.
He lives and works in Milan, where he attended the Brera Academy of Fine Arts.

MATTEO NEGRI
PEZZI DI QUESTO MONDO
9 giugno – 29 luglio 2022

Mostra organizzata da CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51/A – Torino

Ospitata da STUDIO LEGALE GEBBIA BORTOLOTTO
PENALISTI ASSOCIATI
C.so Vittorio Emanuele 68 – Torino

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare al pubblico torinese il lavoro dello scultore Matteo Negri (1982) nella mostra Pezzi di questo mondo dal 9 giugno al 29 luglio 2022, nelle meravigliose sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto in corso Vittorio Emanuele n. 68 a Torino.
Lo spazio in cui è allestita la mostra di Matteo Negri ci porta, ogni volta, ad immaginare nuovi scenari. Ci porta ad interagire con la bellezza, il genio di chi lo ha progettato, la personalità̀ di chi lo vive, una diversa prospettiva di inserimento delle opere degli artisti.
Le opere di Matteo trovano accoglienza nelle splendide sale dello Studio Legale Gebbia Bortolotto che regalano un dialogo di colori, luci, materiali, perfettamente in linea con la sua ricerca sin dai primi anni post accademici e la sua visione dell’impianto scultoreo come relazione con lo spazio e con il visitatore, in un gioco di continuo scambio, percezione ed introspezione.
“Il favoloso mondo di Teo”, come suggerisce il titolo di una precedente mostra, ci accoglie tra opere appartenenti a diversi periodi. Nella serie Lego Matteo Negri ci propone un’estetica pop iconografica,unita ad una accurata attenzione al materiale, alla sua rigidità, alla leggerezza dell’immagine, al calore del materiale, resa esplosiva e sconfinata nella serie Lego Silver, la scultura nell’ingresso. E’ una ricerca delle origini, dell’essenzialità: “nelle sue mani il mattone da costruzione è plasmato, contorto, spezzato, annodato e subisce quelle trasformazioni che si potevano solo immaginare con un normale lego, e forse, si sono sempre ricercate quando le forme imposte non erano in grado di accontentare la fantasia; attraverso la libertà data dall’arte, tutta l’immaginazione possibile non è più sacrificata all’azione di incastro modulare” (Giancarlo Pedrazzini, L’Egoïsme).
La serie “Meanwhile” ci trasporta in un gioco degli specchi e forme pure che interagendo con lo spazio, ci consentono di esplorare nuove prospettive visive ed interattive, come elemento di reciprocità, anche con noi stessi. Si determina un’immagine che non è mai del tutto reale,
ma neppure completamente estranea a ciò che vediamo e viviamo. Siamo entusiaste di questa mostra, perché ci regala un viaggio in un mondo favoloso e forse, reale di quel che possa sembrare.
“Mi sento totalmente scultore. Sono consapevole che la scultura viva nello spazio e in tutte le dimensioni. Però paradossalmente c’è un punto di vista privilegiato. Perché per quanto si possano considerare tutte le prospettive, esiste sempre un’immagine con cui la scultura ad un certo punto si palesa. È in quel punto che si sviluppa anche l’esperienza più intensa da parte di chi guarda. Non penso neanche che la scultura sia oggetto da toccare. La scultura per me è un punto di vista”.

Biografia
Matteo Negri è nato a S.Donato Milanese (MI) nel 1982.
Vive e lavora a Milano, dove ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Brera.

REWORKING - ALESSANDRO FABBRIS
2022-05-19 08:00 - 2022-06-18 17:00 UTC
REWORKING
Solo show of Alessandro Fabbris
May 19 – June 18 2022
Opening Thursday and Friday 19/20 May at 15-20
The artist will be present
The Crag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Reworking, a solo show by the artist Alessandro Fabbris (Turin, 1977) from 19 May to 18 June 2022.
In Reworking the work of Alessandro Fabbris is configured with a common thread that from his first pictorial research leads him to the current one focused on photography, in which some fragments of his painting are reread and reworked, here investigated through non-canonical devices, such as for example flatbed scanners. The central idea of ​​the exhibition is to present to the public works chosen from 2010 to today, so as to make the visitor understand the evolution of the artist, who focuses on the use of technology associated with his first pictorial training, penetrating the post- photography, in which light and color are the key elements of his research.
Recent works from the Scanning Light series will be exhibited, in which chiaroscuro generated by masking and interactions with light, double exposures that are then changed in the colors through “errors” in the balance of whites and tones, enlargements and clippings, overlaps will be exhibited. of images, or rather of details, which bring to light the substrate of the images.
These works are combined with those of the series Mechanical procedures, poised between photography, painting and digital processing, the title of which alludes to a cycle of lectures held by Fussli at the Royal Academy of Arts in London on the relationship between painting and new photosensitive processes.
Light is also a central element in the work of the Stratifications series, which includes acetate sheets painted with interfering pigments that are superimposed and layered between pairs of glass. Depending on the incidence of light, the transparency of the support and the perception of colors vary, making the shapes appear as epiphanies involving the visitor and his sensory and memorial experience. Fabbris likes to connect in this way those processes that lead from light to painting and that sometimes make it elusive.
Linked to the artist’s first moment follows the pictorial installation Lineamenti di una analysis, of the Syntax Open cycle which investigates aniconic painting and the possibility of opening up to new narratives through the movements of the individual elements.
Finally, a textile work of the Glitch series will be presented, in which the colors, captured through scans and photographs of colored gelatins used in lighting technology and subsequently printed on semi-transparent fabrics, can change their texture and their stamp in relation to the sources. light of the space in which they are placed.
Fabbris “resets updated today, and, above all, in the light of his sensitivity, more than a typical trace of the Italian abstract research of the 60s and 70s (…) as evidenced by the use of a mixed technique where pastels and various pigments integrate object finds and a shrewd and limited use of digital technology “(Edoardo Di Mauro, BAM 2020 catalog).
Biography
Alessandro Fabbris (Turin, 1977) studied painting at the Albertina Academy in Turin and subsequently obtained a Master’s in Photography at the Brera Academy.
He lives between Turin and Genoa, where he teaches at the Ligustica Academy of Fine Arts in Genoa.

REWORKING
Mostra personale di Alessandro Fabbris

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51/A – Torino
19 maggio – 18 giugno 2022
Inaugurazione giovedì e venerdì 19/20 maggio ore 15-20
L’artista sarà presente

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Reworking, mostra personale dell’artista Alessandro Fabbris (Torino, 1977) dal 19 maggio al 18 giugno 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
In Reworking il lavoro di Alessandro Fabbris si configura con un filo conduttore che dalla sua prima ricerca pittorica lo porta all’attuale incentrata sulla fotografia, nella quale vengono riletti e rielaborati alcuni frammenti della sua pittura, qui indagata tramite dispostivi non canonici, quali ad esempio scanner piani. L’idea centrale della mostra è di presentare al pubblico opere scelte dal 2010 ad oggi, così da far comprendere al visitatore l’evoluzione dell’artista, che si concentra sull’uso della tecnologia associato alla sua prima formazione pittorica, addentrandosi nella post-fotografia, in cui la luce ed il colore sono gli elementi cardine della sua ricerca.
Verranno esposti in mostra lavori recenti della serie Scanning Light, nella quale si uniscono chiaroscuri generati da mascherature ed interazioni con la luce, doppie esposizioni che vengono poi virate nelle cromie tramite “errori” di bilanciamento dei bianchi e dei toni, ingrandimenti e ritagli, sovrapposizioni di immagini, o meglio di particolari, che portano alla luce il substrato delle immagini.
A queste opere vengono accostate quelle della serie Procedimenti meccanici, in bilico tra fotografia, pittura ed elaborazione digitale, il cui titolo allude ad un ciclo di lezioni tenute da Fussli presso la Royal Academy of Arts di Londra sulla relazione tra pittura e nuovi procedimenti fotosensibili.
La luce è elemento centrale anche nell’opera della serie Stratificazioni, che comprende fogli di acetato dipinti con pigmenti interferenti che vengono soprapposti e stratificati tra coppie di vetro. A seconda dell’incidenza della luce varia la trasparenza del supporto e la percezione dei colori, facendo apparire le forme come epifanie che coinvolgono il visitatore e la sua esperienza sensoriale e memoriale. A Fabbris piace collegare così quei procedimenti che dalla luce portano alla pittura e che talvolta la rendono inafferrabile.
Legata al primo momento dell’artista segue l’installazione pittorica Lineamenti di una analisi, del ciclo Sintassi Aperta che indaga sulla pittura aniconica e la possibilità dell’apertura a nuove narrazioni attraverso i movimenti dei singoli elementi.
In ultimo verrà presentata un’opera tessile della serie Glitch, in cui i colori, catturati tramite scansioni e fotografie di gelatine colorate usate nell’illuminotecnica e successivamente stampati su tessuti semi trasparenti, possono cambiare la loro consistenza e il loro timbro in relazione alle fonti luminose dello spazio in cui vengono posti.
Fabbris “reimposta aggiornata al giorno d’oggi, e, soprattutto, al lume della sua sensibilità, più di una traccia tipica della ricerca astratta italiana degli anni ’60 e ’70 (…) come testimonia l’uso di una tecnica mista dove a pastelli e pigmenti vari si integrano reperti oggettuali ed un accorto e limitato uso della tecnologia digitale” (Edoardo Di Mauro, catalogo BAM 2020).

Biografia
Alessandro Fabbris (Torino, 1977) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino e successivamente ha conseguito un Master in Fotografia all’Accademia di Brera.
Vive tra Torino e Genova, dove è docente all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.

THE PHAIR 2022
2022-05-19 08:00 - 17:00 UTC
CRAG Gallery is pleased to partecipate again to The Phair 2022 dedicated to photography, with the artworks by Alessandro Fabbris, Filippo Bosso, Enrico Smerilli and Elisabetta Mariuzzo.

Ilaria Simeoni - Hortus Conclusus
2022-02-10 08:00 - 2022-03-26 17:00 (Europe/Rome)
HORTUS CONCLUSUS
Solo show of ILARIA SIMEONI
10 February – 26 March 2022
Inauguration 10 and 11 February 2022 at 15-20
The artist will be present
Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Hortus Conclusus, the first solo show of the young artist Ilaria Simeoni (Montebelluna, 1995) from 10 February to 26 March 2022.
Assignee of the prestigious Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Foundation in Venice and winner of the first prize of the 103rd Young Artists Collective Exhibition of the homonymous Foundation, Ilaria in her research devotes herself to the study of the relationship between spirituality and nature, focusing on language with the which to express this relationship.
In her practice, her thought merges with the painting and the natural element of the “closed” garden is the medium.
Thus was born the title Hortus Conclusus which, in addition to the better known definition of closed garden present in medieval monasteries and convents, is also to be considered as a place of the spirit. The garden or Hortus, real or figurative, accompanies this well-being in the various phases of the life of each individual; it is movement and transformation, of the world and of nature itself in their concrete sense of generating, producing, flourishing.
The artist’s investigation is characterized by visions that oscillate between reality and the imaginary: on the one hand she exercises her thoughts and on the other she tells the ideal places that surround her. For Ilaria Simeoni “the experience of transforming a simple leaf into a vision aimed at telling the reality” of cultivated nature, taught me to transfer an ideal place that is generated between the mind and the brush that flows on the canvas into the pictorial elaboration, in this way I express an inner impulse that has led me, over time, to see the nature of the garden as a philosophy of thought “.
The canvases represent the aesthetics of nature and the exaltation of its expressive and emotional values. The artist places the viewer at times in a condition of contemplation in front of a natural setting and at times pushes him towards the interior of the work and invites him to her spiritual exercise. The Hortus is not bordered by walls but is an interior place. Everything that happens in the “green space” is for the individual an experience of himself and of the world and the painting thus becomes his “Hortus Conclusus” in an imagery suggested by large oil paintings on canvas and small-format works .
For years, CRAG Gallery has been dedicated to deepening the theme of the landscape, made even more interesting in the last two years by a new approach and sensitivity of people and artists with the rediscovery of the natural environment that surrounds us and its energy and indispensable following the pandemic.
Biography
(Montebelluna, 1995) In the A.Y. 2017/2018 he obtained the “First Level Academic Diploma” in Painting-Visual Arts at the Academy of Fine Arts in Venice. In the A.Y. 2019/2020 she graduated from the “Second level of Painting-Visual Arts”, at the same Academy with prof. By Raco.
She was the assignee of the Atelier 2021/2022 of the Bevilaqua La Masa Academy and has obtained national awards in painting and engraving.

HORTUS CONCLUSUS
Mostra personale di ILARIA SIMEONI
10 febbraio – 26 marzo 2022
Inaugurazione 10 e 11 febbraio 2022 ore 15-20
L’artista sarà presente

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Hortus Conclusus, la prima mostra personale della giovane artista Ilaria Simeoni (Montebelluna, 1995) dal 10 di febbraio al 26 marzo 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
Assegnataria del prestigioso Atelier 2021/2022 della Fondazione Bevilaqua La Masa di Venezia e vincitrice del primo premio della 103ma Mostra Collettiva Giovani Artisti dell’omonima Fondazione, Ilaria nella sua ricerca si dedica allo studio del rapporto tra spiritualità e natura, concentrandosi sul linguaggio con il quale esprimere tale relazione. Nella pratica il suo pensiero si fonde con la pittura e l’elemento naturale del giardino “chiuso” ne è il tramite.
Nasce così il titolo Hortus Conclusus che, oltre alla più nota definizione di giardino chiuso presente nei monasteri e nei conventi medievali, è da considerarsi anche come luogo dello spirito. Il giardino o Hortus, reale o figurativo, accompagna questo star bene nelle varie fasi della vita di ogni individuo; è movimento e trasformazione, del mondo e della natura stessa nel loro senso concreto di generare, produrre, fiorire.
L’indagine dell’artista è caratterizzata da visioni che oscillano tra la realtà e l’immaginario: da una parte esercita il pensiero e dall’altra racconta i luoghi ideali che la circondano. Per Ilaria Simeoni “l’esperienza di trasformare una semplice foglia in una visione volta a raccontare la realtà̀ della natura coltivata, mi ha insegnato a trasferire nell’elaborato pittorico un luogo ideale che si genera tra la mente ed il pennello che scorre sulla tela, in questo modo esprimo un impulso interiore che mi ha portata, nel tempo, a vedere la natura del giardino come una filosofia di pensiero”.
Le tele rappresentano l’estetica della natura e l’esaltazione dei suoi valori espressivi ed emozionali. L’artista pone lo spettatore a tratti in una condizione di contemplazione di fronte ad una scenografia naturale ed a tratti lo spinge verso l’interno dell’opera e lo invita al suo esercizio spirituale. L’Hortus non è delimitato da mura ma è un luogo interiore. Tutto ciò che accade nello “spazio verde” è per l’individuo esperienza di sé e del mondo e la pittura diventa, dunque, il suo “Hortus Conclusus” in un immaginario suggerito dalle grandi pitture ad olio su tela e da opere di piccolo formato.
CRAG Gallery da anni si dedica all’approfondimento della tematica del paesaggio, resa ancor più interessante negli ultimi due anni da un approccio e da una sensibilità nuovi delle persone e degli artisti con la riscoperta dell’ambiente naturale che ci circonda e della sua energia ed indispensabilità a seguito della pandemia.

Biografia
(Montebelluna, 1995) Nell’A.A. 2017/2018 ha conseguito il “Diploma Accademico di Primo Livello” in Pittura-Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Nell’A.A. 2019/2020 si è diplomata al “Secondo livello di Pittura-Arti Visive”, presso la stessa Accademia con il prof. Di Raco.
E’ stata assegnataria dell’Atelier 2021/2022 dell’Accademia Bevilaqua La Masa ed ha ottenuto riconoscimenti a premi nazionali di pittura ed incisione.

per visionare le opere https://cragallery.com/artists/ilaria-simeoni/

bn+BRINANOVARA - SOTTOTRATTO
2021-10-28 08:00 - 2021-11-28 17:00 (Europe/Rome)
SOTTOTRATTO
Mostra personale di bn+BRINANOVARA
A cura di Stefano Castelli
TORINO, CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
28 ottobre-27 novembre 2021
Inaugurazione 28 ottobre ore 15-21
La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Sottotratto, personale del duo bn+BRINANOVARA composta da una selezione di dipinti realizzati nel 2021.
La mostra si propone come l’esito di un progetto che ha impegnato gli artisti nel corso dell’ultimo anno. Lo spunto iconografico iniziale è la Battaglia di San Romano di Paolo Uccello, ma le opere in mostra non si pongono come citazioni o reinterpretazioni. Si tratta piuttosto di un lavoro linguistico di decostruzione e riattivazione dell’immagine, che sceglie in modo allo stesso tempo arbitrario e metodico particolari del dipinto per ricombinarli, sottolinearli oppure renderli “spettrali”.
Come in una partita di scacchi, il metodo di base lascia spazio all’estro, in un dialogo continuo tra programmazione e libertà creativa; il modo pittorico varia di dipinto in dipinto e all’interno dello stesso quadro, tra regolarità presunta o apparente e discontinuità.
Il grande polittico fa da fulcro dell’allestimento, ponendosi come una “mappa” dell’intera operazione. Gli altri dipinti, di diversa natura visiva e di diverso formato, non rappresentano variazioni sul tema ma momenti di un discorso complessivo, applicazioni della grammatica stabilita dagli artisti. Tra gli elementi linguistici ricorrenti, l’alternanza di positivo e negativo, la sottolineatura plastica e cromatica di un particolare, la disattivazione della prospettiva.
Nel riappropriarsi liberamente della storia dell’arte senza ricorrere alla citazione intesa in senso classico si instaura anche un discorso sulla natura dell’immagine, sulla sua libertà e sulle costrizioni che la irreggimentano. E si produce allo stesso tempo una riflessione di stampo concettuale sulla pittura, sulle sue possibilità e sul suo linguaggio. Lavorare in due, in effetti, è in questo caso un’operazione più complessa del classico “dipingere a quattro mani”: l’elaborazione concettuale, il “dibattito interno” durante il periodo di concezione di un ciclo pittorico è parte integrante del lavoro.

Formatosi nel 2017, il duo bn+BRINANOVARA è composto da Giorgio Brina (nato a Milano nel 1993, ha studiato all’accademia di Brera) e Simone Novara (Milano, 1994, studi al Politecnico di Milano e al Wimbledon College of Art). Il loro curriculum comprende mostre personali e collettive in Italia e all’estero, in gallerie e istituzioni. Del 2021 è la partecipazione alla mostra Curatela, presso Casa Testori a Novate milanese. Sottotratto è la seconda mostra personale da Crag ed è stata anticipata dalla recente partecipazione ad Artverona 2021.

SOTTOTRATTO
Solo show of bn+BRINANOVARA
Curated by Stefano Castelli
TURIN, CRAG- CHIONO REISOVA ART GALLERY
October 28-November 27, 2021
Inauguration 28 October at 3 pm-9 pm

Crag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Sottotratto, a solo show by the duo bn+BRINANOVARA composed of a selection of paintings made in 2021.

The exhibition is proposed as the outcome of a project that has engaged the artists over the last year. The initial iconographic inspiration is the Battle of San Romano by Paolo Uccello, but the works on display are not intended as quotations or reinterpretations. Rather, it is a linguistic work of deconstruction and reactivation of the image, which at the same time arbitrarily and methodically chooses details of the painting to recombine, underline or make them “ghostly”.

As in a game of chess, the basic method leaves room for creativity, in a continuous dialogue between programming and creative freedom; the way of painting varies from painting to painting and within the same painting, between presumed or apparent regularity and discontinuity.
The large polyptych acts as the fulcrum of the exhibition, acting as a “map” of the entire operation. The other paintings, of different visual nature and of different formats, do not represent variations on the theme but moments of an overall discourse, applications of the grammar established by the artists. Among the recurring linguistic elements, the alternation of positive and negative, the plastic and chromatic underlining of detail, the deactivation of perspective.
In freely re-appropriating the history of art without resorting to quotation in the classical sense, discourse is also established on the nature of the image, its freedom and the constraints that regulate it. And at the same time a conceptual reflection on painting, on its possibilities and on its language is produced. Working in two, in fact, is, in this case, a more complex operation than the classic “four-handed painting”: the conceptual elaboration, the “internal debate” during the period of conception of a pictorial cycle is an integral part of the work.

Formed in 2017, the bn+BRINANOVARA duo is made up of Giorgio Brina (born in Milan in 1993, studied at the Brera Academy) and Simone Novara (Milan, 1994, studies at the Milan Polytechnic and at Wimbledon College of Art). Their curriculum includes solo and group exhibitions in Italy and abroad, in galleries and institutions. In 2021 he participated in the Curatela exhibition, at Casa Testori in Novate Milan. Sottotratto is Crag’s second solo exhibition and was anticipated by the recent participation in Artverona 2021.

Luca Coser - Morgana
2021-10-27 08:00 - 2021-11-28 17:00 (Europe/Rome)
MORGANA
Mostra personale di Luca Coser
TORINO, CRAG- CHIONO REISOVA ART GALLERY HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45
28 ottobre – 27 novembre 2021
Inaugurazione 28 ottobre ore 15-21
Crag – Chiono Reisovà art gallery presenta Morgana, personale dell’artista Luca Coser dal 28 ottobre al 27 novembre in occasione di Artissima.
In mostra un recente ciclo di opere pittoriche dell’artista che, presente sulla scena artistica nazionale ed internazionale da più di 30 anni, è docente di Disegno per l’Arte Contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano.
Il titolo “Morgana” si riferisce al dipinto guida in mostra che a sua volta cita un documentario sperimentale del regista Werner Herzog datato 1971.
Con questa serie di lavori Luca Coser conferma una ricerca artistica perseguita da molti anni, incentrata su una pittura lirica ed enigmatica, a cavallo tra figurazione ed astrazione che in questi ultimissimi anni sta trovando conferma nel rinnovato interesse per la pittura tra le nuove generazioni. Recentemente, una serie di queste opere, una delle quali esposte nella personale alla CRAG Gallery, è entrata in profonda relazione con la creatività di Pierpaolo Piccioli, direttore creativo di Maison Valentino, per la realizzazione di un capo di Haute Couture presentato in occasione della 17ma Mostra Internazionale di Architettura alle Gaggiandre di Venezia.
Come ha scritto recentemente la curatrice Azzurra Immediato, “Coster destabilizza l’ovvio attuando un originale attraversamento dell’elemento pittorico, intervenendo sulla materia e sulla cromia con una perturbante instabilità che, di fatto, delinea un equilibrio inatteso. La sua poetica, non solo formale, procede dal privato, da una sorta di polvere interiore, composita e frammentata, che nella pratica lavorativa diventa prima frammento, infine traccia. Grazie a questa misteriosa frammentazione delle immagini, la pittura e la poetica dell’artista giungono al coinvolgimento con il fruitore, dove i sensi e la mente sono allertati silenziosamente ma in profondità, e dove osservare i suoi lavori, leggere le sue opere si trasforma in un momento comune nella personale visione interiore di ognuno”.

ArtVerona 2021
2021-10-15 08:00 - 2021-10-17 17:00 (Europe/Rome)
CRAG Gallery is please to the present the artists Chen Li, bn+BRINANOVARA
and Laura Omacini at Artverona 2021.

You’ll find us at PADIGLIONE 12 Stand NE4

The Others 2021
2021-10-09 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
CRAG is pleased to take part to The Others 2021 with the artists bn+BRINANOVARA,
Diego Zangirolami e Federico Caputo.

ALESSANDRO CARDINALE - CONFINI
2021-09-14 08:00 - 2021-10-23 17:00 (Europe/Rome)
CONFINI
Mostra personale di Alessandro Cardinale
14 settembre – 23 ottobre 2021
inaugurazione 14/15 settembre
ore 15/21

COMUNICATO STAMPA
Con la mostra “CONFINI” Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare i nuovi lavori di Alessandro Cardinale (Padova, 1977), in galleria a Torino dal 14 settembre al 23 ottobre 2021.
La ricerca tecnica dell’artista viene portata a nuovi sviluppi e il tema NU SHU, che Alessandro Cardinale persegue da anni, si carica di nuove idee e sfide che ne ridisegnano i “confini”.
Le ultime opere sono sculture realizzate in acciaio corten nelle quali l’immagine non è più raccolta all’interno di strutture, ma si libera, diventando essa stessa autoportante. La sua sfida nei confronti della percezione non è mai solo pura tecnica optical, poichè i soggetti sono delicati, gli sguardi sono visioni istantanee che incrociano quelli del visitatore ed evocano storie lontane: quelle delle donne cinesi che hanno inventato l’alfabeto NU SHU in epoca imperiale e che l’artista, a partire da ritratti fotografici, attualizza con la sua tecnica nella quale dai vuoti, tra strisce di tessuto, legno o acciaio corten, prendono forma le immagini. E’ un lavoro sul linguaggio e sulla comunicazione ed in particolare si tratta di una riflessione sulla dinamica della comprensione di un messaggio.
Le opere sono composte da un insieme di listelli che richiamano i ventagli sui quali venivano scritti i messaggi Nu shu che le donne usavano per comunicare. I listelli sono assemblati facendo in modo che solo da una determinata posizione si possa vedere un volto femminile orientale ma, una volta persa quella posizione, il “messaggio” ritorni ad essere incomprensibile.
La collaborazione tra l’artista e la galleria è di lunga data: “abbiamo sempre creduto nel lavoro di Alessandro Cardinale, rigoroso, coerente, che fa dell’osservazione e della lentezza dell’elaborazione il punto di forza, attraverso un linguaggio originale e raffinato e per la terza volta proponiamo il suo lavoro al pubblico torinese, in occasione di Exhibi.To, la settimana delle gallerie di arte contemporanea a Torino”.

Alessandro Cardinale (Padova 1977).
Ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Lavora nell’ambito dell’installazione e della figurazione, sviluppando il tema della luce e della percezione.Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre collettive e personali promosse da associazioni culturali, fondazioni per l’arte contemporanea, gallerie ed enti pubblici in Italia ed all’estero tra i quali ricordiamo: NAMOC National Art Museum of China – Pechino, Factory 798 Art District – Pechino, Building Bridges Art Foundation – Los Angeles, Istituto Italiano di Cultura di San Francisco.Le sue opere sono presenti all’interno di collezioni pubbliche e private tra le quali: Fondazione Peano di Cuneo, Fondazione Pardes per l’Arte Contemporanea – Mirano, Areacreativa42 – Rivarolo Torino, North Art Space Gallery – Giacarta Indonesia. Nel 2012 vince la V°Biennale internazionale d’Arte di Pechino esponendo presso il National Art Museum of China.
NU SHU
Il linguaggio chiamato Nu Shu, e’ un linguaggio segreto creato dalle donne in antichità in Cina nella regione dello Húnán, all’insaputa dell’uomo, per poter comunicare tra di loro le proprie memorie ed esperienze tramite dei ricami su ventagli e vestiti che venivano scambiati dall’uomo per semplici decorazioni. Si trattava in realtà di messaggi cifrati che si tramandavano di generazione in generazione come testimonianza silenziosa della difficile condizione femminile di quel tempo. Queste sono le donne che hanno ispirato la sinfonia del celebre compositore Tan Dun (vincitore del premio Academy e Grammy, ha diretto la sinfonia al Metropolitan Festival Orchestra di Singapore), per arpa e orchestra di 40 minuti, intitolata Nu Shu: The Secret Songs Of Women, accompagnata da 13 “microfilm” tratti dalle sue registrazioni sul campo, che sono state scattate durante i suoi cinque anni trascorsi a ricercare e documentare la loro cultura.

BORDERS
Solo show of Alessandro Cardinale
September 14 – October 23 2021
inauguration 14/15 September
15/21 hours
PRESS RELEASE
With the exhibition “CONFINI” Crag – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present the new works by Alessandro Cardinale (Padua, 1977), in the gallery in Turin from 14 September to 23 October 2021.
The artist’s technical research is brought to new developments and the NU SHU theme, which Alessandro Cardinale has been pursuing for years, is charged with new ideas and challenges that redraw its “boundaries”.
The latest works are sculptures made of corten steel in which the image is no longer collected within structures, but frees itself, becoming self-supporting itself. Her challenge to perception is never just pure optical technique, as the subjects are delicate, the gazes are instant visions that cross those of the visitor and evoke distant stories: those of the Chinese women who invented the NU SHU alphabet in that era. imperial and that the artist, starting from photographic portraits, updates with his technique in which the images take shape from the voids, between strips of fabric, wood or corten steel. It is a work on language and communication and in particular it is a reflection on the dynamics of understanding a message.
The works are composed of a set of strips that recall the fans on which the Nu shu messages that women used to communicate were written. The strips are assembled so that only from a certain position can an oriental female face be seen but, once that position is lost, the “message” becomes incomprehensible again.
The collaboration between the artist and the gallery is long-standing: “we have always believed in Alessandro Cardinale’s work, rigorous, coherent, which makes observation and the slowness of processing its strong point, through an original and refined language and for the third time we are offering his work to the Turin public, on the occasion of Exhibi.To, the week of contemporary art galleries in Turin ”.
Alessandro Cardinale (Padua 1977).
He studied at the Academy of Fine Arts in Venice. He works in the field of installation and figuration, developing the theme of light and perception.
His work has been exhibited in numerous group and personal exhibitions promoted by cultural associations, foundations for contemporary art, galleries and public bodies in Italy and abroad including: NAMOC National Art Museum of China – Beijing, Factory 798 Art District – Beijing, Building Bridges Art Foundation – Los Angeles, Italian Cultural Institute of San Francisco.
His works are present in public and private collections including: Peano Foundation of Cuneo, Pardes Foundation for Contemporary Art-Mirano, Areacreativa42-Rivarolo Turin, North Art Space Gallery-Jakarta Indonesia.
In 2012 he won the V ° International Biennial of Art in Beijing exhibiting at the National Art Museum of China.
NU SHU
The language called Nu Shu, is a secret language created by women in antiquity in China in the Húnán region, unbeknownst to man, to be able to communicate their memories and experiences with each other through embroidery on fans and clothes that were mistaken by man for simple decorations. They were actually encrypted messages that were handed down from generation to generation as a silent testimony of the difficult female condition of that time. These are the women who inspired the symphony of celebrated composer Tan Dun (Academy and Grammy winner, conducted the symphony at the Metropolitan Festival Orchestra in Singapore), for harp and orchestra of 40 minutes, entitled Nu Shu: The Secret Songs Of Women, accompanied by 13 “microfilms” from her field recordings, which were taken during her five years of researching and documenting their culture.

LNDSCP - New means for landscape
2021-06-30 16:00 - 2021-07-24 19:00 (Europe/Rome)
LNDSCP
New means for landscape
Curated by Gabriele Salvaterra
Group Show
June 30 – July 24, 2021
PRESS RELEASE
Crag _ Chiono Reisovà Art Gallery is pleased to announce the opening of the exhibition LNDSCP / New means for landscape, curated by Gabriele Salvaterra. LNDSCP is a traveling exhibition that saw the participation of the Paolo Maria Deanesi Gallery in Trento, the Area35 Art Gallery in Milan and the Crag gallery in Turin, adapting and changing in the different exhibition contexts starting from the same conceptual system. A single catalog to document the project with the works of two artists for each gallery: Oscar I. Contreras Rojas, Pietro Geranzani, Christian Macketanz, Andrea Mangione, Giacomo Modolo and Giovanni Pasini.
The text is a reflection of the curator on the theme of the landscape, which for more than a century has become a genre that recounts interior, subjective, poetic or conceptual dynamics, in addition to the most evident objective characteristics.
Starting from the axiom that every creation is primarily a self-portrait, a representation of the self, the landscape genre experiences a particular contradiction, arising instead from the opposite and then being reconverted to completely new purposes.
In particular, Oscar Isaias Contreras Rojas starts from the historical-artistic stimuli of the past to explode them in composition with an expressionist-abstract flavor in which an atmospheric memory remains. Giacomo Modolo breaks down the initial figurative cells making the landscape a tool to develop an informal expressive practice full of personal memories. Pietro Geranzani, like an archivist who notes significant elements in his diary, uses the landscape element to navigate a dense historical and referential universe.
Christian Macketanz, with its evocative environments populated by mysterious characters, sets up suffused and suspended atmospheres of a neo-eighteenth-century pictorial metaphysics, while for Andrea Mangione the landscape reaches us through online search engines, only to be “heated” by a poetic manual and the limits of hyperrealism. Finally, for Giovanni Pasini, the natural datum becomes a pretext for investigations of a philosophical nature on overcoming today’s extreme anthropization that invites us to get closer to the equilibrium of Eastern thought.

COMUNICATO STAMPA
Crag _ Chiono Reisovà Art Gallery è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra LNDSCP / New means for landscape, a cura di Gabriele Salvaterra. LNDSCP è una mostra itinerante che ha visto la partecipazione della Galleria Paolo Maria Deanesi di Trento, di Area35 Art Gallery di Milano ed a Torino di Crag gallery, adattandosi e mutando nei diversi contesti espositivi a partire dallo stesso impianto concettuale. Un unico catalogo a documentare il progetto con le opere di due artisti per ogni galleria: Oscar I. Contreras Rojas, Pietro Geranzani, Christian Macketanz, Andrea Mangione, Giacomo Modolo e Giovanni Pasini.
Il testo è una riflessione del curatore sul tema del paesaggio, diventato da più di un secolo un genere che racconta dinamiche interiori, soggettive, poetiche o concettuali, oltre alle più evidenti caratteristiche oggettive.
Partendo dall’assioma per cui ogni creazione è in primo luogo autoritratto, rappresentazione del sé, il genere paesaggistico vive una particolare contraddizione nascendo, invece, dall’opposto per poi essere riconvertito a finalità completamente nuove.
In particolare, Oscar Isaias Contreras Rojas prende avvio dagli stimoli storico-artistici del passato per esploderli in composizione dal sapore espressionista-astratto in cui permane una memoria atmosferica. Giacomo Modolo scompone le cellule figurative iniziali facendo del paesaggio uno strumento per sviluppare una pratica informale espressiva densa di memorie personali. Pietro Geranzani, come un archivista che appunti elementi pregnanti sul proprio diario, si serve dell’elemento paesaggistico per destreggiarsi in un denso universo storico e referenziale.
Christian Macketanz, con i suoi ambienti suggestivi popolati da personaggi misteriosi, allestisce atmosfere soffuse e sospese di una metafisica pittorica neo-settecentesca, mentre per Andrea Mangione il paesaggio ci raggiunge tramite i motori di ricerca online, per poi essere “riscaldato” da una tecnica manuale poetica e ai limiti dell’iperrealismo. Infine, per Giovanni Pasini, il dato naturale diventa pretesto per investigazioni di natura filosofica sul superamento dell’estrema antropizzazione odierna che invita ad avvicinarsi all’equilibrio del pensiero orientale.

CRAG LIDO - FEDERICO CAPUTO
2021-06-30 08:00 - 2021-07-24 17:00 (Europe/Rome)
Federico Caputo
CRAG LIDO
Mostra personale
30 giugno – 24 luglio 2021
inaugurazione 30 giugno e 1 luglio
ore 16/20
sarà presente l’artista

COMUNICATO STAMPA
Crag Gallery inaugura la mostra personale del giovanissimo artista Federico Caputo da titolo “Crag Lido” nei giorni 30 giugno e 1 luglio, a cura di Giorgio Bena.
Dopo gli studi all’Accademia Albertina di Torino e la specializzazione in pittura, Caputo si addentra nel mondo del ricamo unito talvolta all’installazione, accolto dalla Galleria CRAG per questa sua prima mostra personale.
Una vecchia cartolina che si rifiuta di sbiadire. È questa la riviera che ci racconta Federico Caputo nella sua Project Room “CRAG Lido”, un’operazione di installazione ambientale sospesa tra la dolce consolazione della nostalgia ed uno sguardo ottimista puntato verso un futuro vicino (anzi vicinissimo) che ci riconsegni il diritto di immaginare un mondo libero dalle limitazioni con cui abbiamo imparato a convivere.
Attraverso un citazionismo che unisce ad una dimensione pop fatta di rotocalchi e incarti di gelati un racconto biografico della sua infanzia passata tra Bordighera e Ventimiglia, tra mattonelle colorate, aiuole fiorite e foglie di palma, Federico Caputo costruisce una scenografia abitabile capace di proiettarci in un’estate mediterranea che si colloca fuori dal tempo e dallo spazio, in un luogo dell’anima che profuma sale, oleandro e bouganville, dove radio lontane suonano canzoni ovattate accompagnate dal frinire ossessivo delle cicale. Una vecchia cartolina che si rifiuta di sbiadire.
CRAG Lido è l’invito ad abbandonarsi ad una malinconia gentile, ad una leggerezza necessaria in questi tempi così complessi rispetto ai quali si fanno così enormi e roboanti parole come ripartenza e rinascita, così intrinsecamente legate nel nostro immaginario a quell’estate “calda come i baci che ho perduto” cantata da Bruno Martino. Un invito ad abbracciare questo momento carico di attesa e scoprire che forma prenderà la nuova normalità. “Tornerà un altro inverno, cadranno mille petali di rose, la neve coprirà tutte le cose e forse un po’ di pace tornerà”.

In occasione della mostra verrà presentata anche l’istallazione sonora dell’artista Korovev.
La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a sabato 11-13 e 15.30 -19.00
Altri giorni e orari su appuntamento

per vedere le opere: https://cragallery.com/artists/federico-caputo/

Federico Caputo
CRAG LIDO
Solo show
June 30 – July 24, 2021
opening 30 June and 1 July
the artist will be present
PRESS RELEASE
Crag Gallery inaugurates the personal exhibition of the very young artist Federico Caputo entitled “Crag Lido” on 30 June and 1 July, curated by Giorgio Bena.
After studying at the Albertina Academy in Turin and specialising in painting, Caputo enters the world of embroidery sometimes combined with the installation, welcomed by the CRAG Gallery for this first solo exhibition.
An old postcard that refuses to fade. This is the riviera that Federico Caputo tells us in his Project Room “CRAG Lido”, an environmental installation operation suspended between the sweet consolation of nostalgia and an optimistic gaze aimed at a near (indeed very close) future that will give us back the right to imagine a world free from the limitations we have learned to live with.
Through a quotationism that combines a pop dimension made of magazines and ice cream wrappers with a biographical story of his childhood spent between Bordighera and Ventimiglia, between colored tiles, flower beds and palm leaves, Federico Caputo builds a habitable scenography capable of projecting us into a Mediterranean summer that takes place outside time and space, in a place of the soul that smells salt, oleander and bougainvillea, where distant radios play muffled songs accompanied by the obsessive chirping of cicadas. An old postcard that refuses to fade.
CRAG Lido is an invitation to abandon oneself to a gentle melancholy, to a necessary lightness in these complex times with respect to which enormous and thunderous words such as restart and rebirth becoame so intrinsically linked in our imagination to that “hot summer the kisses that I lost ”sung by Bruno Martino. An invitation to embrace this moment full of waiting and discover what shape the new normal will take. “Another winter will come back, a thousand rose petals will fall, the snow will cover all things and maybe a little peace will come back”.
On the occasion of the exhibition, the sound installation by the artist Korovev will also be presented.
info@cragallery.com
+39 3351227609 – + 39 3473420598
CHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG
via Giolitti, 51 – 10123 Turin
www.cragallery.com

The Phair 2021
2021-06-12 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
The Phair è una fiera a inviti. Un’attenta scelta curatoriale garantisce la selezione di una proposta organica non suddivisa in temi e sezioni ma come un’unica esperienza espositiva; spazi espositivi uguali per tutti garantiscono un allestimento “sartoriale” più simile a una serie di mostre che a un impianto fieristico, fornendo nuove modalità di fruizione, conoscenza e valorizzazione delle opere proposte.
The Phair is an invitation-only art fair. The curatorial choice guarantees the participation of most prestigious contemporary art galleries – and not just those already specialized in photography projects – which, on the occasion of the fair, present artistic works related to the theme of the image and works created with photographic or video material. .

Giuliano Sale - The usual Captivity
2021-05-06 08:00 - 2021-06-25 17:00 (Europe/Rome)
per visionare le opere https://cragallery.com/artists/giuliano-sale/

The Usual Captivity
Crag Gallery inaugura la mostra personale di Giuliano Sale nella sede di via Giolitti 51 a Torino, dal titolo “The Usual Captivity”, nelle date 6 maggio / 26 giugno 2021.
L’artista, noto nel panorama della pittura figurativa italiana e non solo, per questa mostra ha realizzato un ciclo di lavori inediti, nati durante la pandemia che ha costretto al distanziamento nonché al ritiro sociale.
A differenza di tanti altri mestieri, professioni o vocazioni, quella dell’Arte, del suo momento creativo, della sua visione pittorica, è per Giuliano Sale la forma apoteotica di cattività; è il momento glorificato di sottrazione dall’ambiente più naturale, quello in mezzo agli altri, che per i lavori di Giuliano Sale risulta necessario.
E’ la forma di autoisolamento innata nel modo di lavorare dell’artista, un internamento necessario all’apertura del lavoro pittorico. Ne risulta un pieno di corpi ammassati ma solitari, di linee che si confondono, di oggetti iconici e di rimandi, in perfetto equilibrio tra di loro.
La cattività è nei soggetti delle opere di Giuliano Sale una condizione a lui intrinseca, possiamo dire una cattività di rito, un esilio naturale.
Le opere parlano di vite in modo irriverente, crudo, ironico, intervallate da momenti di delicatezza e quotidianità. Le scene ed i ritratti nascono da uno spirito di osservazione profondo e da esperienze interiorizzate dall’artista; si esplicano, immagine per immagine, accostando e sovrapponendo raffigurazioni a segni evocativi e contestualizzanti, mediante scelte pittoriche fortemente figurative intervallate da dettagli pittorici più gestuali ed istintivi.
Le rappresentazioni e gli sguardi ci obbligano ad entrare nel rituale dell’artista, un misto di simbolismo e realtà, in una narrazione apparentemente caotica, ma di fatto assolutamente meticolosa. Ogni elemento ha il suo spazio, ogni scelta pittorica ha una sua logica, precisa e ferma.
L’artista ben conosce l’interiorità dei suoi soggetti, dal punk che voleva assomigliare a Bowie a coloro che si trovano ad essere protagonisti di una deposizione, tra i partecipanti più o meno coinvolti di una festa, ai tre anarchici che forse non lo sono così tanto.
Oltre al ritratto, un altro elemento ricorrente è la nudità raffigurata in chiave realistica, talvolta erotica, che lascia trasparire la forte empatia che l’artista ha verso la realtà e l’essere umano: non c’è giudizio morale o estetico, non ci sono confini tra giusto e sbagliato, ma prese di coscienza di diverse realtà che ci vengono restituite secondo la sua visione.
La pittura di Giuliano Sale è generosa, basta abbandonarsi ad essa.
La mostra si inserisce nel programma che caratterizza la ricerca della galleria impegnata a scoprire e presentare artisti emergenti e parallelamente volta a valorizzare la pittura contemporanea di protagonisti già conosciuti come Giuliano Sale.
Si ringrazia per il contributo Mara Lomonaco

The Usual Captivity
Crag Gallery inaugurates Giuliano Sale’s solo exhibition at the gallery in via Giolitti 51 in Turin, entitled “The Usual Captivity”, on the dates 6 May / 26 June 2021.
The artist, known in the panorama of Italian figurative painting and beyond, has created a cycle of unpublished works for this exhibition, born during the pandemic that forced distancing as well as social withdrawal.
Unlike many other professions,jobs or vocations, that of Art, of his creative moment, of his pictorial vision, is for Giuliano Sale the apotheotic form of captivity; it is the glorified moment of removal from the most natural environment, the one in the midst of others, which is necessary for the works of Giuliano Sale.
It is the form of self-isolation innate in the artist’s way of working, a necessary internment for the opening of the pictorial work. The result is a fullness of massed but solitary bodies, of lines that merge, of iconic objects and references, in perfect balance between them.
Captivity is an intrinsic condition in the subjects of Giuliano Sale’s works, we can say a ritual captivity, a natural exile.
The works speak of lives in an irreverent, raw, ironic way, interspersed with moments of delicacy and everyday life. The scenes and portraits are born from a deep spirit of observation and internalized experiences by the artist; they are expressed, image by image, by juxtaposing and superimposing representations with evocative and contextualizing signs, through highly figurative pictorial choices interspersed with more gestural and instinctive pictorial details.
The representations and the looks force us to enter the artist’s ritual, a mixture of symbolism and reality, in an apparently chaotic narrative, but in fact absolutely meticulous. Each element has its own space, each pictorial choice has its own logic, precise and firm.
The artist knows the interiority of his subjects well, from the punk who wanted to look like Bowie to those who find themselves protagonists of a deposition, among the more or less involved participants of a party, to the three anarchists who perhaps are not so much.
In addition to the portrait, another recurring element is the nudity depicted in a realistic, sometimes erotic key, which reveals the strong empathy that the artist has towards reality and the human being: there is no moral or aesthetic judgment, there is no they are boundaries between right and wrong, but awareness of different realities that are given back to us according to his vision.
Giuliano Sale’s painting is generous, it is enough to abandon oneself to it.
The exhibition is part of the program that characterizes the gallery’s research committed to discovering and presenting emerging artists and at the same time aimed at enhancing the contemporary painting of already known protagonists such as Giuliano Sale.
Thanks to Mara Lomonaco for the contribution.
