CRAG

LOOKING AHEAD - NICOLO' RICCI & GIULIO DI ROBILANT
2025-05-10 08:00 - 2025-06-01 17:00 (Europe/Rome)
LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
Curated by Carla Testore
May 10 – June 1, 2025
For the month of photography in Turin, Crag gallery presents the bipersonal exhibition “Looking ahead” by two very young photographers under 30, Nicolò Ricci and Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), graduated from IAAD, Institute of Applied Arts and Design in Turin, focuses on architectural photography, with the aim of transmitting to his observers an intersectional vision of buildings, a different way of appreciating and understanding the role of architecture in the aesthetics of cities and its impact on society and the environment, experimenting with relief and original printing techniques.
Giulio di Robilant (Turin, 2004) has cultivated art since he was a child, drawing and painting like many in the history of his family. After a cycle of studies in Italy and abroad (Cambridge – classical studies and philosophy), in 2019 he approached photography by winning the SoNYT Photojournalism Challenge and the related publication of the winning photograph in the New York Times.
Looking Ahead is the message of two under-30 artist photographers who invite the public to look ahead. As Carla Testore, curator of the exhibition, writes, it is “certainly a forward in time, towards a future that is near or more distant, but at the same time also a forward/beyond thanks to the reinterpretation of a tangible reality that in the photographic shot leaves a more emotional freedom of interpretation”.
The comparison between the two young photographers sees on the one hand Giulio di Robilant’s research based on the simplicity of forms, on the control of the boundaries of the view on the observed subject, merging the mathematical orders of architecture with the aesthetics of artistic choice. Some images are glimpses of landscapes glimpsed through windows or openings in walls (Alpine Window 1 and 2), others seem to capture moments of the daily life of young figures who do not know they are in front of a lens (Brisa, VV1). Also singular is the self-portrait Red Audience that shows how often a subtle aesthetic irony occurs in his works. Giulio di Robilant states “Photography is the process through which I consciously compose my external space, impressing my understanding of the experience through aesthetics”.
On the other hand, Nicolò Ricci with his almost cinematic black and white offers a selection of shots, including tributes to Turin with the Reale Mutua skyscraper (Skyscraper Reale Mutua) which, with the same angular composition of the Alcazaba, recalls its pyramidal shape and also in the detail of the vaults of the Porta Nuova station (Porta Nuova station) that seem to intertwine like the passages of a labyrinth. Preferring black and white, he almost always uses vertical shots because this, as he himself says, “allows us to linger between architecture and sky”. From the many countries he has visited, he brings back images of ancient or contemporary structures that sometimes remain unidentified because the photographer chooses only glimpses of them, abstracting them from their original location, as in the case of The Palm Grove of surprises in Lisbon and South Southeast Station in Malaga, or characterizing them with a different shape from the original, as in the case of the Alcazaba Castle, which seems to represent a pyramid.

LOOKING AHEAD
NICOLO’ RICCI / GIULIO DI ROBILANT
A cura di Carla Testore
10 maggio – 1 giugno 2025
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
via Parma 66D – TORINO

Crag gallery per il mese della fotografia torinese propone la mostra bipersonale “Looking ahead” di due giovanissimi fotografi under 30, Nicolò Ricci e Giulio di Robilant.
Niccolò Ricci (Forlì, 2001), laureato allo IAAD, Istituto d’Arte applicata e design di Torino, si concentra sulla fotografia di architettura, con l’intento di trasmettere ai suoi osservatori una visione intersezionale delle costruzioni, un modo diverso di apprezzare e comprendere il ruolo dell’architettura nell’estetica delle città e il suo impatto sulla società e sull’ambiente, sperimentando tecniche di stampa in rilievo e originali.
Giulio di Robilant (Torino, 2004) ha coltivato l’arte fin da bambino, disegnando e dipingendo come tanti nella storia della sua famiglia. Dopo un ciclo di studi in Italia e all’estero (Cambridge – studi classici e filosofia), nel 2019 si è avvicinato alla fotografia vincendo la SoNYT Photojournalism Challenge e relativa pubblicazione della fotografia vincitrice sul New York Times.
Looking Ahead è il messaggio di due artisti fotografi under 30 che invitano il pubblico a portare lo sguardo avanti. Come scrive Carla Testore, curatrice della mostra, è “sicuramente un avanti nel tempo, verso un futuro che sia prossimo o più lontano, ma allo stesso tempo anche un avanti/oltre grazie alla reinterpretazione di una realtà tangibile che nello scatto fotografico lascia una libertà di interpretazione più emozionale”.
Il confronto tra i due giovani fotografi vede da una parte la ricerca di Giulio di Robilant improntata alla semplicità delle forme, al controllo dei confini della vista sul soggetto osservato, fondendo gli ordini matematici dell’architettura con l’estetica della scelta artistica. Alcune immagini sono scorci di paesaggio intravisti attraverso finestre o aperture nei muri (Alpine Window 1 e 2), altre sembrano cogliere istanti della quotidianità di giovani figure che non sanno di essere davanti ad un obiettivo (Brisa, VV1). Singolare anche l’autoscatto Red Audience che mostra come spesso avviene nelle sue opere una sottile ironia estetica. Giulio di Robilant afferma “La fotografia è il processo attraverso il quale compongo consciamente il mio spazio esterno, imprimendo la mia comprensione dell’esperienza attraverso l’estetica”.
Dall’altra parte Nicolò Ricci con il bianco e nero quasi cinematografico propone una selezione di scatti, tra i quale anche omaggi a Torino con il grattacielo della Reale Mutua (Skyscraper Reale Mutua) che, con la stessa composizione ad angolo dell’Alcazaba, ne richiama la forma piramidale ed anche nel dettaglio delle volte della stazione di Porta Nuova (Porta Nuova station) che sembrano intrecciarsi come i passaggi di un labirinto. Prediligendo il bianco e nero, usa quasi sempre lo scatto in verticale perché questo, come dice lui stesso, “permette di soffermarci tra architettura e cielo”. Dai molti paesi visitati riporta immagini di strutture antiche o contemporanee che talvolta restano da identificare perché il fotografo ne sceglie solo degli scorci astraendoli dalla loro collocazione originale, come nel caso di The Palm Grove of surprises di Lisbona e di South Southeast Station di Malaga, oppure caratterizzandoli con una forma diversa dall’originale come nel caso del Castello Alcazaba che sembra rappresentare una piramide.

Silent Sun Splatter - Louis Braddock Clarke
2025-09-05 08:00 - 2025-10-18 17:00
SILENT SUN SPLATTER
Selection of photographs and videos by Louis Braddock Clarke
In collaboration with the Recontemporary Foundation of Turin, the CRAG – Chiono Reisova Art Gallery is pleased to host a selection of works by photographer and videomaker Louis Braddock Clarke on Friday, 5 September 2025, at its headquarters in Via Parma 66D, Turin.
Braddock’s work was presented by Recontemporary last February in the artist’s first solo exhibition in Italy, entitled Tomorrow Will Be Louder, in collaboration with SEEYOUSOUND and curated by Alessandro Maccarone, after his debut at the 2023 Venice Biennale and numerous international exhibitions. The exhibition imagines a space where we can become intimate with our sound ecology, visualising new terrestrial scenarios through sounds and images.
Louis Braddock Clarke, a young and talented British artist and researcher, creates his works with an interest in art, geography, physics, geology and esoteric philosophy, strongly influenced by the places of his youth in Cornwall, a context where nature and human intervention are in stark contrast between peat bogs, tin mines, underground energy tangles and transatlantic cables.
The CRAG Gallery will host works from the SILENT SUN SPLATTER series, photographs taken in analogue format within a volcanic network of the Triple Junction in the Atlantic. This intersection of deep geological time moves in three directions: 40° North 22.9 mm/year, 38° North 19.8 mm/year, East 2.2 mm/year. Between these plates extend a series of mobile tubes that descend into the Earth’s mantle, markers of time, listening sites for the outside world and areas of chemical reactions. Through a combination of metals, bacteria, calcium water, human contamination and humidity, the tubes are illuminated by a “biological film” and these hidden places become new and incredible landscapes.
Using a mixture of “Bio-Film” and metals from the depths of the Earth, medium-format negatives are exposed to these earthly “delights”. Each negative is immersed in different time scales of chemical formulas, all dictated and produced by the action and movement of the Earth.
Colours, exposure, shutter speed, development time and composition are elements produced analogically by geological matter at -544 metres below the triple junction.
The film UNDER BOOM, made in the same volcano that becomes a geological ear, will also be shown in the exhibition. In it, we can hear infrasounds coming from the movements of ice, the songs of cetaceans, air strikes and other natural or artificial interactions that occur on Earth.
The CRAG Gallery enthusiastically hosts this project, delighted with Recontemporary’s collaborative proposal, inviting visitors to let themselves be transported into this world that is seemingly so imperceptible, yet so close to us, which will be better described during the talk with the artist at the opening (Friday 5 September at 6 pm).
Louis Clarke Braddock.
A lecturer at the Royal Academy of Arts in The Hague, he has won numerous awards for his projects: Waag Technology Award 2019, Dutch Talent Award in 2020, Landscape Research Award 2021, Gouden Kalf in 2022. His works and installations have been exhibited internationally in major galleries and festivals, including: Rencontres Internationales, Venice Biennale, NTMoFA, Sonic Acts, Rewire, Sounds of Silence, Netherlands Film Festival, FILE Brazil, Digital Arts Taipei, Centre Wallonie Bruxelles, Macau Design Museum, MU Hybrid Art House, W139, OT301, Loods6 Quartair, Stroom, Museum of Mines and Metal Brazil, WEST Museum, Noorderlicht, Het Hem, and reviewed by magazines such as CLOT, WIRE, DAMN, AQNB.

SILENT SUN SPLATTER
Selezione di fotografie e video di Louis Braddock Clarke
Opening venerdì 5 settembre ore 17/21
In collaborazione con la Fondazione Recontemporary di Torino, la Galleria CRAG – Chiono Reisova Art Gallery è lieta di ospitare una selezione di opere del fotografo e videomaker Louis Braddock Clarke venerdì 5 settembre 2025 nella sua sede di via Parma 66D di Torino.
Il lavoro di Braddock è stato presentato da Recontemporary lo scorso febbraio nella prima mostra personale dell’artista in Italia, intitolata Tomorrow Will Be Louder, in collaborazione con SEEYOUSOUND e curata da Alessandro Maccarone, dopo l’esordio alla Biennale di Venezia 2023 e numerose esposizioni internazionali. Nella mostra viene immaginato uno spazio in cui possiamo entrare in intimità con la nostra ecologia sonora, visualizzando nuovi scenari terrestri attraverso i suoni e le immagini.
Louis Braddock Clarke, giovane e talentuoso artista e ricercatore britannico, realizza i suoi lavori con interesse rivolto all’arte, alla geografia, alla fisica, alla geologia e filosofia esoterica, fortemente influenzato dai luoghi della sua gioventù in Cornovaglia, contesto dove natura e intervento dell’uomo sono in stretto contrasto tra torbiere, miniere di stagno, grovigli energetici sotterranei e cavi transatlantici.
La Galleria CRAG ospiterà opere della serie SILENT SUN SPLATTER, fotografie scattate in formato analogico all’interno di una rete vulcanica della Tripla Giunzione nell’Atlantico. Questa intersezione del tempo geologico profondo si muove in 3 direzioni: 40° Nord 22,9 mm/anno, 38° Nord 19,8 mm/anno, Est 2,2 mm/anno. Tra queste placche si estendono una serie di tubi mobili che scendono nel mantello terrestre, marcatori del tempo, siti di ascolto del mondo esterno e zone di reazioni chimiche. Attraverso una combinazione di metalli, batteri, acqua calcica, contaminazione umana e umidità, i tubi sono illuminati da una “pellicola biologica” e questi luoghi così nascosti diventano nuovi e incredibili paesaggi.
Utilizzando una miscela di “Bio-Film” e metalli delle profondità terrestri, i negativi di medio formato vengono esposti a queste “delizie” terrene. Ogni negativo è immerso in diverse scale temporali di formule chimiche, tutte dettate e prodotte dall’azione e dal movimento della Terra.
Colori, esposizione, velocità di otturazione, tempo di sviluppo e composizione sono elementi prodotti analogicamente dalla materia geologica a -544 metri sotto la tripla giunzione.
Verrà riproposto in mostra anche il film UNDER BOOM, realizzato nello stesso vulcano che diventa orecchio geologico, nel quale possiamo sentire infrasuoni che arrivano dai movimenti dei ghiacci, canti dei cetacei, attacchi aerei e altre interazioni naturali o artificiali che intervengono sulla Terra.
La Galleria CRAG ospita con entusiasmo questo progetto, lieta della proposta collaborativa di Recontemporary, con l’invito a lasciarsi trasportare in questo mondo apparentemente così impercettibile, ma di fatto così vicino a noi, che meglio ci verrà descritto in occasione del talk con l’artista, durante l’opening (venerdì 5 settembre ore 18).
Louis Clarke Braddock.
Docente presso la Royal Academy of Arts dell’Aia, è stato pluripremiato peri suoi progetti: Waag Technology Award 2019, Dutch Talent Award nel 2020, Landscape Research Award 2021, Gouden Kalf nel 2022.Le sue opere e installazioni sono state esposte a livello internazionale in importanti gallerie e festival, tra cui: Rencontres Internationales, Biennale di Venezia, NTMoFA, Sonic Acts, Rewire, Sounds of Silence, Netherlands Film Festival, FILE Brazil, Digital Arts Taipei, Centre Wallonie Bruxelles, Macau Design Museum, MU Hybrid Art House, W139, OT301, Loods6 Quartair, Stroom, Museum of Mines and Metal Brazil, WEST Museum, Noorderlicht, Het Hem, e recensito da riviste come CLOT, WIRE, DAMN, AQNB.

Giacomo Modolo - To Snatch
2025-09-08 08:00 - 17:00
CRAG is delighted to take part once again in
GERMINALE – Monferrato Art Fest
with a solo exhibition by
GIACOMO MODOLO
OPENING SATURDAY 13 SEPTEMBER AT 4.30 PM
HOSTED by QUASI FONDAZIONE CARLO GLORIA
via Roma 1, Rinco (AT)
GERMINALE – Monferrato Art Fest
An art festival that transforms the hills of Lower Monferrato into a widespread museum, where contemporary art, history, tradition and natural beauty come together in a sensory journey to discover the territory.
(*the complete programme of activities will be sent at the beginning of September)

DOMA - II EDITION
2025-10-28 08:00 - 2025-11-23 17:00
DOMA 2025
Group exhibition
From October 28 to November 23, 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Turin
curated by Karin Reisova
For the second year running, during Turin Art Week, coinciding with Artissima, Crag Gallery is presenting the DOMA exhibition at its Home Gallery in Via Maria Vittoria, right in the city center.
This edition will feature works by Italian and Czech artists, consolidating the cultural bridge that has always characterized Crag’s work.
This year’s theme is IL GIOCO/THE GAME, and the selected artists interpret it from different points of view. Play has a fundamental importance in our society because it indicates a free and spontaneous activity, essential for the intellectual development of children and important for adults because it represents a moment of escape from daily responsibilities. As early as 1926, philosopher Jurgen Moltmann believed that play had a suspensive function from normal activity and a relaxing function from everyday tensions.Art and play intertwine in life, from playing in love, to video games, to the depiction of moments from childhood.
With precious Bohemian crystal inlays, Radoslav Bigos exhibits in Italy for the first time and intervenes on paintings depicting the male nude revealed in intriguing playing cards.
Jiri Hauschka’s work, which balances between abstract painting and realism, incorporates personal stories of games immersed in the nature of the Bohemian Forest.
The appeal to a sense of belonging is the basis of a quest that questions the ideological fragility of the contemporary world, and often the appeal to alignment takes on the traits of stadium fans, and the flag, a theme dear to Giacomo Modolo, becomes the object of play between parties, in the continuous and obsessive search for an identity, that of a new flag for a nation that does not exist, an ideal nation, a flag to imagine a better world. The work is a collaboration with graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, an Italian artist based in Frankfurt, exhibits a sandbox with the player, the object, and the landscape to be reached, which is characterized by landmarks, markers, as in the levels of a video game. His work is a combination of refined painting and parts of a video game, all set in a Nordic atmosphere. Paolo Pibi revisits a late 19th-century puppet theater, a game that is certainly no longer in vogue but which is still present in our collective memory. The title of his painting is Piccoli Brividi (Goosebumps), a book series famous for his generation. Ondřej Roubik also tackles the theme of virtual reality in his painting: his works are stories in which the subjects play in a real and omnipresent dimension, isolated and unaware that the world of virtual reality influences them and slows down their intuitive behavior.
In the series of photographs “Coriandoli” (Confetti), Enrico Smerilli focuses on the image of confetti lying at the bottom of a fountain and observed through the rippled surface of the water. The optical distortions generated by the water transform the subject into an unstable visual composition that opens up a restrained narrative, poised between a moment of childlike innocence and a suspension of perception. For Karel Štědrý, art is a fun game, infinite variations on what already exists, in which new possibilities open up, with humor and incessant curiosity. In the case of works inspired by the Czech game invented in the 1920s, the Merkur Kit, he is interested, in addition to aesthetics, in how each of the pieces can be a separate object and how thought can be shifted from the world of play to the world of art.
The exhibition is organized by Crag Gallery in collaboration with the Czech Center in Milan and the Consulate General of the Czech Republic in Milan, as part of the TAG Torino Art Galleries initiatives.
Exhibition opening Tuesday, October 28, 6-8 p.m.
Special openings during Art Week Torino:
Night of the Arts on Saturday, November 1, from 6 to 11 p.m.
Breakfast in the gallery on Friday, October 31, Saturday, November 1, and Sunday, November 2, from 10 a.m. to 12 p.m.
Duration: November 1–23 by appointment
Location: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin

DOMA 2025
Mostra collettiva
Dal 28 ottobre al 23 novembre 2025
CRAG HOME GALLERY – Via Maria Vittoria 45 – Torino
curata da Karin Reisova
Per il secondo anno Crag Gallery propone durante la settimana dell’Art Week torinese, in concomitanza ad Artissima, la mostra DOMA nella Home Gallery di via Maria Vittoria in pieno centro della città.
In questa edizione esporranno le loro opere artisti italiani e artisti della Repubblica Ceca a consolidare un ponte culturale che caratterizza il lavoro di Crag da sempre.
Il tema di quest’anno è IL GIOCO/THE GAME e gli artisti scelti lo interpretano secondo diversi punti di vista. Il gioco ha un’importanza fondamentale nella nostra società perché indica un’attività libera e spontanea, essenziale per lo sviluppo intellettuale dei bambini e importante per gli adulti perché rappresenta un momento di evasione dalle responsabilità quotidiane. Già nel 1926, il filosofo Jurgen Moltmann riteneva che il gioco assumesse una funzione sospensiva dalla normale attività e distensiva dalle tensioni quotidiane. L’arte e il gioco si intrecciano nella vita, dal gioco nell’amore, ai videogiochi, alla raffigurazione di momenti della fanciullezza.
Con preziosi intarsi in cristalli di Boemia, Radoslav Bigos per la prima volta espone in Italia e interviene su pitture raffiguranti il nudo maschile svelato in intriganti carte da gioco.
Jiri Hauschka nel suo lavoro in bilico tra pittura astratta e realismo inserisce storie personali di giochi immersi nella natura della Bohemian Forest.
Il richiamo al senso di appartenenza è la base di una ricerca che mette in discussione la fragilità ideologica del contemporaneo e spesso il richiamo allo schieramento assume i tratti della tifoseria da stadio e la bandiera, tema caro a Giacomo Modolo, diventa oggetto del gioco tra parti, nella continua e ossessiva ricerca di un’identità, quello di una nuova bandiera di una nazione che non esiste, una nazione ideale, una bandiera per immaginare un mondo migliore. L’opera è realizzata a due mani in collaborazione con il graphic designer Nicolò Gemieri.
Mattia Noal, artista italiano di base a Francoforte, espone un sandbox con il giocatore, l’oggetto e il paesaggio da raggiungere che è caratterizzato da dei landmarks, i marcatori, come nei livelli di un videogioco. Il suo lavoro è combinazione tra una pittura raffinata e le parti di un videogioco, il tutto calato in un’atmosfera nordica.
Paolo Pibi riprende un teatrino delle marionette di fine Ottocento, un gioco sicuramente non più in voga ma che è comunque presente nella nostra memoria collettiva e il titolo del suo dipinto è Piccoli Brividi, una collana di libri celebre per la sua generazione.
Anche Ondřej Roubik affronta con la pittura il tema della realtà virtuale: le sue opere sono racconti nei quali i soggetti giocano in una dimensione reale e onnipresente, sono isolati e non si rendono conto che il mondo della realtà virtuale li influenza e ne rallenta il comportamento intuitivo.
Nella serie di fotografie “Coriandoli”, Enrico Smerilli si concentra sull’immagine di coriandoli posati sul fondo di una fontana e osservati attraverso la superficie increspata dell’acqua. Le distorsioni ottiche generate dall’acqua trasformano il soggetto in una composizione visiva instabile che apre una narrazione trattenuta, in bilico tra un momento di innocenza infantile e una sospensione percettiva.
Per Karel Štědrý, l’arte è un gioco divertente, infinite variazioni su ciò che già esiste, in cui si aprono nuove possibilità, con umorismo e incessante curiosità. Nel caso delle opere ispirate al gioco ceco inventato negli anni ’20, il Kit Merkur, egli è interessato, oltre all’estetica, a come ognuno dei pezzi possa essere un oggetto separato e a come il pensiero possa essere spostato dal mondo del gioco verso il mondo dell’arte.
La mostra è realizzata da Crag Gallery in collaborazione con il Centro Ceco di Milano e il Consolato Generale della Repubblica Ceca a Milano e nell’ambito delle iniziative di TAG Torino Art Galleries.
Apertura della mostra martedì 28 ottobre ore 18-20
Aperture straordinarie in occasione della Art Week Torino:
Notte delle Arti sabato 1° novembre dalle 18 alle 23
Colazioni in galleria venerdì 31 ottobre, sabato 1 e domenica 2 novembre dalle 10 alle 12
Durata: 1 – 23 novembre su appuntamento
Sede: Home di Crag Gallery, Via Maria Vittoria 45 Torino

Curatela: Karin Reisova’
Artisti:
Radoslav Bigos (1987) Praga
Jiri Hauschka (1965) Praga
Giacomo Modolo (1988) Vicenza
Mattia Noal (1984) Francoforte
Paolo Pibi (1987) Torino
Ondřej Roubik (1988) Praga
Enrico Smerilli (1978) Vercelli
Karel Štědrý (1985) Praga

Panorama in Blu - Joan Bonnemaison and Nicolò Baraggioli
2025-10-29 08:00 - 2025-11-28 17:00
OPERE IN MOSTRA – ARTWORKS ON DISPLAY

PANORAMA IN BLU
NICOLO’ BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaboration with Galeria Xavier Fiol
Opening Saturday, November 1, 2025, 5–11 p.m.
(Contemporary Arts Night)
On the occasion of the initiative “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani,” which promotes exchange and dialogue between the two gallery associations, CRAG Gallery is hosting the Majorcan gallery Xavier Fiol during Turin Art Week 2025, with the exhibition opening on October 29 and running until November 18, 2025.
The CRAG spaces enthusiastically welcome “Panorama in Blue,” a double solo exhibition by Nicolò Baraggioli and Joan Bonnemaison, artists represented by the Xavier Fiol gallery. The exhibition presents the chromatic and conceptual dialogue between the work of the two artists, in which color also plays a semantic role. The works interact, creating a path that combines geometric rigor, evocative chromaticism, and tension between object and space.
Together, the works offer a meditative and engaging interpretation, where blue becomes the bearer of history, materiality, conceptuality, and a long symbolic history. Its perception, which varies according to time and language, makes the color itself an object of reflection: what we see is never just what appears, and the observer is called upon to question their own perception.
Nicolò Baraggioli (Genoa, 1985) works on the manipulation of matter through the use of industrial and residual materials, which he reassembles into minimalist and rigorous compositions. His work stems from a desire for emotional detachment, for anti-subjectivity, with particular attention to the object and its physicality. The work does not represent, but exists: it is defined by its structure, surfaces, materials, thicknesses, angles, and colors. The dialogue between forms, light, and space generates an optical-perceptual message that replaces traditional expressiveness, creating a direct relationship between the object and the observer. Repetition, as Zen thought suggests, does not bore: it opens up a deeper understanding, transforming what seems simple into an intense and meditative experience.
His works explore the boundary between natural and artificial, between waste and beauty, raising questions about the aesthetic value of the object and the very concept of artistic production.
Joan Bonnemaison (Mallorca, 2001), a very young and promising painter, after graduating in Art from the UOC, is now attending a Master’s degree in Antwerp. His work mainly explores the link between human beings and the places that surround them and in which they live, with a profound existential approach. Although young, his research is constantly focused on questions, and for him, the fascination of life lies not in finding answers, but in the perpetual search for them. Even the objects in his depictions, such as ancient artifacts, embody the silent weight of stories, inviting viewers to decode the narratives contained in the artist’s brushstrokes.
The exhibition “Panorama in Blue” thus becomes an opportunity for international openness, sharing, and new visions, promoting the expansion of the cultural and artistic network.

Joan Bonnemaison

Nicolò Baraggioli

PANORAMA IN BLU
NICOLO BARAGGIOLI – JOAN BONNEMAISON
In collaborazione con la Galeria Xavier Fiol

Opening sabato 1 novembre 2025 ore 17/23
(Notte delle Arti contemporanee)
In occasione dell’iniziativa “TAG-Torino Art Gallery meets Art Palma Contemporani” che vede lo scambio e dialogo tra le due associazioni di gallerie, CRAG Gallery ospita la galleria maiorchina Xavier Fiol in occasione della settimana dell’arte torinese 2025, con apertura della mostra il 29 ottobre sino al 18 novembre 2025.
Gli spazi di CRAG accolgono con entusiasmo “Panorama in blu”, doppia personale di Nicolò Baraggioli e Joan Bonnemaison, artisti rappresentati dalla galleria Xavier Fiol. In mostra viene presentato il dialogo cromatico e concettuale tra il lavoro dei due artisti, in cui il colore fa da protagonista anche semantico. Le opere dialogano creando un percorso che coniuga rigore geometrico, cromatismo evocativo e tensione tra oggetto e spazio. Insieme, le opere offrono una lettura meditativa e coinvolgente, dove il blu diventa portatore di storia, materialità, concettualità e una lunga storia simbolica. La sua percezione, variabile secondo i tempi e le lingue, rende il colore stesso un oggetto di riflessione: ciò che vediamo non è mai solo ciò che appare, e chi osserva è chiamato a interrogarsi sulla propria percezione.
Nicolò Baraggioli (Genova, 1985) lavora sulla manipolazione della materia attraverso l’utilizzo di materiali industriali e residui, che riassembla in composizioni minimali e rigorose. Il suo lavoro nasce dal desiderio di distacco emotivo, all’antisoggettività, con attenzione particolare all’oggetto e alla sua fisicità. L’opera non rappresenta, ma esiste: è definita dalla struttura, dalle superfici, dai materiali, dagli spessori, dagli angoli e dal cromatismo. Il dialogo tra forme, luce e spazio genera un messaggio ottico-percettivo che sostituisce l’espressività tradizionale, creando un rapporto diretto tra l’oggetto e chi lo osserva. La ripetizione, come suggerisce il pensiero zen, non annoia: apre a una comprensione più profonda, trasformando ciò che sembra semplice in un’esperienza intensa e meditativa.
Le sue opere esplorano il confine tra naturale e artificiale, tra scarto e bellezza, ponendo interrogativi sul valore estetico dell’oggetto e sul concetto stesso di produzione artistica.
Joan Bonnemaison (Maiorca, 2001), giovanissimo e promettente pittore, dopo aver conseguito la laurea in Arte presso l’UOC, frequenta ora un Master di specializzazione ad Anversa. Il suo lavoro esplora soprattutto il legame che intercorre tra l’essere umano e i luoghi che lo circonda e che vive, con un profondo approccio esistenziale. Seppur giovane, la sua ricerca è costantemente tesa alla ricerca di domande e per lui il fascino della vita non sta nel trovare risposte, ma nella ricerca perpetua delle stesse. Anche gli oggetti presenti nelle raffigurazioni come manufatti antichi, racchiudono il peso silenzioso delle storie, invitando gli spettatori a decodificare le narrazioni racchiuse nelle pennellate dell’artista.
La mostra “Panorama in blu” diventa così l’occasione di apertura internazionale, condivisione e nuove visioni, favorendo l’estensione della rete culturale e artistica.

Goats never fall - Sebastiano Pallavisini
2026-02-21 08:00 - 2026-03-27 17:00
Artist’s profile https://cragallery.com/artists/sebastiano-pallavisini/
Sebastiano PallavisiniGOATS NEVER FALL21 February – 27 March 2026
Opening Saturday 21 and Sunday 22 February, 11 am – 7 pm
Crag Gallery opens 2026 with the exhibition Goats Never Fall by Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), a very young artist whom the gallery is proud to present, inaugurating a series of exhibitions celebrating its 10th anniversary. Founded in 2016 with the aim of supporting emerging painters, CRAG now continues its research by exhibiting these artists alongside mid-career practitioners.
The exhibition will present large-scale paintings, bold ceramic works, and delicate watercolours. Pallavisini explores animal forms and the ways in which they are articulated, addressing the theme of the relationship between humans and nature with irony combined with an authentic sensitivity.
The artist describes his practice as “a chaotic process, made up of layers of images, construction and deconstruction of animal forms, trying to avoid the stereotypes associated with these subjects, in order to arrive at a final image rich in meaning, capable of encompassing the entire process, the second thoughts, and the events that have unfolded on the pictorial surface.”
The title of the exhibition, Goats Never Fall, metaphorically embodied by goats as animals that climb steep cliffs without falling, evokes alternation, a constant boundary with risk, and an active, dynamic relationship with the void. Various elements intertwine in the works, generating constant tension: the instability of form, the chaos of images, figuration, and the fluidity of animal movement. Instability is not understood as a limitation, but as a horizon—a condition generated by the complexity of contemporary reality, in which both humans and, more broadly, all living beings find themselves constantly immersed.
From this emerges one of the central themes of the artist’s research: coexistence and respect for our shared world, often considered by humans as their own prerogative, forgetting the obligation to protect the planet.
Balance does not exist as a definitive state, but as a continuous trial. Humans attempt to dominate reality; the goat, which manages to maintain its balance, acts in a similar way, yet faces its condition with stoic resistance and humility. It does not fall into the ravine, it does not fall from the tree, and with irony Sebastiano Pallavisini tells analogous stories in his paintings. Through painting, we move within indeterminacy, letting go and lingering in the fascination of waiting time and ambiguity—a space in which perception, vision, reality, and intellect are deeply connected and stimulated by the artistic experience.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)Sebastiano Pallavisini was trained at the Academy of Fine Arts in Venice, in a context where tradition and innovation intertwine. He belongs to a generation of young artists for whom the pictorial medium is neither simply reaffirmed nor abandoned, but becomes a field of negotiation between matter and image, memory and loss of meaning, control and surrender. This contemporary scene is distinguished by its acceptance of instability as an ontological condition of art, capable of inhabiting the complexity of the present without claiming to resolve it or offer a single, definitive interpretation.
For informationinfo@cragallery.com+39 347 342 0598
The exhibition can be visited every day by appointment.

Sebastiano Pallavisini
GOATS NEVER FALL
21 febbraio – 27 marzo 2026
Inaugurazione sabato 21 e Domenica 22 febbraio dalle 11 alle 19

Crag Gallery apre il 2026 con la mostra Goats Never Fall di Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999), giovanissimo artista che la galleria presenta con entusiasmo, inaugurando una serie di mostre dedicate ai festeggiamento dei 10 anni di attività. Fondata nel 2016 con l’obiettivo di sostenere pittori emergenti, CRAG porta oggi avanti la propria ricerca affiancando a questi artisti a metà carriera.
In mostra saranno presentati dipinti di grandi dimensioni, grintose ceramiche e delicati acquerelli. Pallavisini indaga le forme animali e il modo in cui esse si articolano, affrontando il tema del rapporto tra uomo e natura, con ironia unita a una sensibilità autentica.
L’artista descrive la propria pratica come «un processo caotico, fatto di stratificazioni di immagini, costruzione e decostruzione di forme animali, cercando di evitare gli stereotipi legati a questi soggetti, per arrivare a un’immagine finale carica di significato, capace di racchiudere in sé l’intero processo, i ripensamenti e gli avvenimenti che si sono succeduti sulla superficie pittorica».
Il titolo della mostra Goats never fall, metaforicamente incarnato dalle capre come animali che si arrampicano sui dirupi senza cadere, richiama un’alternanza, un confine costante con il rischio, una relazione attiva e dinamica con il vuoto. Nelle opere si intrecciano diversi elementi che generano una tensione costante: l’instabilità della forma, il caos delle immagini, la figurazione e la liquidità del movimento animale. L’instabilità non è intesa come un limite, ma come un orizzonte, una condizione generata dalla complessità della realtà contemporanea, nella quale tanto l’uomo quanto, più in generale, tutti gli esseri viventi si trovano costantemente immersi.
Da qui emerge uno dei temi centrali della ricerca dell’artista: la convivenza e il rispetto per il mondo comune, spesso considerato dall’uomo come una propria prerogativa, dimenticando l’obbligo di tutela nei confronti del pianeta
L’equilibrio non esiste come stato definitivo, ma come una continua messa alla prova. L’uomo tenta di dominare la realtà; la capra, che riesce a mantenersi in equilibrio, agisce in modo analogo, ma con stoica resistenza e umiltà affronta la propria condizione. Non cade nel dirupo, non cade dall’albero, e con ironia Sebastiano Pallavisini racconta storie analoghe nei suoi quadri. Attraverso la pittura ci muoviamo nell’indeterminato, lasciandoci andare e sostando nel fascino del tempo dell’attesa e dell’ambiguità, uno spazio in cui percezione, visione, realtà e intelletto sono profondamente connessi e stimolati dall’esperienza artistica.
Sebastiano Pallavisini (Udine, 1999)
Sebastiano Pallavisini si è formato all’Accademia di Belle Arti di Venezia, in un contesto in cui tradizione e innovazione si intrecciano, facendo parte di una generazione di giovani artisti per i quali il medium pittorico non viene semplicemente riaffermato o abbandonato, ma diventa un campo di negoziazione tra materia e immagine, memoria e perdita di senso, controllo e abbandono. Questa scena contemporanea si distingue per l’accettazione dell’instabilità come condizione ontologica dell’arte, capace di abitare la complessità del presente senza pretendere di risolverla o di offrirne una lettura univoca.
Per info
info@cragallery.com +393473420598
La mostra è visitabile ogni giorno su appuntamento

Beyond the portrait
2026-03-21 08:00 - 2026-04-21 17:00
Beyond the Portrait
21 March – 21 April 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
The exhibition Beyond the Portrait marks the beginning of a new dialogue between artistic communities in Italy and Spain, inaugurated at Xavier Fiol Gallery in Palma de Mallorca. Presented in the context of the exchange initiative between TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, the show brings together the works of Italian artists Alessandro Cardinale and Giacomo Modolo.
Moving beyond the traditional understanding of portraiture, the exhibition explores how identity, presence, and representation can be reimagined through contemporary artistic practices. Rather than focusing solely on the depiction of a face or figure, the works presented investigate the psychological, symbolic, and conceptual dimensions of portraiture. The portrait becomes a field of inquiry—an open space where the boundaries between subject and context, interiority and appearance, begin to dissolve.
Alessandro Cardinale’s practice examines the tension between representation and abstraction, using the human figure as a starting point for a broader reflection on perception and memory. His works evoke the presence of individuals while simultaneously fragmenting and reconfiguring their image, inviting viewers to question the stability of identity.
Giacomo Modolo approaches portraiture through a process that blends figuration with subtle distortions and layered surfaces. His works suggest narratives that remain partially concealed, where the portrait becomes a site of emotional resonance rather than a fixed likeness.
Together, the two artists open a space where portraiture expands beyond its historical limits, transforming into a reflection on how we see, remember, and construct the image of the other.
Beyond the Portrait is not only an exhibition but also a gesture of collaboration. By connecting the artistic ecosystems of Turin and Palma de Mallorca, the project fosters a shared platform for exchange, dialogue, and future partnerships between the two cities.
Through this initiative, TAG – Torino Art Galleries and Art Palma Contemporani reaffirm their commitment to supporting international mobility and creating new opportunities for artists and galleries to engage across cultural contexts.

Beyond the Portrait
21 marzo – 21 aprile 2026
Galeria Xavier Fiol – Palma di Maiorca
La mostra Beyond the Portrait segna l’inizio di un nuovo dialogo tra le comunità artistiche di Italia e Spagna, inaugurato presso la Galeria Xavier Fiol a Palma di Maiorca. Presentata nell’ambito dell’iniziativa di scambio TAG – Torino Art Galleries meets Art Palma Contemporani, l’esposizione riunisce le opere degli artisti italiani Alessandro Cardinale e Giacomo Modolo.
Superando la concezione tradizionale del ritratto, la mostra esplora come identità, presenza e rappresentazione possano essere ripensate attraverso le pratiche artistiche contemporanee. Piuttosto che concentrarsi esclusivamente sulla raffigurazione di un volto o di una figura, le opere presentate indagano le dimensioni psicologiche, simboliche e concettuali del ritratto. Il ritratto diventa così un campo di ricerca — uno spazio aperto in cui i confini tra soggetto e contesto, interiorità e apparenza iniziano a dissolversi.
La pratica di Alessandro Cardinale esamina la tensione tra rappresentazione e astrazione, utilizzando la figura umana come punto di partenza per una riflessione più ampia sulla percezione e sulla memoria. Le sue opere evocano la presenza degli individui mentre al tempo stesso ne frammentano e riconfigurano l’immagine, invitando lo spettatore a interrogarsi sulla stabilità dell’identità.
Giacomo Modolo affronta il ritratto attraverso un processo che combina figurazione, sottili distorsioni e superfici stratificate. Le sue opere suggeriscono narrazioni che rimangono in parte celate, dove il ritratto diventa un luogo di risonanza emotiva più che una somiglianza definita.
Insieme, i due artisti aprono uno spazio in cui il ritratto si espande oltre i suoi limiti storici, trasformandosi in una riflessione su come vediamo, ricordiamo e costruiamo l’immagine dell’altro.
Beyond the Portrait non è solo una mostra, ma anche un gesto di collaborazione. Collegando gli ecosistemi artistici di Torino e Palma di Maiorca, il progetto crea una piattaforma condivisa di scambio, dialogo e future collaborazioni tra le due città.
Attraverso questa iniziativa, TAG – Torino Art Galleries e Art Palma Contemporani riaffermano il loro impegno nel sostenere la mobilità internazionale e nel creare nuove opportunità affinché artisti e gallerie possano confrontarsi attraverso contesti culturali differenti.

SEBASTIANO PALLAVISINI - SUPERLAB
2026-04-16 08:00 - 2026-06-26 17:00
PRESS RELEASESebastiano PallavisiniAbove SuspicionCurated by CRAG GalleryAt Superlab, MilanOpening: April 16, 2026, 6–8 PMDates: April 16 – June 26, 2026
On the occasion of Art Week and Milano Design Week, Superlab presents Above Suspicion, a solo exhibition by Sebastiano Pallavisini. The exhibition marks the beginning of a new collaborative path with CRAG Gallery and inaugurates a program dedicated to emerging artists, within a space conceived as a dynamic environment for research, promotion, and dialogue.
Pallavisini’s painting practice is rooted in his training at the Academy of Fine Arts in Venice, reflected in a careful construction of the image and a particular sensitivity to painterly material and the relationship between figure and space. Painting emerges as a layered language in which mark and color retain a strong expressive autonomy.
The works are inhabited by animal figures and hybrid presences, suspended between reality and imagination. While maintaining formal recognizability, these subjects adopt attitudes and dynamics that recall human behavior: they observe one another, brush past each other, isolate themselves, or confront each other. The result is a series of scenes that evoke shared relationships and fragilities, activating a subtle shift between animal and human in which the viewer is led to recognize elements of their own experience.
A distinctive feature of the work is a subtle, understated irony that runs through the images via deviations, unexpected juxtapositions, and slight dissonances. This register keeps the works balanced between immediacy and depth, avoiding a single, fixed interpretation.
The exhibition is conceived as an experience of discovery and direct interaction. The works require an active gaze and a willingness to engage: not passive viewing, but an encounter in which each piece is completed through the viewer’s interpretation. In June, a site-specific installation by the artist will also be created.
This participatory dimension reflects the very identity of Superlab, understood as a space where art is lived and shared, in constant dialogue with its audience.
Above Suspicion therefore represents not only an exhibition moment, but the beginning of a broader project: a place where contemporary art maintains a strong linguistic identity while opening up to new modes of relationship and experience.
InformationSuperlabViale Sarca 336/2, MilanApril 16 – June 26, 2026Monday – Friday, 8:00 AM – 4:00 PMFree admission

COMUNICATO STAMPA
Sebastiano Pallavisini
Al di sopra di ogni sospetto
A cura di CRAG Gallery
Presso Superlab, Milano
Inaugurazione: 16 aprile 2026 ore 18-20
Periodo: 16 aprile – 26 giugno 2026
In occasione della Art Week e della Milano Design Week, Superlab presenta Al di sopra di ogni sospetto, mostra personale di Sebastiano Pallavisini. L’esposizione segna l’avvio di un nuovo percorso di collaborazione con CRAG Gallery e inaugura una programmazione dedicata ai giovani artisti, all’interno di uno spazio concepito come luogo dinamico di ricerca, promozione e dialogo.
La pratica pittorica di Pallavisini affonda le proprie radici nella formazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, riflettendosi in un’attenta costruzione dell’immagine e in una particolare sensibilità verso la materia pittorica e la relazione tra figura e spazio. La pittura emerge come linguaggio stratificato, in cui segno e colore conservano una forte autonomia espressiva.
Le opere sono abitate da figure animali e presenze ibride, sospese tra realtà e immaginazione. Pur mantenendo una riconoscibilità formale, questi soggetti assumono atteggiamenti e dinamiche che richiamano il comportamento umano: si osservano, si sfiorano, si isolano o si confrontano. Ne derivano scene che evocano relazioni e fragilità condivise, attivando un sottile slittamento tra animale e umano in cui lo spettatore è portato a riconoscere elementi della propria esperienza.
Elemento distintivo del lavoro è una sottile ironia, mai dichiarata, che attraversa le immagini attraverso scarti, accostamenti inattesi e leggere dissonanze. Questo registro mantiene le opere in equilibrio tra immediatezza e profondità, evitando una lettura univoca.
La mostra si configura come un’esperienza di scoperta e di interazione diretta. Le opere richiedono uno sguardo attivo e una disponibilità alla relazione: non una fruizione passiva, ma un incontro in cui ogni lavoro si completa attraverso l’interpretazione dello spettatore. A giugno verrà poi creata una installazione site specific dall’artista.
Questa dimensione partecipativa riflette l’identità stessa di Superlab, inteso come spazio in cui l’arte è vissuta e condivisa, in costante dialogo con il pubblico.
Al di sopra di ogni sospetto rappresenta quindi non solo un momento espositivo, ma l’inizio di un progetto più ampio: un luogo in cui l’arte contemporanea mantiene una forte identità linguistica aprendosi a nuove modalità di relazione e fruizione.
Informazioni
Superlab
Viale Sarca 336/2, Milano
16 aprile – 26 giugno 2026
Lunedì – Venerdì, 8:00 – 16:00
Ingresso libero

Dendrografie - The Secret Writing of Trees
2026-05-07 08:00 - 2026-06-07 17:00
DENDROGRAPHIESThe Secret Writing of TreesCarolina Cuneo and Francesca Migone
May 7 – June 7, 2026Via Maria Vittoria 45 – Turin
CRAG GALLERY is pleased to present, for the second consecutive year in collaboration with VisionQuesT4rosso in Genoa, the two-person exhibition “DENDROGRAPHIES_The Secret Writing of Trees”, opening on May 7, 2026, as part of the programme for Turin’s Month of Photography.
The exhibition brings into dialogue the works of Carolina Cuneo and Francesca Migone: two artists distant in generation and methodological approach, yet united by the desire to explore the utopia of a reconciliation between human beings and the natural world. The exhibition investigates a dimension in which the planet is not merely a setting, but a living organism that pulses and breathes in harmony with universal vital energy.
The exhibition path moves between archetype and matter, beyond the boundaries of the visible, rejecting processes of contemporary alienation in order to embrace a journey of meditation and regeneration. In Francesca Migone’s works, copper threads evoke the textures of chestnut bark, intertwining in an intense dialogue with nocturnal images of silent forests.
The same concept of interweaving and vision—this time centred on the tree as symbol and universal archetype—appears in Carolina Cuneo’s photographic works: the tree as an axis joining earth and sky, conscious and unconscious. In this space, the human being rediscovers their ancient role as mediator and guardian of an ancestral symbolic heritage.
The artistic operation takes shape as a continuous metamorphosis: a flow that dissolves generational distances in order to celebrate movement, continuity, and the profound aspiration to become “one” with nature.

Carolina Cuneo was born in Genoa, where she lives and works. She developed her photographic path in her hometown with photographers Alberto Terrile and Franco Fontana.
She works with her head in the clouds, one foot on Earth and the other among the stars. If the category of “poetic photography” truly existed, much of her work would stand as a reference point. Hers is a constant navigation between visual art photography and creative photography. Despite her reserved nature, her passion for art history and her creative research make her an essential contemporary voice in photography, where she has learned to master and subtly play with light. Her works have been exhibited at contemporary art fairs in Venice, Salerno, New York, Gaspé, and Turin, as well as in photography exhibitions in Savignano sul Rubicone, Arles, and Reggio Emilia.
Francesca Migone (1989) currently works between Genoa and Milan, where her studio is based. Her research focuses on the dynamics linked to the transformation of a place from visual and political-sociological perspectives.
She works across different scales of complexity, highlighting the relationships between object, space, and context, often using textile as a defining element and interpretative key to the environment. She obtained a specialist degree in Decoration, focusing her research on textile experimentation within visual arts and multimedia installations. She also pursued studies in textile surface design at the Academy of Fine Arts in Bologna, continuing her training through the study and practice of weaving. Her works have been exhibited at ViaFarini Residence, Anonima Kunsthalle Varese, Triennale Milano, Biennale di Monza, Museo di Arte Contemporanea Villa Croce, The Others Art Fair, and Meeting Gardens Festival.

DENDROGRAFIE
La scrittura segreta degli alberi
Carolina Cuneo e Francesca Migone
7 maggio – 7 giugno 2026
Via Maria Vittoria 45 – Torino
CRAG GALLERY è lieta di presentare, in collaborazione per il secondo anno consecutivo con la galleria VisionQuesT4rosso di Genova, la mostra bipersonale “DENDROGRAFIE_La scrittura segreta degli alberi”, dal 7 maggio 2026, inserendosi nel palinsesto del mese della fotografia torinese.
L’esposizione mette in dialogo le opere di Carolina Cuneo e Francesca Migone: due artiste distanti per generazione e approccio metodologico, ma unite dal desiderio di esplorare l’utopia di una riconciliazione tra l’essere umano e il mondo naturale. La mostra indaga una dimensione in cui il pianeta non è solo scenario, ma un organismo che pulsa e respira in armonia con l’energia vitale universale.
Il percorso espositivo si muove tra archetipo e materia, oltre i confini del visibile, rifiutando i processi di alienazione contemporanea per abbracciare un cammino di meditazione e rigenerazione. Nelle opere di Francesca Migone i fili di rame evocano le trame delle cortecce di castagno, intrecciandosi in un dialogo serrato con immagini notturne di boschi silenti.
Il medesimo concetto di intreccio e visione, ma questa volta con ad oggetto l’albero come simbolo e archetipo universale, le troviamo nei lavori fotografici di Carolina Cuneo: albero come asse che congiunge terra e cielo, conscio e inconscio. In questo spazio, l’essere umano riscopre il suo ruolo millenario di tramite e custode di un bagaglio simbolico ancestrale.
L’operazione artistica si configura come una metamorfosi continua: un flusso che annulla le distanze generazionali per celebrare il movimento, la continuità e l’aspirazione profonda a farsi “uno” con la natura.

Carolina Cuneo nasce Genova, dove vive e lavora. Ha costruito il suo percorso fotografico nella sua citta con il fotografo Alberto Terrile. e con Franco Fontana
Lavora con la testa dentro le nuvole con un piede sulla Terra e l’altro tra le Stelle. Se davvero esistesse la categoria “fotografia poetica”, la maggior parte dei suoi lavori ne sarebbe un riferimento. Un costante navigare tra la fotografia di arte visiva e la fotografia creativa. Nonostante la sua timidezza, la sua passione per la storia dell’arte le sue ricerche creative la rendono una creatrice contemporanea imprescindibile nel campo della fotografia dove ha imparato a padroneggiare e a giocare sottilmente con la luce. Sue opere sono state esposte in fiere d’arte contemporanea a Venezia, Salerno, New York, Gaspé, Torino e in mostre fotografiche a Savignano sul Rubicone, Arles, Reggio Emilia.
Francesca Migone (1989) attualmente lavora tra Genova e Milano, dove ha il suo studio. Svolge un’indagine rivolta alle dinamiche legate alla trasformazione di un luogo, dal punto di vista visivo e politico-sociologico.
Lavora su scale di differente complessità, sottolineando i rapporti tra manufatto, spazio e contesto, spesso utilizzando il tessuto come elemento caratterizzante e chiave di lettura dell’ambiente. Ha conseguito la laurea specialistica in Decorazione, focalizzando la sua ricerca sulla sperimentazione tessile nell’ambito delle arti visive e delle installazioni multimediali. Ha seguito un percorso di progettazione di superfici del tessuto all’Accademia di Belle Arti di Bologna,
proseguendo la sua formazione anche nello studio e nella pratica della tessitura. I suoi lavori sono stati esposti in ViaFarini Residence, Anonima Kunsthalle Varese, La Triennale di Milano, Biennale di Monza, Museo di Arte Contemporanea Villa Croce di Genova, The Others Art Fair, Meeting Gardens Festival.
La mostra è aperta ogni giorno su appuntamento in via Maria Vittoria 45 – Torino
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

VIA PARMA 66D – TORINO
+39 3473420598
+39 3351227609
info@cragallery.com
www.cragallery.com
IG@cragallery

TRACCIANDO IL SENTIERO. ARTE, AMBIENTE E VISIONI DEL FUTURO
2026-05-09 08:00 - 2026-09-13 17:00
TRACCIANDO IL SENTIERO.

ARTE, AMBIENTE E VISIONI DEL FUTURO
Mostra collettiva
In occasione della 10° edizione di StArt/arte Saluzzo
e della 18° edizione di Saluzzo Contemporanea

Tracciando il sentiero. Arte, ambiente e visioni del futuro,
la nuova mostra collettiva di Fondazione Garuzzo realizzata in collaborazione con Trigenia Award, premio per l’arte contemporanea promosso da Trigenia – Energy Service Company e curato dalla Galleria CRAG di Torino.
La mostra, parte della rassegna Dialoghi e altri sguardi, sarà allestita presso gli spazi espositivi della Castiglia di Saluzzo (Cuneo), in occasione della 10° edizione di StArt/arte Saluzzo e della 18° edizione di Saluzzo Contemporanea.
La mostra presenta il lavoro di una serie di artisti del Trigenia Award in dialogo con nuove opere inserite all’interno dell’Esposizione e Collezione Permanente alla Castiglia, e chiama in causa l’arte contemporanea come spazio di responsabilità, assumendo il mondo non quale superficie di sfondo ma come campo specifico d’azione e di scelta.
Attraverso linguaggi differenti – pittura, installazione, fotografia, scultura, video – viene esplorato il rapporto tra energia, materia e spazio, aprendo nuove prospettive sul modo in cui gli esseri umani abitano e comprendono il mondo.
ARTISTI IN MOSTRA:
Daniele Accossato, Maura Banfo, Domenico Borrelli, Botto&Bruno, Alessandro Cardinale, Linda Carrara, Filippo Centenari, Sara Chanoufi, Alessandro Fabbris, Andrea Francolino, Dario Ghibaudo, Cesare Goria Gatti, Paolo Grassino, Tomáš Kurecka, Chen Li, Luigi Mainolfi, Cristina Mandelli, Domenico Antonio Mancini, Jacopo Martinotti, Daniele Marzorati, Giacomo Modolo, Mattia Novello, Emanuele Pagnanini, Sebastiano Pallavisini, Dario Picariello, Fabio Riaudo, Fabio Roncato, Maurizio Sapia, Saverio Todaro, Alessandro Vasapolli, Marzio Zorio.
Accanto alla dimensione espositiva è prevista la realizzazione di una pubblicazione che rappresenterà un’estensione della mostra, accompagnata da un public programcaratterizzato da incontri e momenti performativi per attivare la mostra come luogo vivo, favorendo il dialogo tra artisti e pubblico.

L’inaugurazione si terrà sabato 9 maggio 2026 alle ore 17.30 presso gli spazi espositivi della mostra.
Evento libero e aperto a tutti.
TRACING THE PATH.ART, ENVIRONMENT AND VISIONS OF THE FUTURE
Group ExhibitionOn the occasion of the 10th edition of StArt/arte Saluzzoand the 18th edition of Saluzzo Contemporanea
Tracing the Path. Art, Environment and Visions of the Future is the new group exhibition by Fondazione Garuzzo, created in collaboration with Trigenia Award, a contemporary art prize promoted by Trigenia and curated by Galleria CRAG.
The exhibition, part of the Dialoghi e altri sguardi programme, will be hosted in the exhibition spaces of Castiglia di Saluzzo, on the occasion of the 10th edition of StArt/arte Saluzzo and the 18th edition of Saluzzo Contemporanea.
The exhibition presents works by a selection of artists from the Trigenia Award in dialogue with new works placed within the Permanent Exhibition and Collection at Castiglia di Saluzzo. It positions contemporary art as a space of responsibility, considering the world not as a mere background surface, but as a specific field of action and choice.
Through different media — painting, installation, photography, sculpture and video — the exhibition explores the relationship between energy, matter and space, opening new perspectives on how human beings inhabit and understand the world.
ARTISTS ON VIEW:Daniele Accossato, Maura Banfo, Domenico Borrelli, Botto&Bruno, Alessandro Cardinale, Linda Carrara, Filippo Centenari, Sara Chanoufi, Alessandro Fabbris, Andrea Francolino, Dario Ghibaudo, Cesare Goria Gatti, Paolo Grassino, Tomáš Kurecka, Chen Li, Luigi Mainolfi, Cristina Mandelli, Domenico Antonio Mancini, Jacopo Martinotti, Daniele Marzorati, Giacomo Modolo, Mattia Novello, Emanuele Pagnanini, Sebastiano Pallavisini, Dario Picariello, Fabio Riaudo, Fabio Roncato, Maurizio Sapia, Saverio Todaro, Alessandro Vasapolli, Marzio Zorio.
Alongside the exhibition, a publication will be produced as an extension of the project, accompanied by a public programme featuring talks and performative moments designed to activate the exhibition as a living space and encourage dialogue between artists and audiences.
The opening will take place on Saturday, 9 May 2026 at 5:30 PM in the exhibition spaces.Free admission, open to all

VERTIGES - CHIARA FERRANDO
2026-05-13 08:00 - 2026-09-13 17:00
NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA PRESENTS:
VERTIGESA project room by Chiara FerrandoCurated by CRAG Gallery
OPENING: MAY 13, 7:00 PM
NH Collection Torino Piazza Carlina

On May 13, 2026 at 7:00 PM, Vertiges opens at NH Collection Torino Piazza Carlina: a project room by photographer Chiara Ferrando, curated by CRAG Gallery.
The Vertiges series develops a visual language centered on spatial ambiguity and beauty. Architectural forms are fragmented and reconfigured into dynamic compositions, where perspective becomes unstable and the viewer is immersed in a suspended, vertiginous experience of space. Light fractures surfaces and amplifies the tension between solidity and dissolution, generating a sense of movement within static structures.
On the occasion of the exhibition, a key image has been produced, dedicated to the staircase that will host the project, in which the artist reinterprets the space in both its physical and perceptual dimensions, offering an unprecedented and deeply personal perspective. For the artist, architecture is conceived as an artistic fact: a phenomenon capable of generating emotion and activating a perceptual relationship with the viewer.

NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA PRESENTA:
VERTIGES
UNA PROJECT ROOM DI CHIARA FERRANDO
CURATA DA CRAG GALLERY

INAUGURAZIONE 13 MAGGIO H.19.00
NH COLLECTION TORINO PIAZZA CARLINA
Il 13 maggio 2026 alle ore 19.00 inaugura in NH Collection Torino Piazza Carlina Vertiges: la project room della fotografa Chiara Ferrando curata da CRAG Gallery.
La serie Vertiges sviluppa un linguaggio visivo incentrato sull’ambiguità spaziale e sulla bellezza. Le forme architettoniche sono frammentate e riconfigurate in composizioni dinamiche, in cui la prospettiva diventa instabile e lo spettatore è immerso in un’esperienza sospesa e vertiginosa dello spazio. La luce frattura le superfici e amplifica la tensione tra solidità e dissoluzione, generando un senso di movimento all’interno di strutture statiche. In occasione della mostra è stata realizzata la fotografia immagine guida, dedicata alla scalinata che ospiterà il progetto, nella quale l’artista rilegge lo spazio nella sua dimensione insieme fisica e sensibile, offrendo uno sguardo inedito e profondamente personale. L’architettura, per l’artista, si configura infatti come un fatto d’arte: un fenomeno capace di generare emozione e attivare una relazione percettiva con chi osserva.
