Bea Sarrias - Dipingere lo spazio. Omaggio a Gio Ponti
2024-10-24 08:00 - 2024-11-28 17:00 (Europe/Rome)
DIPINGERE LO SPAZIO.
OMAGGIO A GIO PONTI
Mostra personale di Bea Sarrias
24 ottobre – 28 novembre 2024

Inaugurazione 24 ottobre ore 17/21
CRAG Gallery è lieta di presentare la prima mostra personale in Italia dell’artista spagnola Bea Sarrias (Barcellona, 1979) in occasione della Art Week Torinese con inaugurazione il 24 ottobre in via Parma 66D, Torino.
L’artista, interessata alla figurazione legata alla architettura moderna e contemporanea, esplora in questa mostra un filone dedicato alla figura dell’architetto Gio Ponti.
Gli spazi architettonici e la poetica del grande Architetto rivivono nei dipinti attraverso lo sguardo e l’interpretazione dell’artista. Il suo lavoro è concentrato sul catturare le luci e le atmosfere delle architetture.
E’ proprio la luce l’elemento chiave ci permette di “sentire” l’architettura, interpretandola emotivamente. Nei dipinti diventa infatti personaggio silenzioso che dà vita alle linee pure e moderne dell’architettura pontiana, catturando anche momenti effimeri. Troviamo la luce che sfiora una parete o il calore del pavimento illuminato dal sole pomeridiano o ancora la luce che dà movimento alla facciata esterna di una villa. Nei dipinti di Sarrias la luce non solo illumina, ma racconta una storia, la stessa storia che Ponti tratteggiava nei suoi edifici: una celebrazione della bellezza, della semplicità e della chiarezza. «Mi interessano la prospettiva, la composizione e, soprattutto, la luce. Per me l’architettura è uno strumento con cui dipingere la luce. La luce modella gli spazi e crea presenza. Con la luce cerco di catturare l’anima stessa degli spazi che dipingo.
Sarrias non dipinge edifici, ma crea piuttosto ritratti di spazi. Il suo lavoro è antropologico e consiste in ricerca, fotografia e persino video per documentare il passato e il presente degli edifici, suggerendo sottilmente la presenza, e talvolta l’assenza, dei loro abitanti. Le figure umane, infatti, non compaiono nei dipinti, se non raramente, ma Bea Sarrias riesce ad evocare le tracce delle presenze di chi ha creato e abitato i luoghi, crea inoltre una tensione tra gli interni e gli esterni.
L’artista trova nell’opera di Ponti forte stimolo per la realizzazione dei suoi dipinti, facendoci respirare tutta l’ecletticità e la sensibilità del maestro, pioniere dell’architettura moderna, conferendo ai quadri la matericità dell’architettura e la poetica della luce che la trasforma.
Gli iconici edifici di Gio Ponti, come Villa Planchart a Caracas e il famoso grattacielo Pirelli a Milano, sono progettati per interagire con la luce in modo dinamico, creando ombre e riflessi che trasformano gli spazi.
In sintesi, Bea Sarrias trova nel lavoro di Giò Ponti una risonanza artistica che va oltre la struttura e il design.
Una serie di opere in mostra è poi ispirata al pavimento Giallo Fantastico disegnato da Giò Ponti nel 1958 per il Museo Richard-Ginori e inserito nel Pirellone, composto da piastrelle nei toni del giallo e del nero che generano un disegno ondulato, creando un effetto visivo che simula il movimento dell’acqua. Ponti ha concepito questi pavimenti non solo come superficie funzionale, ma come un’opera d’arte all’interno dell’ambiente architettonico, giocando con la geometria per creare una sensazione di movimento e dinamismo sotto i piedi.
Bea Sarrias ha catturato con il suo pennello l’eleganza e l’ingegnosità di questi pavimenti geometrici, facendoli ulteriormente interagire con la luce e le ombre, rafforzando la profondità spaziale e l’atmosfera dell’ambiente. L’artista coglie la complessità delle forme e dei colori ideati da Ponti, ma lo fa da una prospettiva che mette in risalto la sua interazione con la luce. Attraverso la sua interpretazione, Sarrias non solo rende omaggio alla meticolosità del design di Ponti, ma mette in risalto anche la sua capacità di utilizzare la luce come risorsa espressiva. Nei suoi dipinti il ​​pavimento del palazzo Pirelli diventa parte essenziale del dialogo tra architettura, spazio e luce.
L’allestimento di mostra sarà inoltre arricchito proprio dal pavimento Giallo Fantastico con pattern che riproduce fedelmente l’originale, presentato da Rezina nel 2023 al Salone del Mobile.
Bea Sarrias ha esposto a New York, Oslo, Malmö (Svezia) e Bruxelles, ed è presente in varie collezioni come la Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
In occasione della mostra sarà presente l’artista e alcune sue opere saranno esposte durante la settimana di Artissima a The Others, nella nuova sede fieristica nell’ONU center di Torino.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promuove artisti emergenti e di metà carriera, in particolare pittori e scultori, sia italiani che stranieri, con attenzione alla ricerca figurativa. La Galleria ha sede nel centro di Torino dal 2016 ed è guidata da Elisabetta Chiono e Karin Reisovà. Elisabetta, avvocato specializzato in diritto dell’arte, ha deciso insieme a Karin di aprire la galleria per condividere il suo personale approccio e passione per l’arte e il collezionismo, in particolare per scoprire giovani artisti. Collabora come contributor con la rivista Exibart ed è Presidente di TAG-Torino Art Galleries, associazione delle gallerie di arte contemporanea di Torino. Karin, architetto, condivide la direzione artistica e l’evoluzione della galleria, con particolare esperienza nel campo della progettazione culturale. Il focus della galleria è lo scouting di giovani artisti e il sostegno degli artisti di metà carriera. Nella nostra visione la galleria è anche uno spazio per progetti sperimentali e curatoriali. Siamo assolutamente convinti dell’importanza di scelte altamente personali per gestire una galleria, al di là delle mode, concentrandosi sulla qualità della ricerca artistica, consentendo agli artisti di sviluppare riconoscimento e crescita.
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

VIA PARMA 66D – TORINO
+39 3473420598
+39 3351227609
info@cragallery.com
www.cragallery.com
IG@cragallery
Orari di visita
Me-gio-ve: 15/19
Altri giorni o orari su appuntamento

PAINTING THE SPACE.
TRIBUTE TO GIO PONTI
Bea Sarrias solo exhibition
October 24 – November 28, 2024
Opening October 24, 5/9 pm
Via Parma 66D – Turin
CRAG Gallery is pleased to present the first solo exhibition in Italy of the Spanish artist Bea Sarrias (Barcelona, ​​1979) on the occasion of the Turin Art Week with opening on October 24 in via Parma 66D, Turin.
The artist, interested in figuration linked to modern and contemporary architecture, explores in this exhibition a thread dedicated to the figure of the architect Gio Ponti.
The architectural spaces and the poetics of the great Architect come to life in the paintings through the artist’s gaze and interpretation. Her work is focused on capturing the lights and atmospheres of architecture.
It is precisely light that is the key element that allows us to “feel” architecture, interpreting it emotionally. In his paintings, it becomes a silent character that gives life to the pure and modern lines of Ponti’s architecture, also capturing ephemeral moments. We find the light that touches a wall or the warmth of the floor illuminated by the afternoon sun or the light that gives movement to the external facade of a villa. In Sarrias’ paintings, light not only illuminates, but tells a story, the same story that Ponti outlined in his buildings: a celebration of beauty, simplicity and clarity. «I am interested in perspective, composition and, above all, light. For me, architecture is a tool with which to paint light. Light shapes spaces and creates presence. With light I try to capture the very soul of the spaces I paint. Sarrias does not paint buildings, but rather creates portraits of spaces. His work is anthropological and consists of research, photography and even video to document the past and present of buildings, subtly suggesting the presence, and sometimes the absence, of their inhabitants. Human figures, in fact, rarely appear in the paintings, but Bea Sarrias manages to evoke the traces of the presence of those who created and inhabited the places, and also creates a tension between the interiors and the exteriors.
The artist finds in Ponti’s work a strong stimulus for the creation of her paintings, making us breathe all the eclecticism and sensitivity of the master, a pioneer of modern architecture, giving the paintings the materiality of architecture and the poetics of light that transforms it.
Gio Ponti’s iconic buildings, such as Villa Planchart in Caracas and the famous Pirelli skyscraper in Milan, are designed to interact with light in a dynamic way, creating shadows and reflections that transform spaces.
In short, Bea Sarrias finds in Giò Ponti’s work an artistic resonance that goes beyond structure and design.
A series of works on display is inspired by the Giallo Fantastico floor designed by Giò Ponti in 1958 for the Richard-Ginori Museum and inserted in the Pirellone, composed of tiles in shades of yellow and black that generate a wavy design, creating a visual effect that simulates the movement of water. Ponti conceived these floors not only as a functional surface, but as a work of art within the architectural environment, playing with geometry to create a sensation of movement and dynamism underfoot.
Bea Sarrias has captured the elegance and ingenuity of these geometric floors with her brush, making them interact further with light and shadow, reinforcing the spatial depth and atmosphere of the environment. The artist captures the complexity of the shapes and colors conceived by Ponti, but does so from a perspective that highlights his interaction with light. Through her interpretation, Sarrias not only pays homage to the meticulousness of Ponti’s design, but also highlights his ability to use light as an expressive resource. In her paintings, the floor of the Pirelli building becomes an essential part of the dialogue between architecture, space and light.
The exhibition will also be enriched by the Giallo Fantastico floor with a pattern that faithfully reproduces the original, presented by Rezina in 2023 at the Salone del Mobile.
Bea Sarrias has exhibited in New York, Oslo, Malmö (Sweden) and Brussels, and is present in various collections such as the Mies van der Rohe Foundation, Open Earth Foundation, Eileen Kaminsky Foundation, Saffca Foundation.
The artist will be present at the exhibition and some of her works will be exhibited during the Artissima week at The Others, in the new fair venue in the ONU center in Turin.
CRAG GALLERY
CHIONO REISOVA ART GALLERY (CRAG) promotes emerging and mid-career artists, especially painters and sculptors, both Italian and foreign, with a focus on figurative research. The Gallery has been based in the center of Turin since 2016 and is led by Elisabetta Chiono and Karin Reisovà. Elisabetta, a lawyer specialized in art law, decided together
Invia commenti
Riquadri laterali
Cronologia
Salvate

STAR ROSE
2024-05-28 08:00 - 2024-06-30 17:00 (Europe/Rome)
STAR/ROSE
Mostra collettiva
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY

Mostra realizzata a
Casa Toesca
Via Ivrea 42
Rivarolo C.se (Torino)

1 giugno – 30 giugno 2024
Inaugurazione sabato 1 giugno h. 16/20

STAR ROSE
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra collettiva “STAR/ROSE” nello spazio di Casa Toesca a Rivarolo Canavese, dal 1 al 30 giugno 2024.
Maggio è dedicato alle rose. Le giornate si allungano, il clima è più caldo, è il momento della rifioritura, per noi che torniamo a passeggiare nei parchi, per l’arte che riaccoglie la spinta ottimistica della “bella stagione” e per le rose che raggiungono il loro massimo splendore in questo periodo dell’anno.
Gli artisti Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll e Giuliano Sale dialogano attraverso la loro poetica sui simbolismi, allegorie, miti e significati che ruotano attorno alla rosa, nella storia dell’arte ma non solo. Sono artisti con origini diverse che hanno declinato questo tema con la sensibilità e background personale di ognuno di essi – quest’ultima è una tematica molto a cuore per CRAG Gallery, che da anni si impegna a instaurare dialoghi tra diversi paesi, dando opportunità ad artisti emergenti e più affermati di confrontarsi.
La rosa, nella sua storia secolare e nell’arte, ha sempre avuto una simbologia complessa poiché racchiude in sé semantiche totalmente contrastanti. È simbolo di amore, perfezione, purezza, passione, vita e morte e assume significati differenti a seconda del contesto, del colore e delle spine.
La rosa rossa la vediamo nascere dal sangue e dalle lacrime dell’inconsolabile Afrodite di fronte alla morte dell’amato Adone. Mito in cui la rosa assume il significato dell’amore passionale, sofferto, tanto potente da vincere la morte. La troviamo in molte fiabe come simbolo della stessa vita umana, quella terrena che dallo splendore arriva al decadimento, e quella successiva in cui è portatrice di nuova vita e resurrezione come nuova opportunità per amare. Nella fiaba de La Bella e La Bestia – che non a caso nasce dal racconto di Amore e Psiche – la rosa sembra svolgere il ruolo di un orologio vitale che sta per scadere e che, di nuovo, può sfidare la morte e la maledizione solo con la forza del vero amore.
Da sempre accompagna il gesto d’amore del dono: si porge una rosa per donare il proprio amore. Tuttavia, in passato, è stata anche simbolo di segretezza, quando, sotto forma di sigillo, veniva inserita in dettagli di chiese, confessionali, congregazioni; la locuzione latina sub–rosa significava appunto una confidenza fatta in assoluta segretezza. Nella tradizione e nelle icone cristiane è spesso allegoria di paradiso, purezza, di un grembo fertile ma puro, della stessa Vergine Maria, ma al tempo stesso la ritroviamo come corona dei martiri, portatrice di dolore e simbolo dei sacrifici fatti in nome della fede. Per i marinai, invece, è la guida verso nuove mete, l’avventura, la scoperta – che a sua volta è il movimento verso la conoscenza, il viaggio di Colombo, l’età moderna – ma anche la bussola che li riaccompagna verso il porto sicuro di casa. La ritroviamo, dunque, in tutta la storia dell’arte, la letteratura, la poesia, in questo eterno discorso emozionale che lega arte e vita, arte e amore, il godimento emotivo dell’atto artistico che fa bene, a volta male, al cuore. Continua ad essere portatrice di questi valori anche nell’arte contemporanea.
Pensiamo alla famosa performance di Gina Pane in cui, usando il suo corpo come catalizzatore delle esperienze della vita, assegna alla rosa il compito di infliggere dolore al corpo di donna costretta nel suo stereotipato ruolo di moglie, mamma, casalinga, quindi rimettendo in scena una sorta di martirio personale e al tempo stesso condiviso, o pensiamo alla forza dirompente del fiore usato come arma per distruggere i vetri delle macchine, e simbolicamente come arma femminista, in Ever is over all dell’artista Pipilotti Rist.
E’ infine, con un semplice pensiero tratto da Il Piccolo Principe sull’importanza di questo fiore “È il tempo che hai perduto per la tua rosa che ha fatto la tua rosa così importante” – di Antoine de Saint-Exupéry, che lasciamo alle opere in mostra il compito di toccare le corde sensibili.

La mostra è realizzata con la partnership di “Palazzo Rosa – Le stanze della Cosmetica”.

Orari di mostra:
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

STAR ROSE
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the collective exhibition “STAR/ROSE” in the Casa Toesca space in Rivarolo Canavese, from 1 to 30 June 2024.
May is dedicated to roses. The days are getting longer, the climate is warmer, it’s time for flowering again, for us who go back to walking in the parks, for the art that welcomes back the optimistic push of the “good season” and for the roses that reach their maximum splendor this time of year.
The artists Luca Coser, Luca Freschi, Lorenzo Gnata, Jiri Hauschka, Chen Li, Elisabetta Mariuzzo, Enrico Smerilli, Giacomo Modolo, Oscar Contreras Rojas, Roger Coll and Giuliano Sale dialogue through their poetics on the symbolisms, allegories, myths and meanings that revolve around the rose, in the history of art but not only. They are artists with different origins who have expressed this theme with the sensitivity and personal background of each of them – the latter is a topic very close to the heart of CRAG Gallery, which for years has been committed to establishing dialogues between different countries, giving opportunities to artists emerging and more established to compete.
The rose, in its centuries-old history and in art, has always had a complex symbolism as it embodies totally contrasting semantics. It is a symbol of love, perfection, purity, passion, life and death and takes on different meanings depending on the context, color and thorns.
We see the red rose born from the blood and tears of the inconsolable Aphrodite faced with the death of her beloved Adonis. Myth in which the rose takes on the meaning of passionate, suffered love, so powerful as to conquer death. We find it in many fairy tales as a symbol of human life itself, the earthly one that goes from splendor to decay, and the subsequent one in which it is the bearer of new life and resurrection as a new opportunity to love. In the fairy tale of Beauty and the Beast – which not surprisingly originates from the story of Cupid and Psyche – the rose seems to play the role of a vital clock that is about to expire and which, again, can challenge death and the curse only with the strength of true love.
It has always accompanied the loving gesture of giving: you offer a rose to give your love. However, in the past, it was also a symbol of secrecy, when, in the form of a seal, it was inserted into details of churches, confessionals, congregations; the Latin phrase sub-rosa meant a confidence made in absolute secrecy. In Christian tradition and icons it is often an allegory of paradise, purity, of a fertile but pure womb, of the Virgin Mary herself, but at the same time we find her as the crown of the martyrs, bearer of pain and symbol of the sacrifices made in the name of faith. For sailors, however, it is the guide towards new destinations, adventure, discovery – which in turn is the movement towards knowledge, Columbus’ voyage, the modern age – but also the compass that accompanies them back towards the safe haven of home. We find it, therefore, throughout the history of art, literature, poetry, in this eternal emotional discourse that links art and life, art and love, the emotional enjoyment of the artistic act that is good, sometimes bad, for Heart. She continues to be the bearer of these values ​​also in contemporary art.
Let us think of Gina Pane’s famous performance in which, using her body as a catalyst for life’s experiences, she assigns the rose the task of inflicting pain on the body of a woman forced into her stereotyped role as wife, mother, housewife, therefore re-enacting a a sort of personal and at the same time shared martyrdom, or we think of the explosive force of the flower used as a weapon to destroy car windows, and symbolically as a feminist weapon, in Ever is over all by the artist Pipilotti Rist.
It is finally, with a simple thought taken from The Little Prince on the importance of this flower “It is the time you have lost for your rose that has made your rose so important” – by Antoine de Saint-Exupéry, that we leave to works on display have the task of touching sensitive chords.
The exhibition is organized with the partnership of “Palazzo Rosa – Le Stanze della Cosmetica”.
Exhibition times:
Saturday and Sunday all day by appointment
Invia commenti

KALEIDO_SKOPIO - Alessandro FABBRIS & ROGER COLL
2024-05-07 08:00 - 2024-06-14 17:00 (Europe/Rome)
MOSTRA PROROGATA AL 14 GIUGNO

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
9 maggio – 14 giugno 2024
CRAG Gallery è lieta di inaugurare la mostra “Kaleido_Skopio”, bipersonale degli artisti Alessandro Fabbris (Torino, 1977) e Roger Coll (Vic, 1979) in occasione del mese della fotografia torinese.
La Galleria accoglie da una parte le fotografie del torinese Fabbris, con la presentazione di due nuovi cicli di opere realizzati dal 2023 ad oggi e anticipati alla fiera The Phair – 2024, in dialogo con le delicate sculture dello spagnolo Roger Coll.
La mostra Kaleido_Skopio risulta infatti essere una multiforme e multicolore intesa tra le opere in esposizione che, come ci suggerisce il titolo stesso, unisce bellezza, forma e osservazione in continuo cambiamento, favorendo l’immaginazione dell’osservatore.
In mostra si alternano le fotografie della serie Superfici, composta da fotografie di superfici colorate sulle quali vengono proiettate luci con temperatura e colore diversa ed ove l’oggetto viene fotografato più volte sullo stesso fotogramma digitale, utilizzando tempi lunghi di esposizione e movimenti ortogonali, quasi a simulare una scansione (che richiama i precedenti lavori dell’artista.) In altre opere delle serie quali light #01,light #02, light #03 il soggetto catturato è la luce stessa proiettata direttamente sulla superficie dello scanner piano tramite mascherature e riflessi. Ne derivano opere che risultano stare al limite tra il fotografico ed il pittorico.In ultimo troviamo la nuova serie Riempimento generativo che parte dalla elaborazione digitale di foto di still Life e l’uso dell’I.A. Estrapolando dallo scatto originale alcuni riflessi di luce sulla superficie dell’acqua o sulle ombre proiettate sul piano d’appoggio è stato chiesto al software di elaborazione dell’immagine di generare un riempimento delle parti mancanti basandosi sulla I.A. La costituzione dell’opera come trittico è la risultante delle tre opzioni generative che la I.A. ha fornito.
Tra le immagini fotografiche troviamo a cadenza le opere dello scultore spagnolo Roger Coll, già presentato al pubblico torinese nella sua mostra personale dello scorso anno. Nuove sculture in ceramica, in continuità con la precedente ricerca, dialogano con le fotografie, emergendo in tutta la loro delicata forma, risultato di una sapiente tecnica nella realizzazione. Roger Coll con le sue sculture dà vita a una narrazione di forme e colori che dialogano con lo spazio e con le immagini fotografiche e conferiscono una fluidità percettibile di energia e suggestione.
Orari di mostra:
mercoledì – giovedì – venerdì ore 15/19
sabato e domenica tutto il giorno su appuntamento

KALEIDO_SKOPIO
Alessandro Fabbris & Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
9 May – 14 June 2024
CRAG Gallery is pleased to inaugurate the exhibition “Kaleido_Skopio”, a bi personale exhibition by artists Alessandro Fabbris (Turin, 1977) and Roger Coll (Vic, 1979) on the occasion of Turin photography month.
The Gallery welcomes on one hand the photographs of the Turin-based Fabbris, with the presentation of two new cycles of works created from 2023 to today and anticipated at The Phair – 2024 fair, in dialogue with the delicate sculptures of the Spanish Roger Coll.
The Kaleido_Skopio exhibition is in fact a multifaceted and multicolored understanding of the works on display which, as the title itself suggests, combines beauty, form and constantly changing observation, encouraging the imagination of the observer.
The exhibition alternates with photographs from the Superfici series, composed of photographs of colored surfaces on which lights with different temperatures and colors are projected and where the object is photographed several times on the same digital frame, using long exposure times and orthogonal movements, almost to simulate a scan (which recalls the artist’s previous works.) In other works from the series such as light #01, light #02, light #03 the captured subject is the light itself projected directly onto the surface of the flatbed scanner through masking and reflections . The result is works that appear to be on the border between the photographic and the pictorial. Lastly we find the new series Generative Filling which starts from the digital processing of still life photos and the use of AI. By extrapolating from the original shot some light reflections on the surface of the water or on the shadows projected on the support surface, the image processing software was asked to generate a filling of the missing parts based on the AI. The constitution of the work as a triptych is the result of the three generative options that the I.A. It has provided.
Among the photographic images we periodically find the works of the Spanish sculptor Roger Coll, already presented to the Turin public in his personal exhibition last year. New ceramic sculptures, in continuity with previous research, dialogue with the photographs, emerging in all their delicate form, the result of a skilful technique in their creation. Roger Coll with his sculptures gives life to a narrative of shapes and colors that dialogue with space and photographic images and confer a perceptible fluidity of energy and suggestion.
Exhibition times:
Wednesday – Thursday – Friday 3pm/7pm
Saturday and Sunday all day by appointment

DIALOGUES
2024-02-24 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
Crag Gallery, via Parma 66/D, Torino 29 febbraio – 8 marzo 2024
Dialogues – Una mostra collettiva della community IAAD. a cura di Lucrezia Nardi

“Dialogues” è la prima mostra collettiva degli artisti provenienti dalla community IAAD. selezionati attraverso un processo di open call all’interno dell’Istituto, organizzata da IAAD. – Istituto d’Arte Applicata e Design, in collaborazione con CRAG – Chiono Reisova Art Gallery e curata da Lucrezia Nardi.
Ogni anno, IAAD. sceglie un valore specifico come catalizzatore per opere e progetti artistici. Quest’anno, la tematica proposta è il dialogo, diventando così una esplorazione condivisa da parte degli artisti emergenti che hanno lavorato nell’interstizio tra arte e design, proponendo una lettura personale e innovativa della tematica attraverso installazioni, video e progetti fotografici. Partendo dal loro background come designer, gli artisti escono dal contesto tradizionale per immergersi in quello dell’arte contemporanea.
Gli artisti selezionati sono: Chiara Vivalda (2002), che presenta la video proiezione “Connessioni – Small Talks”, un dialogo intimo con una grammatica visiva di tagli e sovrapposizioni, campi lunghi e immagini quotidiane che evocano la poesia delle chiacchiere estemporanee tra amiche. Claudia Nobile (2002) propone un progetto installativo dialettico ed ironico chiamato “Pensavo Tipo”, una descrizione leggera ma attenta dei dubbi di un certo stadio dell’esistenza, quello dei momenti di passaggio. Alessandro Gioia (2000), che ha tradotto il tema del dialogo in un’esplorazione sulla censura e la società dell’immagine con “Censored”, dove i pixel della censura nascondono la facile reperibilità delle stesse immagini nel nostro tempo digitale. Nicolò Ricci (2001), espone tre scatti del progetto “Breccia”, ingranditi e stressati attraverso un processo di stampa scultorea per enfatizzare il dialogo estetico tra le costruzioni architettoniche e il naturale costituito dal cielo. A seguito delle valutazioni della giuria e dell’alta qualità dei progetti, CRAG Gallery ha voluto attribuire due menzioni speciali ai seguenti artisti: Marta Maiolo (2001) con

il progetto di mixed media – collage e fotografia – “I stand perfectly still to avoid detection”, un lavoro sul tema dell’io e dell’altro, esplorando l’ipotesi di un dialogo che è, di fatto, un incontro. Giovanni Migliorucci (2002), con la video installazione interattiva “Stage”, che unisce la tecnologia del touch design a una restituzione tramite un tubo catodico, mostrando un ecosistema che si modifica attraverso l’interazione esterna.
Il processo di selezione dei 6 artisti è stato supportato e condiviso dai membri della giuria di valutazione composta da Alessandro Colombo, direttore generale AD Education Italia; Marco Rainò, direttore artistico e direttore strategico Dipartimento Interior Design IAAD.; Elisabetta Chiono e Karin Reisova, direttrici di Crag Gallery.

Chiara Vivalda – video frame
immagine in copertina Nicolo’ Ricci

Dialogues – A collective exhibition of the IAAD community. edited by Lucrezia Nardi
“Dialogues” is the first collective exhibition of artists from the IAAD community. selected through an open call process within the Institute, organized by IAAD. – Institute of Applied Art and Design, in collaboration with CRAG – Chiono Reisova Art Gallery and curated by Lucrezia Nardi.
Every year, IAAD. chooses a specific value as a catalyst for artistic works and projects. This year, the proposed theme is dialogue, thus becoming a shared exploration by emerging artists who have worked in the interstice between art and design, proposing a personal and innovative reading of the theme through installations, videos and photographic projects. Starting from their background as designers, the artists leave the traditional context to immerse themselves in that of contemporary art.
The selected artists are: Chiara Vivalda (2002), who presents the video projection “Connessioni – Small Talks”, an intimate dialogue with a visual grammar of cuts and superpositions, long shots and everyday images that evoke the poetry of impromptu chats between friends. Claudia Nobile (2002) proposes a dialectical and ironic installation project called ” Penso Tipo “, a light but careful description of the doubts of a certain stage of existence, that of moments of transition. Alessandro Gioia (2000), who translated the theme of dialogue into an exploration of censorship and the society of images with “Censored”, where the pixels of censorship hide the easy availability of the same images in our digital time. Nicolò Ricci (2001), exhibits three shots of the “Breccia” project, enlarged and stressed through a sculptural printing process to emphasize the aesthetic dialogue between the architectural constructions and the natural world constituted by the sky. Following the jury’s evaluations and the high quality of the projects, CRAG Gallery wanted to award two special mentions to the following artists: Marta Maiolo (2001) with
the mixed media project – collage and photography – “I stand perfectly still to avoid detection”, a work on the theme of the self and the other, exploring the hypothesis of a dialogue which is, in fact, an encounter. Giovanni Migliorucci (2002), with the interactive video installation “Stage”, which combines touch design technology with restitution via a cathode ray tube, showing an ecosystem that changes through external interaction.
The selection process of the 6 artists was supported and shared by the members of the evaluation jury composed of Alessandro Colombo, general director of AD Education Italia; Marco Rainò, artistic director and strategic director of the IAAD Interior Design Department; Elisabetta Chiono and Karin Reisova, directors of Crag Gallery.

CHEN LI - RESPIRO
2023-09-13 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)
RESPIRO
Mostra personale di Chen Li

14 settembre – 20 ottobre 2023
Inaugurazione 14 settembre ore 18/23
In occasione di Ouverture – TAG Torino Art Galleries

RESPIRO è il titolo della mostra personale della giovane pittrice Chen Li (Pechino, 1988) che CRAG Gallery presenterà dal 14 settembre al 20 ottobre 2023 nella sede di via Parma 66D, in continuità con il programma di promozione di giovani artisti.
In mostra un nuovo ciclo di opere e a far da protagonisti saranno una selezione di dittici, realizzati in un lungo periodo di ricerca e di isolamento. E’ il risultato di un percorso, di un’intensa introspezione in un momento fondamentale della sua vita e della crescita come artista.
All’interno di sé Chen Li ha ricercato la chiave per realizzare le opere e, di riflesso, nei propri lavori ha ritrovato se stessa. Non è una circostanza scontata, ma risultato di uno sforzo che si divincola tra concentrazione, entusiasmo, sfida, sperimentazione, sofferenza e rinascita.
Chen ha iniziato un nuovo respiro in cui energia e positività sfociano in opere con un focus sul rapporto con la natura, un ritorno alla vita che è al tempo stesso speranza e promessa. La dimensione più paesaggistica e figurativa della rappresentazione dipende essenzialmente dalla necessità dell’artista di riconnettere la sua interiorità a ciò che la circonda, mentre quella più astratta è legata al suo mondo interiore.
Si compenetrano elementi antropomorfi, vegetali e floreali, tipici della cifra stilistica dell’artista. Ogni dettaglio della composizione corrisponde ad un elemento che l’artista ha fotografato, visto realmente o immaginato, in una rielaborazione che non lascia spazio alla casualità, nonostante l’apparente atmosfera fluttuante e misteriosa.
Dipingere diventa quindi oscillare continuamente in direzione di questi due poli, alla ricerca di un equilibrio, di una dicotomia necessaria.
In una costante sollecitazione da parte del mondo esterno, in particolare attraverso i social, il lavoro di Chen Li ed il suo rigore rappresentano invece la ricerca dell’arcano, quell’entrare viscerale senza distrazione per fluttuare tra spazi decontestualizzati.
La molteplicità di circostanze diventa avvolgente anche per l’osservatore, che gradualmente unisce il ritmo del proprio respiro a quello delle rappresentazioni di Chen Li, entrando così in sintonia con l’artista.

link alle opere https://cragallery.com/artists/chen-li/

BREATH
Chen Li’s solo exhibition
(Beijing, 1988)
14 September – 20 October 2023
Inauguration 14 September at 6pm/11pm
On the occasion of Overture – TAG Torino Art Galleries
CRAG GALLERY
VIA PARMA 66D – TURIN
RESPIRO is the title of the solo exhibition by the young painter Chen Li (Beijing, 1988) that CRAG Gallery will present from 14 September to 20 October 2023 at its headquarters in via Parma 66D, in continuity with the program of promoting young artists.
A new cycle of works will be on display and the protagonists will be a selection of diptychs, created during a long period of research and isolation. It is the result of a journey, of intense introspection in a fundamental moment of her life and of her growth as an artist.
Chen Li searched within himself for the key to creating her works and, consequently, in her own works she found herself. It is not an obvious circumstance, but the result of an effort that wriggles between concentration, enthusiasm, challenge, experimentation, suffering and rebirth.
Chen has begun a new breath in which energy and positivity flow into works with a focus on the relationship with nature, a return to life that is both hope and promise. The more landscape and figurative dimension of the representation essentially depends on the artist’s need to reconnect her interiority to what surrounds her, while the more abstract one is linked to her inner world.
Anthropomorphic, vegetal and floral elements interpenetrate, typical of the artist’s stylistic signature. Every detail of the composition corresponds to an element that the artist photographed, actually saw or imagined, in a reworking that leaves no room for randomness, despite the apparent fluctuating and mysterious atmosphere.
Painting therefore becomes continually oscillating in the direction of these two poles, in search of a balance, of a necessary dichotomy.
In constant solicitation from the outside world, particularly through social media, Chen Li’s work and her rigor instead represent the search for the arcane, that visceral entry without distraction to float between decontextualized spaces.
The multiplicity of circumstances also becomes enveloping for the observer, who gradually unites the rhythm of his own breathing with that of Chen Li’s representations, thus entering into harmony with the artist.

Matteo Negri - Interrogare lo spazio per trovare il tempo
2023-05-18 08:00 - 2023-06-30 17:00 (Europe/Rome)
QUERY THE SPACE
to find the time
Solo show of Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Turin
18 May – 30 June 2023
The CRAG Gallery, in the new headquarters in via Parma 66D in Turin, inaugurates the exhibition of the Milanese artist Matteo Negri (1982) from 18 May to 30 June 2023.
QUESTIONING THE SPACE to find time is the title of the solo exhibition which includes a selection of the latest works from the Meanwhile series made on steel and aluminium, works on paper and an unprecedented installation that welcomes the visitor to the gallery. The artist, trained in sculpture at the Brera Academy, has developed over the last ten years a research which, starting from elementary shapes and colors, investigates the changing relationship between matter and the perception that our senses have of it.
The fulcrum of this Turin project are the works of the Meanwhile series: reflective and colored sheets with which the artist makes the visitor an integral part of the work through interaction with it.
The realization of the works is long and complex and involves several phases. It starts from the drawings on paper, on which the artist intervenes with acrylic sprays and chalks: they are the study of plane geometries that overlap and create formal and chromatic balances.
Subsequently, these geometries are reported on aluminum bases and painted with spray backgrounds. It is in this phase that the use of iridescent adhesive films begins, which are chosen according to the gradation and tonality, applied creating different levels of color saturation and mirroring surfaces. At this point the transparent dichroic film is applied, a material capable of changing color based on the angle at which the light arrives from the environment. The last finishing level is the hot painting with glossy transparent epoxy paint, which creates a homogeneous and uniform mirror surface.
The result is unexpected, seductive and unsettling: the colors of the backgrounds vary according to the position from which the visitor observes the works. Thus a dialogue is created between object and observer, in which the latter is dragged into the space dilated by the artist, into his pieces of this world. The titles of these works indicate the time and date in which Negri made a visual note (a photograph taken with his cell phone) of a particular situation in which shapes and lights interacted in a significant way. Skies, mountains, rivers and landscapes in general. The individual works try to evoke the poetry of those moments, proposing them to the viewer months or years later in a different spatial context. Thus the geometries and chromatic variations that take place in the gallery space relate memory and the passage of time.
Finally, in this exhibition, Negri uses the language of flags for the first time. Banners that, instead of representing nations or regions, reproduce the typical geometries of his language. The installation reproduces a sort of entrance to a diplomatic office, where flags of imaginary countries are displayed, of which one can become free citizens thanks to the imagination. Once again the artist invites us to be part of his work.

INTERROGARE LO SPAZIO
per trovare il tempo
Mostra personale di Matteo Negri
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66 D – Torino
18 maggio – 30 giugno 2023

La Galleria CRAG, nella nuova sede di via Parma 66D a Torino, inaugura la mostra dell’artista milanese Matteo Negri (1982) dal 18 maggio al 30 giugno 2023.
INTERROGARE LO SPAZIO per trovare il tempo è il titolo della personale che comprende una selezione degli ultimi lavori della serie Meanwhile realizzati su acciaio e alluminio, opere su carta ed un’inedita installazione che accoglie il visitatore in galleria. L’artista, formatosi in scultura all’Accademia di Brera, ha sviluppato negli ultimi dieci anni una ricerca che, a partire da forme e colori elementari, indaga il rapporto cangiante tra la materia e la percezione che di essa hanno i nostri sensi.
Fulcro di questo progetto torinese sono le opere della serie Meanwhile: lamiere specchianti e colorate con le quali l’artista rende il visitatore parte integrante dell’opera attraverso l’interazione con essa.
La realizzazione delle opere è lunga e complessa e comporta più fasi. Si parte dai disegni su carta, sui quali l’artista interviene con spray acrilico e gessetti: sono lo studio di geometrie di piani che si sovrappongono e vanno a creare equilibri formali e cromatici.
Successivamente, queste geometrie vengono riportate su basi di alluminio e dipinte con campiture spray. È in questa fase che inizia l’uso di pellicole adesive cangianti, che vengono scelte a seconda della gradazione e della tonalità, applicate creando diversi livelli di saturazione di colore e di superfici specchianti. A questo punto viene applicata la pellicola dicroica trasparente, materiale in grado di mutare colore in base all’angolazione con cui la luce arriva dall’ambiente. Ultimo livello di finitura è la verniciatura a caldo con vernice epossidica trasparente lucida, che crea una superficie specchiante omogenea ed uniforme.
Il risultato è inatteso, seducente e spiazzante: i colori delle campiture variano a seconda della posizione da cui il visitatore osserva le opere. Si va a creare così un dialogo tra oggetto e osservatore, nel quale quest’ultimo viene trascinato dentro lo spazio dilatato dall’artista, nei suoi pezzi di questo mondo. I titoli di queste opere indicano l’ora e la data in cui Negri ha preso un appunto visivo (una fotografia scattata con il cellulare) di una situazione particolare in cui forme e luci interagivano in modo significativo. Cieli, montagne, fiumi e paesaggi in generale. Le singole opere cercano di evocare la poesia di quegli istanti, riproponendoli allo spettatore a distanza di mesi o anni in un contesto spaziale differente. Così le geometrie e le variazioni cromatiche che si attuano nello spazio della galleria mettono in relazione la memoria e lo scorrere del tempo.
In questa mostra, infine, Negri usa per la prima volta il linguaggio delle bandiere. Vessilli che, anziché rappresentare nazioni o regioni, riproducono le geometrie tipiche del suo linguaggio. L’installazione riproduce una sorta di ingresso di una sede diplomatica, dove sono esposte bandiere di paesi di fantasia, dei quali si può diventare liberi cittadini grazie all’immaginazione. Ancora una volta l’artista ci invita a fare parte della sua opera.

ph. Bruno Barbero

Ascolta Piove - Lorenzo Gnata
2023-03-18 11:00 - 2023-04-15 17:00 (Europe/Rome)
ASCOLTA PIOVE
solo show – Lorenzo Gnata
March 18 – April 15, 2023
opening Saturday 18 March at 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Turin
As part of Novissimi+, the first edition of the To.Be call dedicated to the professional growth of emerging artists, coming from a training course at the Accademia Albertina in Turin, the Ghёddo Association and CRAG – Chiono Reisova Art Gallery present Listen. It’s raining, personal exhibition of Lorenzo Gnata.
The exhibition proposal, curated by the Ghёddo Association and CRAG Gallery is part of a wider program of exhibitions, curated by the Ghёddo Association, which provides for the collaboration between artists and contemporary art spaces in the Turin area. The entire project is carried out with the support and patronage of the Accademia Albertina of Turin and the City of Turin and with the support of the Venesio Foundation.
Listen. It’s raining – the title of which draws inspiration from Gabriele D’Annunzio’s famous poem Rain in the Pine Grove – is a project specially conceived by Lorenzo Gnata for CRAG Gallery. «Those of the “poet poet” are verses full of panic sensations, in which the rain, like an invisible veil, without distinction, covers and envelops everything, making everything a single pulsation of nature» – says the artist.
Thus, conceived as an aesthetic homage to Nature and to the places where human feeling and the plant world interpenetrate, the exhibition narrates, through sculptures and environmental installations, the ineffable delicacy of emotions.
The exhibition will be open every day by appointment
Artist biography
Lorenzo Gnata [1997] born in Biella, lives and works in Turin. In 2022 he obtained a second level diploma in painting at the Accademia Albertina in Turin. His artistic research focuses on the existential themes of contemporary man, showing all his fragility through actions with a strong poetic impact. The artist’s works have been exhibited at: Tate Britain (London), Reggia di Venaria – Giardini (Turin), La Triennale (Milan), Fondazione Treccani (Naples), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venice), Artissima (Turin) and they are part of important public and private collections.
Ghёddo Association biography
Ghëddo is a cultural association active in Turin since 2021 with the aim of organizing cultural projects to enhance and promote young emerging art. The association aims to create a dynamic network between artists, galleries and independent spaces in the area, promoting cooperation experiences in order to build a supportive bond and generate dynamics of human, ethical and artistic exchange. Ghëddo is: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.
Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

ASCOLTA. PIOVE
mostra personale di Lorenzo Gnata
18 marzo – 15 aprile 2023

inaugurazione sabato 18 marzo ore 11/20
CRAG Gallery – Home Gallery, Via Maria Vittoria 45, Torino
Nell’ambito di Novissimi+, la prima edizione del bando To.Be dedicato alla crescita professionale di artisti emergenti, provenienti da un percorso di formazione presso l’Accademia Albertina di Torino, l’Associazione Ghёddo e CRAG – Chiono Reisova Art Gallery presentano Ascolta. Piove, mostra personale di Lorenzo Gnata.
La proposta espositiva, curata da Associazione Ghёddo e CRAG Gallery si inserisce in un programma più ampio di mostre, a cura di Associazione Ghёddo, che prevede la collaborazione tra artisti e spazi d’arte contemporanea del territorio torinese. L’intero progetto è realizzato con il supporto e il patrocinio dell’Accademia Albertina di Torino e della Città di Torino e con il sostegno della Fondazione Venesio.
Ascolta. Piove – il cui titolo trae ispirazione dalla celebre poesia di Gabriele D’annunzio La pioggia nel pineto – è un progetto appositamente ideato da Lorenzo Gnata per CRAG Gallery. «Quelli del “poeta vate” sono versi carichi di sensazioni paniche, nei quali la pioggia, come un velo invisibile, senza distinzioni, copre e avvolge ogni cosa, rendendo il tutto un’unica pulsazione della natura» – afferma l’artista.
Così, concepita come un omaggio estetico alla Natura e ai luoghi di compenetrazione tra sentimento umano e mondo vegetale, la mostra racconta, attraverso sculture e installazioni ambientali, l’ineffabile delicatezza delle emozioni.
La mostra sarà aperta ogni giorno su appuntamento

Biografia artista
Lorenzo Gnata [1997] nato a Biella, vive e lavora a Torino. Nel 2022 consegue il diploma di secondo livello in pittura presso l’Accademia Albertina di Torino. La sua ricerca artistica si concentra attorno ai temi esistenziali dell’uomo contemporaneo, mostrandone, attraverso azioni dal forte impatto poetico, tutte le fragilità. Le opere dell’artista sono state esposte presso: Tate Britain (Londra), Reggia di Venaria – Giardini (Torino), La Triennale (Milano), Fondazione Treccani (Napoli), Fondazione Bevilacqua La Masa (Venezia), Artissima (Torino) e fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private.

Biografia Associazione Ghёddo
Ghëddo è un’associazione culturale attiva a Torino dal 2021 con l’obiettivo di organizzare progetti culturali per valorizzare e promuovere la giovane arte emergente. L’associazione mira a creare una rete dinamica tra artistə, gallerie e spazi indipendenti del territorio, favorendo esperienze di cooperazione al fine di costruire un legame solidale e generare dinamiche di scambio umano, etico, artistico. Ghëddo è: Stefania Balocco, Francesca Bernardi, Olga Cantini, Chiara Cosentino, Rachele Fassari, Davide Nicastro, Barbara Ruperti.

Artist’s page https://cragallery.com/artists/lorenzo-gnata/

Roger Coll - Simplicity. Beauty behind ceramics
2022-11-17 08:00 - 2023-01-14 17:00 (Europe/Rome)
SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Mostra personale di Roger Coll

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Torino
17 novembre 2022 – 14 gennaio 2023
Inaugurazione giovedì 17 novembre 16/21

Le sculture dell’artista spagnolo Roger Coll (Barcellona, 1979) sono presentate nella prima personale italiana dedicata all’artista nel nuovo spazio espositivo della Galleria CRAG, in via Parma 66/D dal 17 novembre 2022 al 14 gennaio 2023.
Roger Coll si è formato all’Università ETSA – Architettura Tecnica di Barcellona, successivamente ​​all’EASD di Barcellona, ​​EASD Pau Gargallo e EASD di Vic, dove vive e lavora.
La mostra dal titolo “Simplicity. The beauty behind ceramics” comprende un ciclo inedito di sculture in ceramica ispirate alla teoria della bellezza nella semplicità, intesa anche nelle singole parti che compongono il tutto. Plotino diceva che la bellezza consiste nell’unità virtuosa di tutte le forme: “la bellezza è nei molti quando i molti sono visti come uno”. La costruzione di Roger Coll avviene in elementi basilari che nella ripetizione creano qualcosa di più complesso e potente, che libera la sua creatività.
Ogni scultura ha un colore o una lavorazione finale diversa “ed è come una parola che aiuta a definirla. Se fossi bravo con le parole o il ritmo sarei uno scrittore o un musicista ma non lo sono, quindi uso un altro modo per esprimermi. In questo senso, se le opere sono come parole della mia lingua, termini come scala, consistenza o colore sono elementi che aiutano a stabilire il tono e a inviare il messaggio. Detto questo, l’uso del colore non è razionale ma intuitivo. A volte sento che un certo lavoro ha bisogno di quel colore e non di altro. Ma non so spiegare perché” (Roger Coll).
La formazione come architetto ha influenzato il lavoro dello scultore sia dal punto di vista dei materiali, nella forma e nelle caratteristiche, sia dal punto di vista costruttivo. Sin da ragazzo Coll ha avuto un forte interesse per tutti i tipi di materiali, quando nei cantieri della sua famiglia collezionava ogni sorta di piccoli oggetti, schiume, fili, tutto ciò che potesse sembrare scultoreo.
Le sue opere si muovono nello spazio, invadendolo con fluidità ed interagendo con lo spettatore ed i suoi sensi, invitando lo sguardo a percepirne il movimento.
mostra visitabile ogni giorno su appuntamento
per visionare le opere https://cragallery.com/artists/roger-coll/

SIMPLICITY – The beauty behind ceramics
Solo exhibition of Roger Coll
CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Parma 66/D – Turin
17 November 2022 – 14 January 2023
Inauguration Thursday 17 November 16/21
The artist will be present
The sculptures of the Spanish artist Roger Coll (Barcelona, ​​1979) are presented in the first Italian solo exhibition dedicated to the artist in the new exhibition space of the CRAG Gallery, in via Parma 66/D from 17 November 2022 to 14 January 2023.
Roger Coll trained at the ETSA-Technical Architecture University of Barcelona, ​​then at EASD Barcelona, ​​EASD Pau Gargallo and EASD Vic, where he lives and works.
The exhibition entitled “Simplicity. The beauty behind ceramics” includes a new cycle of ceramic sculptures inspired by the theory of beauty in simplicity, also understood in the individual parts that make up the whole. Plotinus said that beauty consists in the virtuous unity of all forms: “beauty is in the many when the many are seen as one”. Roger Coll’s construction takes place in basic elements which in repetition create something more complex and powerful, which frees his creativity.
Each sculpture has a different color or final processing “and it is like a word that helps to define it. If I was good with words or rhythm I’d be a writer or a musician but I’m not so I use another way to express myself. In this sense, if the works are like words in my language, terms like scale, texture or color are elements that help set the tone and send the message. That said, the use of color is not rational but intuitive. Sometimes I feel that a certain job needs that color and nothing else. But I can’t explain why” (Roger Coll).
Training as an architect has influenced the sculptor’s work both from the point of view of materials, in the form and characteristics, and from the constructive point of view. Since he was a boy, Coll had a strong interest in all types of materials, when on his family’s construction sites he collected all sorts of small objects, foams, threads, anything that might seem sculptural.
His works move in space, invading it with fluidity and interacting with the viewer and his senses, inviting the gaze to perceive its movement.
exhibition can be visited every day by appointment

Continuum - Tomas Tichy
2022-10-05 08:00 - 2022-11-12 17:00 UTC
ph Bruno Barbero

CONTINUUM
Mostra personale di Tomas Tichy
Via Parma 66 D – Torino
5 ottobre – 12 novembre 2022
Il 5 ottobre 2022 CRAG Gallery presenta il nuovo spazio espositivo con la mostra Continuum dell’artista Tomas Tichy (Praga, 1984) appartenente alla scena praghese della giovane pittura figurativa.
Il luminosissimo loft nel quartiere Regio Parco in via Parma 66D, che si affianca alla sede di via Giolitti 51, vuole diventare a partire dal 2023 uno spazio di scambio tra arte, design, ed esperienze, interessi, e visioni di menti creative. Il desiderio è di condividere progetti tra più generazioni e continuare il percorso della galleria alla ricerca di artisti emergenti.
Per questa preview dello spazio, CRAG Gallery ha scelto di presentare un ciclo tematico realizzato tra il 2020 ed il 2022, con fulcro l’osservazione dei cambiamenti dovuti alle tecnologie digitali e post-mediali che hanno influenzato ed influenzano la sensibilità dell’essere umano. A partire da immagini fotografiche in movimento, Tomas Tichy con il media pittorico ci restituisce opere che interagiscono con la nostra percezione.
In passato la pittura figurativa rappresentava prevalentemente la realtà per ciò che era: attraverso le opere di Tichy le raffigurazioni contemporanee riportano ad una realtà mistificata, fluida e cruda, ad un dualismo tra ciò che è e ciò che appare.
Le tematiche approfondite dall’artista sono molteplici, dalla moda, allo sport, alle tecnologie, agli idoli. I soggetti rappresentati nell’atto sportivo sono caratterizzati da una accelerazione quasi atemporale, a metafora della nostra costante esigenza o abitudine alla corsa e competitività nelle azioni quotidiane.
Dall’altro lato l’artista si concentra sui “paradisi artificiali” della moda, nei quali oggi più che mai il mondo del digitale ci presenta una realtà ideale e spesso effimera. Le immagini, in particolare delle modelle iconiche, vengono modificate pittoricamente come se fossero create meccanicamente dal trascinamento delle immagini su iPad. Viene ricreata una nuova dimensione di percezione del volto e della figura che restituisce il lato umano, reale, quasi malinconico, abbandonando quello statico e di “facciata”.
Nelle opere ritroviamo “piante digitali”, come analogia dell’intelligenza artificiale, “con una forma che allude allo stato naturale seppure quello che stiamo osservando sia solo una struttura surrogata, mimetizzata”” (Petr Vanous), che trasmette energia da un lato, ma alienazione dall’altro.
Questo costante dualismo critico nelle rappresentazioni, pregnante nelle scene di box o nell’interazione uomo-animale, è portato avanti da Tichy con convinzione dello strumento artistico come chiave di presa di coscienza ed invito a vedere le opere d’arte come specchio di riflessione e abbandono ad una dimensione umana da ritrovare.
Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

CONTINUUM
Solo exhibition of Tomas Tichy
New space preview
Via Parma 66 D – Turin
5 October – 12 November 2022
On 5 October 2022 CRAG Gallery presents the new exhibition space with the Continuum exhibition by the artist Tomas Tichy (Prague, 1984) belonging to the Prague scene of young figurative painting.
The bright loft in the Regio Parco district in via Parma 66D, which joins the headquarters in via Giolitti 51, wants to become, starting from 2023, a space for exchange between art, design, and experiences, interests, and visions of creative minds. The desire is to share projects between generations and continue the path of the gallery in search of emerging artists.
For this preview of the space, CRAG Gallery has chosen to present a thematic cycle created between 2020 and 2022, with the focus on observing the changes due to digital and post-media technologies that have influenced and influence the sensitivity of the human being. Starting from photographic images in motion, Tomas Tichy with the pictorial media gives us works that interact with our perception.
In the past, figurative painting mainly represented reality for what it was: through Tichy’s works, contemporary representations bring back to a mystified, fluid and raw reality, to a dualism between what is and what appears.
The themes explored by the artist are many, from fashion, to sport, to technologies, to idols. The subjects represented in the sporting act are characterized by an almost timeless acceleration, a metaphor of our constant need or habit of running and competitiveness in daily actions.
On the other hand, the artist focuses on the “artificial paradises” of fashion, in which today more than ever the digital world presents us with an ideal and often ephemeral reality. Images, especially of iconic models, are pictorially modified as if they were created mechanically by dragging the images onto the iPad. A new dimension of perception of the face and of the figure is recreated which returns the human, real, almost melancholic side, abandoning the static and “facade” side.
In the works we find “digital plants”, as an analogy of artificial intelligence, “with a form that alludes to the natural state even though what we are observing is only a surrogate, camouflaged structure” “(Petr Vanous), which transmits energy on the one hand, but alienation from the other.
This constant critical dualism in the representations, pregnant in the box scenes or in the human-animal interaction, is carried out by Tichy with conviction of the artistic instrument as a key to awareness and an invitation to see the works of art as a mirror of reflection and abandonment to a human dimension to be rediscovered.

Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/tomas-tichy/

I cieli in una stanza - Federico Caputo
2022-09-15 08:00 - 2022-10-15 17:00 (Europe/Rome)
La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare I cieli in una stanza, mostra personale dell’artista Federico Caputo (Sanremo, 1995) dal 15 settembre al 15 ottobre 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
Questa mostra nasce dalla condivisione di una scoperta.
Tutto è iniziato con l’acquisto d’impulso di un album di fotografie contenente una raccolta di cartoline stampate durante il periodo del colonialismo dalla ditta “Fotocelere” di Torino. Le immagini erano tratte da scatti di Aldo Baratti che all’epoca viveva in Etiopia, dove aveva lo studio fotografico.
Il fascino delle fotografie di Baratti, che con lo sguardo occidentale aveva ritratto un’Africa da sogno, ci ha portati a riflettere su quale immaginario avessero suscitato queste cartoline distribuite tra il 1930 e il 1935 in Italia, e quanto siano interessanti ancora oggi.
photo di Davide D’Ambra
Le tematiche delle cartoline rimandano a differenti serie, tra cui i corpi con i seni scoperti delle ragazze bilene, chiamate “Veneri nere”: il nostro pensiero è andato al “madamato” e poi ancor oggi alle spose bambine. Altre serie raffigurano guerrieri in posa altera, scene di lavoro e di quotidianità, feste e cerimonie religiose. Tutto ciò spesso ripreso in mezzo ad una natura meravigliosa con sullo sfondo il gigante sicomoro e la fila di elefanti che incede passo dopo passo.
Le nostre conversazioni, stimolate dalle cartoline, s’incalzavano via via che si approfondiva l’appassionante ricerca intorno al tema Etiopia. Federico Caputo ha raccolto i pensieri, l’immaginario, le note storiche fino a realizzare le opere in mostra. Abbiamo avuto la consapevolezza di come spesso sia difficile ripensare alla storia se non per stereotipi, cosicché il nostro dialogo si è arricchito di un’ulteriore analisi grazie alla collaborazione di Nicola Imoli e di un testo di Michela Mivida Di Meo, antropologi.
Dopo questo periodo di ricerca e riflessione, Federico ha realizzato le sue opere intersecando liberamente le immagini delle cartoline con la sua pratica artistica, la sua storia personale e quella collettiva con richiami al mondo della canzone. Ricamo dopo ricamo, ha sovrapposto i suoi pensieri e le immagini fino a fissare con il filo e la lentezza del gesto una stratificazione tra il passato e la vita più recente. Le opere sono quadri ricamati a mano su stampe serigrafiche, talvolta racchiuse in teche fosforescenti, evidenziando così la barriera tra il passato e il presente, tra il gesto intimo e antico del cucire con lane e fili preziosi e i contenitori fluo come i colori della palette dell’artista. In questo modo Federico Caputo, in continuità con il suo lavoro, ha inserito i suoi temi cari, tra cui le figure iconiche degli anni ’60 che dominano la scena, rimanendo legato a quel senso di nostalgia che pervade le sue opere, non cadendo in questo modo in prevedibili soluzioni. È così che nasce l’opera guida della mostra, nella quale l’artista s’immagina seduto sotto al grande sicomoro a contemplare un cielo immenso ascoltando “il cielo in una stanza” di Gino Paoli, in una dimensione senza tempo.
“Quando sei qui con me, questa stanza non ha più pareti, ma alberi, alberi infiniti…”
Si ringraziano gli antropologi Nicola Imoli e Michela Mivida Di Meo per il testo a supporto della mostra e per il loro entusiasmo nella partecipazione al progetto.

Photo di Davide D’Ambra
Nicola Imoli (Vicenza, 1988)
Nicola Imoli dopo una laurea triennale in Lingue, letterature e culture del Mediterraneo (Arabo e Hindi) si è laureato in Antropologia culturale all’Università Ca’ Foscari di Venezia con una tesi sul paesaggio condiviso da pastori e miniere nel deserto del Gobi, in Mongolia meridionale. Si è interessato in particolare allo studio dei fenomeni di mutamento sociale tramite le lente offerte dall’antropologia del paesaggio e delle forme di abitazione. Attualmente è dottorando presso l’Università di Torino.
Michela Mivida Di Meo (Rodi, 1988)
Di madre greca-etiope e padre italo-etiope, Michela cresce ad Atene fino al trasferimento in Italia, a Desenzano del Garda, dove frequenta l‘intero ciclo scolastico fino a laurearsi in Filosofia, a Verona. Conseguita la specializzazione in Antropologia culturale, durante gli studi universitari si avvicina al pensiero della differenza sessuale. Attualmente abita a Padova. Le piace pensare alla scrittura come il respiro della vita. Il suo racconto, Ston afro, ston afro tis thalassa, ha vinto il Terzo Premio della XI edizione del Concorso letterario nazionale Lingua Madre.
Federico Caputo – Biografia
Federico Caputo (Sanremo, 1995) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino, dove vive e lavora.
La sua pratica artistica è caratterizzata da un forte interesse per l’estetica della fibra e delle arti tessili. Il giovane artista utilizza sia materiali naturali che sintetici, con il ricamo tradizionale e la sartoria italiana come suoi principali punti di riferimento. La ricerca formale viene unita a quella sostanziale, passando in particolare dalla cultura italiana degli anni’60 a figure e oggetti pop contemporanei.
per visionare le opere federico caputo works

REWORKING - ALESSANDRO FABBRIS
2022-05-19 08:00 - 2022-06-18 17:00 UTC
REWORKING
Solo show of Alessandro Fabbris
May 19 – June 18 2022
Opening Thursday and Friday 19/20 May at 15-20
The artist will be present
The Crag gallery – Chiono Reisovà art gallery is pleased to present Reworking, a solo show by the artist Alessandro Fabbris (Turin, 1977) from 19 May to 18 June 2022.
In Reworking the work of Alessandro Fabbris is configured with a common thread that from his first pictorial research leads him to the current one focused on photography, in which some fragments of his painting are reread and reworked, here investigated through non-canonical devices, such as for example flatbed scanners. The central idea of ​​the exhibition is to present to the public works chosen from 2010 to today, so as to make the visitor understand the evolution of the artist, who focuses on the use of technology associated with his first pictorial training, penetrating the post- photography, in which light and color are the key elements of his research.
Recent works from the Scanning Light series will be exhibited, in which chiaroscuro generated by masking and interactions with light, double exposures that are then changed in the colors through “errors” in the balance of whites and tones, enlargements and clippings, overlaps will be exhibited. of images, or rather of details, which bring to light the substrate of the images.
These works are combined with those of the series Mechanical procedures, poised between photography, painting and digital processing, the title of which alludes to a cycle of lectures held by Fussli at the Royal Academy of Arts in London on the relationship between painting and new photosensitive processes.
Light is also a central element in the work of the Stratifications series, which includes acetate sheets painted with interfering pigments that are superimposed and layered between pairs of glass. Depending on the incidence of light, the transparency of the support and the perception of colors vary, making the shapes appear as epiphanies involving the visitor and his sensory and memorial experience. Fabbris likes to connect in this way those processes that lead from light to painting and that sometimes make it elusive.
Linked to the artist’s first moment follows the pictorial installation Lineamenti di una analysis, of the Syntax Open cycle which investigates aniconic painting and the possibility of opening up to new narratives through the movements of the individual elements.
Finally, a textile work of the Glitch series will be presented, in which the colors, captured through scans and photographs of colored gelatins used in lighting technology and subsequently printed on semi-transparent fabrics, can change their texture and their stamp in relation to the sources. light of the space in which they are placed.
Fabbris “resets updated today, and, above all, in the light of his sensitivity, more than a typical trace of the Italian abstract research of the 60s and 70s (…) as evidenced by the use of a mixed technique where pastels and various pigments integrate object finds and a shrewd and limited use of digital technology “(Edoardo Di Mauro, BAM 2020 catalog).
Biography
Alessandro Fabbris (Turin, 1977) studied painting at the Albertina Academy in Turin and subsequently obtained a Master’s in Photography at the Brera Academy.
He lives between Turin and Genoa, where he teaches at the Ligustica Academy of Fine Arts in Genoa.

REWORKING
Mostra personale di Alessandro Fabbris

CRAG – CHIONO REISOVA ART GALLERY
Via Giolitti 51/A – Torino
19 maggio – 18 giugno 2022
Inaugurazione giovedì e venerdì 19/20 maggio ore 15-20
L’artista sarà presente

La galleria Crag – Chiono Reisovà art gallery è lieta di presentare Reworking, mostra personale dell’artista Alessandro Fabbris (Torino, 1977) dal 19 maggio al 18 giugno 2022, nella sede di via Giolitti 51/A, Torino.
In Reworking il lavoro di Alessandro Fabbris si configura con un filo conduttore che dalla sua prima ricerca pittorica lo porta all’attuale incentrata sulla fotografia, nella quale vengono riletti e rielaborati alcuni frammenti della sua pittura, qui indagata tramite dispostivi non canonici, quali ad esempio scanner piani. L’idea centrale della mostra è di presentare al pubblico opere scelte dal 2010 ad oggi, così da far comprendere al visitatore l’evoluzione dell’artista, che si concentra sull’uso della tecnologia associato alla sua prima formazione pittorica, addentrandosi nella post-fotografia, in cui la luce ed il colore sono gli elementi cardine della sua ricerca.
Verranno esposti in mostra lavori recenti della serie Scanning Light, nella quale si uniscono chiaroscuri generati da mascherature ed interazioni con la luce, doppie esposizioni che vengono poi virate nelle cromie tramite “errori” di bilanciamento dei bianchi e dei toni, ingrandimenti e ritagli, sovrapposizioni di immagini, o meglio di particolari, che portano alla luce il substrato delle immagini.
A queste opere vengono accostate quelle della serie Procedimenti meccanici, in bilico tra fotografia, pittura ed elaborazione digitale, il cui titolo allude ad un ciclo di lezioni tenute da Fussli presso la Royal Academy of Arts di Londra sulla relazione tra pittura e nuovi procedimenti fotosensibili.
La luce è elemento centrale anche nell’opera della serie Stratificazioni, che comprende fogli di acetato dipinti con pigmenti interferenti che vengono soprapposti e stratificati tra coppie di vetro. A seconda dell’incidenza della luce varia la trasparenza del supporto e la percezione dei colori, facendo apparire le forme come epifanie che coinvolgono il visitatore e la sua esperienza sensoriale e memoriale. A Fabbris piace collegare così quei procedimenti che dalla luce portano alla pittura e che talvolta la rendono inafferrabile.
Legata al primo momento dell’artista segue l’installazione pittorica Lineamenti di una analisi, del ciclo Sintassi Aperta che indaga sulla pittura aniconica e la possibilità dell’apertura a nuove narrazioni attraverso i movimenti dei singoli elementi.
In ultimo verrà presentata un’opera tessile della serie Glitch, in cui i colori, catturati tramite scansioni e fotografie di gelatine colorate usate nell’illuminotecnica e successivamente stampati su tessuti semi trasparenti, possono cambiare la loro consistenza e il loro timbro in relazione alle fonti luminose dello spazio in cui vengono posti.
Fabbris “reimposta aggiornata al giorno d’oggi, e, soprattutto, al lume della sua sensibilità, più di una traccia tipica della ricerca astratta italiana degli anni ’60 e ’70 (…) come testimonia l’uso di una tecnica mista dove a pastelli e pigmenti vari si integrano reperti oggettuali ed un accorto e limitato uso della tecnologia digitale” (Edoardo Di Mauro, catalogo BAM 2020).

Biografia
Alessandro Fabbris (Torino, 1977) ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Torino e successivamente ha conseguito un Master in Fotografia all’Accademia di Brera.
Vive tra Torino e Genova, dove è docente all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova.

Giuliano Sale - The usual Captivity
2021-05-06 08:00 - 2021-06-25 17:00 (Europe/Rome)
per visionare le opere https://cragallery.com/artists/giuliano-sale/

The Usual Captivity
Crag Gallery inaugura la mostra personale di Giuliano Sale nella sede di via Giolitti 51 a Torino, dal titolo “The Usual Captivity”, nelle date 6 maggio / 26 giugno 2021.
L’artista, noto nel panorama della pittura figurativa italiana e non solo, per questa mostra ha realizzato un ciclo di lavori inediti, nati durante la pandemia che ha costretto al distanziamento nonché al ritiro sociale.
A differenza di tanti altri mestieri, professioni o vocazioni, quella dell’Arte, del suo momento creativo, della sua visione pittorica, è per Giuliano Sale la forma apoteotica di cattività; è il momento glorificato di sottrazione dall’ambiente più naturale, quello in mezzo agli altri, che per i lavori di Giuliano Sale risulta necessario.
E’ la forma di autoisolamento innata nel modo di lavorare dell’artista, un internamento necessario all’apertura del lavoro pittorico. Ne risulta un pieno di corpi ammassati ma solitari, di linee che si confondono, di oggetti iconici e di rimandi, in perfetto equilibrio tra di loro.
La cattività è nei soggetti delle opere di Giuliano Sale una condizione a lui intrinseca, possiamo dire una cattività di rito, un esilio naturale.
Le opere parlano di vite in modo irriverente, crudo, ironico, intervallate da momenti di delicatezza e quotidianità. Le scene ed i ritratti nascono da uno spirito di osservazione profondo e da esperienze interiorizzate dall’artista; si esplicano, immagine per immagine, accostando e sovrapponendo raffigurazioni a segni evocativi e contestualizzanti, mediante scelte pittoriche fortemente figurative intervallate da dettagli pittorici più gestuali ed istintivi.
Le rappresentazioni e gli sguardi ci obbligano ad entrare nel rituale dell’artista, un misto di simbolismo e realtà, in una narrazione apparentemente caotica, ma di fatto assolutamente meticolosa. Ogni elemento ha il suo spazio, ogni scelta pittorica ha una sua logica, precisa e ferma.
L’artista ben conosce l’interiorità dei suoi soggetti, dal punk che voleva assomigliare a Bowie a coloro che si trovano ad essere protagonisti di una deposizione, tra i partecipanti più o meno coinvolti di una festa, ai tre anarchici che forse non lo sono così tanto.
Oltre al ritratto, un altro elemento ricorrente è la nudità raffigurata in chiave realistica, talvolta erotica, che lascia trasparire la forte empatia che l’artista ha verso la realtà e l’essere umano: non c’è giudizio morale o estetico, non ci sono confini tra giusto e sbagliato, ma prese di coscienza di diverse realtà che ci vengono restituite secondo la sua visione.
La pittura di Giuliano Sale è generosa, basta abbandonarsi ad essa.
La mostra si inserisce nel programma che caratterizza la ricerca della galleria impegnata a scoprire e presentare artisti emergenti e parallelamente volta a valorizzare la pittura contemporanea di protagonisti già conosciuti come Giuliano Sale.
Si ringrazia per il contributo Mara Lomonaco

The Usual Captivity
Crag Gallery inaugurates Giuliano Sale’s solo exhibition at the gallery in via Giolitti 51 in Turin, entitled “The Usual Captivity”, on the dates 6 May / 26 June 2021.
The artist, known in the panorama of Italian figurative painting and beyond, has created a cycle of unpublished works for this exhibition, born during the pandemic that forced distancing as well as social withdrawal.
Unlike many other professions,jobs or vocations, that of Art, of his creative moment, of his pictorial vision, is for Giuliano Sale the apotheotic form of captivity; it is the glorified moment of removal from the most natural environment, the one in the midst of others, which is necessary for the works of Giuliano Sale.
It is the form of self-isolation innate in the artist’s way of working, a necessary internment for the opening of the pictorial work. The result is a fullness of massed but solitary bodies, of lines that merge, of iconic objects and references, in perfect balance between them.
Captivity is an intrinsic condition in the subjects of Giuliano Sale’s works, we can say a ritual captivity, a natural exile.
The works speak of lives in an irreverent, raw, ironic way, interspersed with moments of delicacy and everyday life. The scenes and portraits are born from a deep spirit of observation and internalized experiences by the artist; they are expressed, image by image, by juxtaposing and superimposing representations with evocative and contextualizing signs, through highly figurative pictorial choices interspersed with more gestural and instinctive pictorial details.
The representations and the looks force us to enter the artist’s ritual, a mixture of symbolism and reality, in an apparently chaotic narrative, but in fact absolutely meticulous. Each element has its own space, each pictorial choice has its own logic, precise and firm.
The artist knows the interiority of his subjects well, from the punk who wanted to look like Bowie to those who find themselves protagonists of a deposition, among the more or less involved participants of a party, to the three anarchists who perhaps are not so much.
In addition to the portrait, another recurring element is the nudity depicted in a realistic, sometimes erotic key, which reveals the strong empathy that the artist has towards reality and the human being: there is no moral or aesthetic judgment, there is no they are boundaries between right and wrong, but awareness of different realities that are given back to us according to his vision.
Giuliano Sale’s painting is generous, it is enough to abandon oneself to it.
The exhibition is part of the program that characterizes the gallery’s research committed to discovering and presenting emerging artists and at the same time aimed at enhancing the contemporary painting of already known protagonists such as Giuliano Sale.
Thanks to Mara Lomonaco for the contribution.

Jiri Hauschka - The owls are not what they seem - Turin
2020-02-11 08:00 - 2020-04-11 17:00 (Europe/Rome) | CRAG, via Nole, 57, Torino, 10149
Jiří Hauschka
The owls are not what they seem
I gufi non sono quello che sembrano
Mostra personale

11 febbraio – 18 marzo 2020
Inaugurazione martedì 11 febbraio dalle 17 alle 21
sarà presente l’artista

COMUNICATO STAMPA (for Engl. //www.cragallery.com/event/jiri-hauschka-owls-not-seem/)
CRAG è lieta di presentare al pubblico torinese le opere dell’artista ceco Jiří Hauschka con la mostra “The owls are not what they seem” già presentate a novembre in occasione dell’apertura della nuova sede di CRAG a Praga.
La mostra è la prima del 2020, dall’11 febbraio al 18 marzo 2020, in programma nella galleria di Torino e non a caso è stata scelta per il legame con il cinema. A Torino capitale del cinema 2020, proponiamo una lettura dell’opera pittorica di Jiří Hauschka con riferimento alla celebre serie “I segreti di Twin Peaks” diretta da David Lynch dalla quale è stata tratta anche l’ispirazione per il titolo della mostra “I gufi non sono quello che sembrano”.
L’artista si muove in una dimensione di simbiosi tra uomo e natura, che domina fortemente la sua esistenza e produzione artistica, influenzata dai paesaggi tipici della sua terra e del nord Europa, tra laghi e foreste. Trattasi di una narrazione pittorica che ci trasporta ad un vero e proprio racconto di memorie, sensazioni e visioni con al centro figure solitarie e silenziose.
La potenza semantica così come quella visuale riescono a coinvolgere lo spettatore, con richiami ad artisti importanti come Tom Thomson, Peter Doig e Daniel Richter, riproponendo la pittura come mezzo espressivo per eccellenza.
“Turbolente emozioni” dunque, come scrive il curatore Martin Dostal, “e colori che ci salvano dalla realtà, trasportandoci nella natura intima e umana dell’artista e forse racchiusa dentro ognuno di noi”.
La mostra è realizzata in collaborazione con Art Lines (Repubblica Ceca) ed ha il patrocinio del Centro di Cultura Ceca di Milano.
Per visionare le opere https://cragallery.com/artists/jiri-hauschka/
La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15,30 -19,30
sabato 10.30-13.00 / 15,30-19,30 – ogni mattina su appuntamento

Jiri Hauschka - The owls are not what they seem - Prague
2019-11-12 08:00 - 2020-01-30 17:00 (Europe/Rome)
Jiří Hauschka – The owls are not what they seem
Paintings by Jiří Hauschka (born 1965 in Šumperk) take us to an environment of confrontation, or rather symbiosis, of man and nature. Nature influences us more than we admit. Some painters have sensed it for a long time – especially in places where there’s a bit more of it, like in the northern regions with plenty of forests and lakes, or in the south with jungles and waterfalls. In those surroundings, events involving man may be more raw, more to the bone. The name of the exhibition is a reference to David Lynch’s legendary TV series that was set in such an environment. After that, nothing was as it had been. This is one of the ways to look at Hauschka’s paintings. And accompany him to the painters’ wilderness.
In recent years, or rather in the last two decades, we witness the art of painting looking back at its history, examining its options, seeking what is still attractive and alive in past layers, and finally realizing, to its surprise, that it can still invigorate today’s audience through its colours, views, compositions and ideas, and be attractive for contemporary artists. And it realizes that figures set in a certain spatial or scenic configuration possess a visual and semantic potency that upsets and attracts a contemporary person just as it did in the decades and centuries before us. Fragments of past visuals are pieced together with the fragments of tomorrow’s imagination.
Jiří Hauschka turns to this type of painting method that utilizes colours and symbolic connotations, prevalent at the turn of the 20th century – he positions himself in that period next to the Canadian painter Tom Thomson (1877–1917) – and used by contemporary painters such as Daniel Richter or Peter Doig. Reality is transformed by the painter’s narration into layered storytelling, where the artist’s memory is interspersed with new experiences, views, desires and emotional turbulences. In the case of Jiří Hauschka, we find ourselves in the wilderness of painter nostalgia, where we look for the conceptual person, and in urban civilization, which has barely any options left and where we can therefore feel and see the colours of wilderness. Ultimately, we can be justified in our impression that nothing is as it seems at the first and second glance – just like in the world of Lynch’s Twin Peaks, where a corpse unexpectedly appears in a quiet town set in the middle of nature, where the trees keep rustling and the waterfalls keep flowing. Colours save us from reality.
Martin Dostál, Curator

Summer Exhibition 2019
2019-07-16 08:00 - 2019-08-30 17:00 (Europe/Rome)

Christmas Collection 2018
2018-12-01 08:00 - 17:00 (Europe/Rome)

Une traversée sans histoire - Paul De Flers
2018-10-25 08:00 - 2018-12-01 17:00 (Europe/Rome) | CRAG, via Nole, 57, Torino, 10149
Paul de Flers
UN TRAVERSÉE SANS HISTOIRE
Mostra personale

Dal 25 ottobre al 24 novembre 2018
Inaugurazione 25 ottobre 2018 ore 14 – 21
sarà presente l’artista

Apertura straordinaria durante La Notte dell’Arte Contemporanea
in occasione di Artissima 2018

COMUNICATO STAMPA

Crag Gallery presenta i lavori del giovane pittore francese Paul de Flers nella personale dal titolo “Un traversée sans histoire” dal 25 ottobre al 24 novembre 2018.
La mostra comprende lavori inediti dell’artista realizzati per la mostra. Il titolo richiama l’espressione francese Un traversée sans histoire, ovvero “una traversata calma” e sta a significare che si è compiuto un viaggio, un’avventura, ma che, apparentemente, non è successo nulla di particolare. L’artista trae ispirazione dal titolo della poesia dello scrittore francese Blaise Cendrars (1887–1961), famoso per aver saputo intrecciare l’immaginario ed il reale nei suoi romanzi, nei film e nelle sue poesie, ispirandosi a numerosi viaggi e diventando così un personaggio leggendario, amico di artisti come Modigliani, Chagall, Leger.
Nelle opere di Paul de Flers, la vegetazione quasi astratta si fonde spesso con l’architettura funzionalista. L’artista, affascinato dagli edifici di grandiosi architetti come Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi e Charles Eames, ne coglie scorci, atmosfere e li trasferisce sulle sue tele, privilegiando nella scelta le case in cui gli stessi architetti hanno poi abitato. I luoghi del Sud America, in particolare del Brasile ed in Francia della Costa Azzurra (che l’artista ha visitato) sono dipinti con colori profondi e complessi, risultato dell’utilizzo dei pigmenti che egli prepara per le sue tele e che ben rendono il clima della sua “traversata calma”. Talvolta ritroviamo anche figure appena accennate, quasi silhouette, di piccole dimensioni in confronto allo spazio che abitano. Ne risulta un clima sospeso, appena distratto dal vento che scompone le fronde, pervaso da una sottile malinconia, raffinato ed un dialogo universale.

La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15,30 -19,30
sabato 10.30-13.00 / 15,30-19,30 ogni mattina su appuntamento
Per informazioni
info@cragallery.com
+39 3351227609

CHIONO REISOVA ART GALLERY – CRAG
via Giolitti, 51 – 10123 Torino

Tomas Tichy - About a digital dream
2018-09-13 14:00 - 2018-10-20 19:30 (Europe/Rome)
Tomas Tichy
ABOUT A DIGITAL DREAM
Solo Show

13th September – 20th October 2018
Opening 13th October 2018

Catalogue on Show with text by Karin Reisovà and Vlatislav Tokos
Comunicato stampa Tomas Tichy

For the first time in Italy Crag Gallery presents in Italy the work of the young artist from Prague Tomas Tichy in a solo show entitled “About a Digital Dream” from the 13th September to the 18th October 2018.
The choice to exhibit Tichy’s work starts from the attention of the gallery towards the new generation of painters born in the mid 80s in Czech Republic. The artist is part of a trend which tries to renew the classic painting through current themes. This “Painting Renaissance” is deeply supported by the tradition of the Good Painting at the Academy of Fine Arts of Prague, where the artist studied.
The artworks shown are coherent with the past cycles, but they also present themselves as research medium of new and current contents that the artist expresses with technical skill, starting from figuration to join abstract original elements.
In his paintings Tichy proposes a scenic plant in which he unites sparks from the reality that surrounds him and hypnotic timeless details. The artwork is permeated by a sensation of silence and stillness. They originate by the severe rationality of the impersonal and technical design typical of his city. The architectural aspect is then connected to the central skill of the new technologies and of their impact on people. The artist wants to give a double vision: on one side the technology offers himself to the man reassuring him, supporting him, instead on the other side it becomes creator of stress and doubts, bringing the man to ignore the importance of empathy between humans. The artworks contain details difficult to catch, but that influence and sometimes are crucial in the existential questions of our life.
The series of shown works includes the key painting Signal in which the artist starting from pictures taken in the Australian rainforest, replaces a tree, climbed by a friend, with a prefabricated chipboard structure to represent the flows that surround us and that we love, but that most of the time we lose. Chaos and order combine themselves to represent the society and how Tichy says “ What seems like chaos may sometimes have its own hidden pattern, and where we see order, chaos often prevails…”

ABOUT A DIGITAL DREAM
Mostra personale

Dal 13 settembre al 20 ottobre 2018
Inaugurazione 13 settembre 2018 ore 14 – 21
sarà presente l’artista
Catalogo in mostra con testo di Vlatislav Tokos

Giornata del Contemporaneo 13 ottobre 2018
Crag Gallery presenta per la prima volta in Italia il lavoro del giovane pittore praghese Tomas Tichy in una mostra personale dal titolo “About a digital dream” dal 13 settembre al 18 ottobre 2018.
La scelta di proporre il lavoro di Tichy nasce dall’attenzione della galleria verso la generazione di pittori nati nella metà degli anni ’80 in Repubblica Ceca. Il lavoro dell’artista fa parte di una tendenza che cerca di rivitalizzare la pittura classica affrontando temi attuali e questo “rinascimento della pittura” è fortemente sostenuto dalla tradizione della buona pittura all’Accademia delle Belle Arti di Praga dove l’artista si è formato.
Le opere in mostra sono coerenti con i cicli passati, ma si pongono anche come mezzo di ricerca di nuove ed attuali tematiche che l’artista esprime con assoluta abilità tecnica, partendo dalla figurazione per unirvi elementi astratti originali.
Nei dipinti Tichy propone un impianto scenico in cui unisce spunti della realtà che lo circonda e dettagli ipnotici e atemporali; la composizione che ne risulta è pervasa da una sensazione di silenzio ed immobilità che derivano dall’austera razionalità del design impersonale e tecnico tipico della sua città. L’aspetto architettonico viene poi legato alla centrale tematica delle nuove tecnologie e del loro impatto sull’uomo. L’artista ne vuole dare una doppia visione: da una parte la tecnologia si pone al servizio dell’uomo e lo rassicura, per certi versi lo sostiene, dall’altra parte invece è creatrice di angoscia e dubbi, e lo porta a tralasciare l’importanza dell’empatia tra esseri umani. I lavori contengono dei dettagli che a prima vista non si scorgono ma che in realtà influiscono e talvolta sono decisivi di questioni esistenziali nella nostra vita.
La serie di lavori in mostra comprende il quadro guida Signal in cui l’artista, partendo da immagini fotografiche scattate nella foresta pluviale in Australia, sostituisce ad un albero in cui un’amica si era arrampicata, una struttura di truciolato prefabbricata a rappresentazione dei flussi che ci circondano e che amiamo, ma che spesso perdiamo. Si combinano il caos e l’ordine a rappresentazione della società e come sostiene Tichy “Sembra che il caos a volte abbia un suo ordine nascosto e dove vediamo l’ordine, il caos invece spesso prevale … “.

La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15,30 -19,30
sabato 10.30-13.00 / 15,30-19,30 -ogni mattina su appuntamento
Per informazioni
info@cragallery.com+39 3351227609

BIOGRAFIA
Tomas Tichy è nato a Praga nel 1984, dove vive e lavora. Dopo aver conseguito la laurea presso l’Accademia di Belle Arti di Praga, sta continuando con un dottorato di ricerca nella stessa università.
Rappresenta in modo originale la nuova tendenza artistica dell’arte emergente in Repubblica Ceca e collega, con originalità, la qualità pittorica e lo studio tecnico alla ricerca tematica, unendo classicismo e innovazione. Le opere in rapido sviluppo di Tomáš Tichý presentano uno dei concetti più originali della nuova ondata della pittura ceca. È stato in grado di collegare tecniche di pittura ben studiate e accuratamente studiate con l’abilità e la volontà di continuare a cercare e scoprire nuovi temi per i suoi dipinti.
Negli ultimi anni ha partecipato a diverse mostre ed è stato finalista al Columbia Threadneedle Prize, Premio Celeste, Art Prize CBM (Torino, Praga, Londra).

Occurrens - Silvia Argiolas, Enrico Minguzzi e Giuliano Sale
2018-05-03 18:00 - 2018-06-23 18:00 (Europe/Rome)
CRAG Gallery is pleased to open the exhibition “Occurrens – Silvia Argiolas, Enrico Minguzzi and Giuliano Sale”, organised as part of the project of the first edition of “Fo.To. Photographers in Turin”, an initiative conceived and promoted by the Museo Ettore Fico (https://www.fotografi–torino.it).
With great enthusiasm, CRAG decided to participate, presenting a project that combines photography and painting, to discover a multi-faceted night time in Turin.
The exhibition period also includes numerous initiatives, including the Notte Bianca and the presentation of artist’s books on the occasion of the off events of the Salone del Libro.

Project Room #1 - Giacomo Modolo
2018-04-05 - 2018-04-28 | CRAG, via Giolitti, 51, Torino, 10123, Italy
CRAG Gallery inaugura la mostra PROJECT ROOM #1, parte di un più ampio e nuovo progetto che coinvolge giovani artisti e curatori.
Con Project Room #1 CRAG propone al pubblico il lavoro pittorico di Giacomo Modolo (Vicenza, 1988). Sono opere che l’artista ha realizzato al di fuori del proprio spazio atelier e iniziato in galleria direttamente a gennaio. E’ il risultato dell’interazione tra l’artista e lo spazio-galleria, ed una città a lui nuova. E’ un percorso di confronto solitario con se stesso e la sua pittura. Le opere esposte sono figure di uomini e animali decontestualizzate.
Come scrive Marco Petrocchi nel testo che accompagna il catalogo “Attraverso la Project Room nell’interpretazione di Giacomo Modolo superiamo l’opposizione tra la vita del processo creativo e la solitudine dell’opera singola da cui l’artista deve separarsi, alienandola nel momento della presentazione.[…] Questo allestimento non è una semplice atopia in cui si ricolloca un oggetto edificato altrove, ad esempio il suo studio. E’ la dimensione intima che prevale. In questo caso lo spazio va vissuto come ciò che l’artista non può tenere al di fuori di sé, una dimensione interiore in cui il prodotto artistico lievita tanto più egli si digerisce, dove creare significa originare se stessi nell’opera”.

– versione italiana (curatore Marco Petrocchi) ita:testo project room
– versione inglese (curator Marco Petrocchi) english text project room

Gotico Sardo e inaugurazione nuova sede
2017-09-15 16:00 - 2017-10-21 19:00 (Europe/Rome) | CRAG, via Giolitti, 51, Torino, 10123, Italy
Inaugurazione 15-16 settembre 2017 ore 16/20.
In occasione dell’apertura della nuova sede nel cuore di Torino in via Giolitti 51, CRAG – Chiono Reisova Art Gallery propone al pubblico torinese la mostra “GOTICO SARDO” a cura di Camillo Langone dal 15 settembre al 21 di ottobre 2017.
La Galleria ha accolto con entusiasmo la proposta artistica del curatore e giornalista Camillo Langone seguendo la predilezione per la pittura che caratterizza la galleria, e proponendo i lavori degli artisti Silvia Argiolas, Antonio Bardino, Nicola Caredda, Silvia Idili, Giovanni Manunta Pastorello, Vincenzo Pattusi, Giuliano Sale, noti nel panorama dell’arte emergente italiana.
Dalla regione italiana geologicamente più antica, i cui vulcani sono spenti da molti milioni di anni, proviene una pittura nuova ed accesa che Camillo Langone definisce per l’appunto Gotico Sardo.
“Si può parlare oggi di pittura lombarda, veneta, toscana? Riferendosi ai secoli scorsi senz’altro, riferendosi al terzo millennio solo se dotati di una notevole capacità di arrampicarsi sugli specchi. L’identità artistica sarda è dunque un’anomalia, una controtendenza, un fenomeno che fra l’altro non ha nulla di folcloristico e di residuale vista l’eccellenza dei risultati, l’ampiezza dello sguardo, la bassa età media dei suoi pittori. Naturalmente l’architettura gotica di tante cattedrali medievali non c’entra nulla. La mia accezione di gotico somma quella di Giorgio Vasari, ossia gotico come barbarico, quella del romanzo gotico inglese (spesso ambientato sulle coste dell’Italia meridionale), ossia gotico come romantico e tenebroso, quella della sottocultura goth sonorizzata da Bauhaus, Cure, Siouxsie & The Banshees, ossia gotico come dark e ipnotico”.

La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15,30 -19,30
sabato 10-13.00 / 15,30-19,30
ogni mattina su appuntamento

Per informazioni
info@cragallery.com
+39 3351227609

CHIONO REISOVA ART GALLERY
via Giolitti, 51
10149 Torino

Diego Zangirolami - Studio Labdia
2016-11-24 08:00 - 2017-01-12 17:00 (Europe/Rome) | STUDIO LABDIA – Impresa Edile Servetti, via Alla Villa Quiete 2, Turin, Italy
DIEGO ZANGIROLAMI
The process – The hidden life of things and people
24 November – 12 December 2016 curated by Sergio Manca and Elisabetta Chiono

Studio LABDIA of Architecture in Turin will host the exhibition of Diego Zangirolami – The process – The hidden life of people and things – from the 24th November to the 12th of December in their new venue in collaboration with CRAG.

The artist works in a different temporal dimension than the current moment, as his actions are based on a collective memory where the whole history of art (and not only a specific story) participates to his culture, his way of being, thus making his proposition active and connected to other needs.
(Flash Art n. 326 march-april 2016, extract from the interview to Enrico Castellani, 1986)
I was reading the interview to Enrico Castellani while I was on the train and I immediately thought about the work of Diego Zangirolami, the young artist from Turin that we chose for the first solo show of Chiono Reisovà Art Gallery.
The collective memory told in the artworks on exhibition is jointly made of literature, architecture, mythology and history, wisely combined with the experience, passions and everyday life of the artist.
The series Il processo, already partly exhibited in Cile in the solo show of 2014, is widened and deepened today examining even more the Kafka’s universe that is the base of Diego’s work.
Precious miniatures enclose small worlds, linked to each other, where characters either real or made up live in extemporal contexts.
The creative mind of the artist, anachronistic at a first glance, contains a different temporality that is developed in a totally personal way for the choices both in the composition and the contents. Prof. Bruno Orlandoni, who has been following Diego’s work since the beginning, identifies four clear parameters to describe him as artist (pag. …)
Since the beginning we have seen in his work a quid pluris, a courage to be far beyond the fashion of the moment, that are the founding elements in the path of the Gallery and, as a consequence, of the selection of both the artists and curators. We chose Sergio Manca as co-curator for the sensibility that put him closer to the artist, sharing his thought and understanding what lies underneath his work.
The exhibition becomes an opportunity to go beyond. The artist shares with us his meticulous work that CRAG nourishes and opens to the public.
We invite you, then, to enjoy the hidden life of things and people.
Elisabetta Chiono

Impresa Edile Serve Fratelli s.n.c. was founded in the 1956 and has been operating for over 50 years in the residential and industrial construction field. It now is comprised of two integrated companies: labdia laboratorio di architettura, for design and construction supervision, and gest.com, for the management of the entire construction process, with direct involvement in each project phase.
Thanks to this structure, our research and design activities, which combine the ideas of professionals with technical construction opportunities and financial planning, are developed and implemented with the coordination and control of the development process, as well as the marketing, thus ensuring a constant vision overall and consistency of the quality of the work. Such organisational abilities make servettimpresa a strong reference point in the contemporary construction field, especially for the customers and clients that make quality their overriding goal at all stages and in every detail.
For more information and for visiting the exhibition please write to info@cragallery.com

1 x 1
2016-06-24 - 2016-07-24 | CRAG, via Nole, 57, Torino, 10149
From the 24th of June to the 24th of July, CRAG is pleased to present a selection of works by the artists of the gallery and other emergent artists we work with: Alessandro Cardinale, Sabrina Milazzo, Giacomo Modolo, Giacomo Montanelli, Mattia Novello, Tomas Tichy, Zdenek Trs, Jan Uldrych, Diego Zangirolami.
1 x 1: one work for each artist!
This is the last exhibition before the summer break and it’s open every day by appointment.
